Estamos en la Casita del Labrador, que es un palacete
de finales del siglo XVIII, del reinado de Carlos IV
y María Luisa de Parma,
y es un lugar, bueno, excepcional.
Era un lugar de ocio,
y precisamente el hecho de que sea un lugar de ocio
encaja muy bien con las pinturas que vamos a ver aquí.
Estamos ante un ejemplo excepcional,
una pintura que representa los discursos ilustrados
del siglo XVIII en defensa de las mujeres.
En el siglo XVIII se van a publicar numerosos textos
que defienden a las mujeres, pero en concreto es
el de Benito Jerónimo Feijoo el que más relevancia tiene y, bueno,
tiene una tirada excepcional para la época, es bastante pionero
en ese sentido y vamos a ver cómo hay muchos autores
que hablado de las repercusiones
que tiene en la literatura el texto de Feijoo,
pero ninguno de la repercusión que ha tenido a nivel visual.
-Realmente es un ciclo muy singular
y extraño y absolutamente anómalo el protagonismo que tiene la mujer.
Es verdad que vivíamos ya en la sociedad ilustrada
donde la mujer empieza a tener su peso en la sociedad,
aunque todavía muy limitado, sin duda,
pero la intervención, la idea,
la primera idea no podemos saber si es del pintor
o si es una indicación del rey.
No hay constancia documental de por qué se hizo esa decoración
en concreto y, de hecho, el resto de ciclos pictóricos
que tiene la Casa del Labrador,
como esto que es de Zacarías Velázquez,
esta sala de la galería de estatuas,
o la siguiente, que es el Salón de Billar,
son ciclos un poco más usuales.
Esta pintura es un poco la naturaleza.
Esto es una Casa del Labrador.
La Casa del Labrador es un empeño personal de Carlos IV
que, de hecho, le ocupa la mayor parte de su reinado
desde el año 94 en que lo construye
hasta 1808 en que tiene que abdicar.
En realidad, está remodelando la decoración
de las salas durante todo ese tiempo.
Cuando acaba con unas zonas, se mete con otras
y, una vez que ha acabado estas,
se va a las otras y las cambia de sentido.
Era una casa en comunión con la naturaleza.
De hecho, se podía acceder por esta otra parte,
aunque la puerta principal está justo por el otro lado.
De hecho, la representación del techo está para ser vista bien
según se entra desde el jardín.
En ese sentido, se ve que había una comunicación
más con el espacio natural de lo que hay hoy día.
La Casa del Labrador es una casa-museo
y hoy día toma unas medidas de conservación
acorde a lo que debe ser para un museo.
-El texto de Feijoo tiene unas similitudes
con la bóveda de Luis Japelli,
que es el pintor que realizó estas pinturas.
Luis Japelli, por ponerlo en contexto,
es un pintor de la corte de Carlos IV,
que nombraron pintor honorario en 1795,
y eso es algo bastante llamativo, porque en aquel momento en España
se estaba intentando premiar a los pintores españoles,
no a los pintores extranjeros;
pero las pinturas de Luis Japelli debían de gustar tanto
que lo nombraron pintor honorario, y sabemos que este pintor era
especialmente ilustrado, porque solicitó tener libros
que lo ilustrasen con las más selectas luces.
Aquí vemos en esta bóveda cómo va a haber muchos guiños,
citas literarias, citas visuales
y una vasta cultura visual que tenía este pintor.
Luis Japelli, además, va a ser un pintor que le gusta entremezclar
fantasía con realidad, y ese juego de adivinanzas conjuga muy bien
con el final que tenía... el destino que tenía
este palacete, que era el puro ocio.
No se sabe muy bien quién está detrás del programa iconográfico,
no sabemos si lo ideó y pensó Japelli
u otra persona, como por ejemplo María Luisa de Parma,
con quien tiene mucha relación este discurso ilustrado,
pero sabemos al 100% seguro que fue él quien lo pintó,
así que nos vamos a dirigir a esta bóveda
como la bóveda de las pinturas de Lus Japelli.
-El papel de la mujer o la presencia de la reina en la Casa de Campo
es algo que tampoco tenemos constancia cierta.
Había mitos de que a lo mejor alguna colgadura bordada
la había hecho la reina, pero en realidad
es obra documentada de Juan López de Robredo en la que intervinieron
por cierto, muchas bordadoras.
Él era el encargado de la obra,
pero participaban muchas bordadoras en la realización.
Presencia de la mujer, por supuesto.
Tuvieron que venir amistades de los reyes
porque consta en algún bordado precisamente
alguna visita en la que está Carlos IV con gente.
Entonces sí que recibía a los amigos, se sabe que recibía amigos,
también hay constancia de pequeños conciertos de cámara,
digamos de violinistas y demás en algunas ocasiones,
pero no hay una referencia fehaciente
de la presencia de la reina, aunque evidentemente su retrato
está en la entrada, en el relieve de Hermenegildo Silici,
y es evidente que, como consorte del rey, tuvo que estar aquí.
-El esquema general de la bóveda lo que nos refleja
es la exaltación de la mujer
y también la celebración del orden patriarcal,
y esto tiene un claro sentido porque en el siglo XVIII
no se podía defender a la mujer sin dejar o manifestar claro
cuál era el papel del hombre,
no quitarle al hombre ningún peso para dárselo a la mujer
porque, dentro de esa sociedad patriarcal,
no sería posible,
sería un discurso demasiado disruptor
para ese momento.
"En grave empeño me pongo.
No es ya solo un vulgo ignorante con quien entro en la contienda:
defender a todas las mujeres viene a ser lo mismo
que ofender a casi todos los hombres,
pues raro hay que no se interese en la precedencia de su sexo
con desestimación del otro".
Por eso en el discurso Feijoo va a centrar algunos capítulos
en su defensa...
en la defensa en el plano moral de las mujeres,
luego también algún capítulo
en la defensa de la fortaleza física de las mujeres
pero sobre todo va a centrar su atención en defender
su capacidad para los conocimientos sublimes,
que era como se llamaba en la época;
y es lo que vamos a ver también
representado aquí en la bóveda de Japelli.
Japelli empieza exaltando la fortaleza física de las mujeres
y su virtud con las amazonas.
Sobre todo se basa posiblemente en el texto de Apolodoro,
donde nos refleja cómo Heracles,
en su noveno trabajo, va a visitar a Hipólita,
que necesita su cinturón,
y lo que iba a ser una entrega del cinturón amistosa,
terminó siendo el origen de la amazonomaquia,
porque Hera, que también está representada en un detalle,
parece que extendió el rumor
de que Heracles había secuestrado a la reina,
a Hipólita, a la reina de las amazonas,
y entonces todas las amazonas corrieron a defender a su reina.
Ni se incide en la violencia de las mujeres,
pero tampoco en la violencia de los hombres,
que son finalmente quienes ganan el combate,
Heracles sale vencedor,
y es una idea en la que tampoco se quiere incidir,
porque lo que se quiere mostrar es
una idea más conciliadora del restablecimiento
del orden patriarcal.
Son los hombres quienes salen vencedores,
por lo tanto no hay ningún problema, nadie se ofende,
pero es mediante el amor y el matrimonio
donde se restablece...
el medio por el que se restablece el matrimonio,
y lo vemos en otros dos detalles,
que está representado Teseo y Antíope.
Teseo era un héroe que acompañó a Heracles en su noveno trabajo,
y se le regaló, se le otorgó
una amazona en recompensa, que es Antíope.
Eso que a día de hoy nos puede llamar mucho la atención, en los mitos
es algo muy frecuente, y en el teatro de la Edad Moderna del siglo XVIII
es un tema que se repite hasta la saciedad:
cómo, frente a una inicial reticencia por parte de la amazona,
que está representado en las pinturas
con esa mujer que está haciendo aspavientos,
termina enamorándose de Teseo y teniendo un hijo con él,
que es Hipólito.
Y esta idea conciliadora es en la que se incide también
en los tapices que unen
las dos partes principales de esta vía.
Aquí está representada la alegoría del matrimonio.
En la alegoría del matrimonio se ve cómo cada parte
tiene sus roles muy marcados.
Aparece la mujer como cuidadora
que está recolectando algunas hierbas,
posiblemente hierbas curativas, que es un rol que se ha atribuido
históricamente a la mujer para curar posiblemente al hombre
que parece herido porque tiene la cabeza vendada.
Y más arriba vemos cómo el reparto de los roles
se lleva a una edad un poco más moderna
en la que la mujer se está encargando de la comida en el gallinero
y el hombre se está ocupando del comercio,
con ese intercambio de dinero.
Y aquí tenemos la última parte del discurso que también
está muy relacionado con el discurso de Feijoo, porque Feijoo
termina su discurso eligiendo algunos ejemplos excepcionales
de mujeres de distintas épocas para demostrar
la igualdad entre hombres y mujeres.
De hecho, eligen tanto Japelli como Feijoo
no representar a mujeres ejerciendo lo que normalmente
se utilizaba para representar a una buena mujer,
que es el bordado.
Normalmente a las mujeres se las representaba como madres
o bordando, como las mejores tareas del hogar.
Aquí se omite representarlas así.
Y es que, frente a cómo se representan
las amazonas en el teatro, que se representa sobre todo
la domesticación de la mujer por medio del matrimonio,
aquí lo que Japelli parece que quiere demostrar
no es esa domesticación,
porque no aparecen bordando, sino las amazonas contemporáneas.
Por eso también esa contraposición
entre las amazonas antiguas y las contemporáneas.
Vemos a las amazonas de la época,
que ya no tienen que utilizar su fortaleza física
porque pueden utilizar su fortaleza intelectual.
Y comenzamos por la escena del centro, que creo que es
una escena extraordinaria, porque no conozco ninguna otra
en la que se vea una orquesta íntegra de mujeres.
Todas las mujeres que aparecen tocando...
todas las músicas son mujeres,
y esta podría ser una pintura que guiña
las capacidades musicales
de la propia reina María Luisa de Parma, que era, pues...
tocaba varios instrumentos y era mecenas de músicas;
pero también podría citar a su propia hija,
María Luisa de Borbón,
que incluso llegó a componer alguna sinfonía.
La otra imagen, la de la pintora,
se podría estar aludiendo
al papel de las mujeres en la reciente
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando,
y la referencia a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
estaría por dos lados:
en un lado en el Gladiador Borghese,
que sabemos que se conserva un vaciado
en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando;
y, por otro lado, por el retrato que está realizando
esa mujer pintora, que es similar al retrato que se conserva
en la institución del conocido en España como Jaime Marquet,
que era un arquitecto, y ese retrato
lo había realizado Faraona Olivieri.
-Faraona Olivieri es una de las primeras académicas de mérito
que ingresa en los años 50
dentro de la institución.
Los dos retratos que presenta Faraona son, por un lado, un retrato
del arquitecto Jaime Marquet, y, por otro lado,
la cartela del museo y los inventarios
desde principios del siglo XIX
lo que nos indican es que es un autorretrato de la propia artista.
Sin embargo, cuando vamos a la documentación,
a las actas de la junta
donde fueron presentadas estas obras,
allí indican claramente que era un retrato del arquitecto,
y por otro lado, de una señora
a quienes algunos miembros de la junta decían conocer,
pero a día de hoy seguimos identificándolo
como un autorretrato por algún cambio que,
desconocemos el motivo, bueno,
pues se introdujo la información de los inventarios
a principios del siglo XIX.
-La figura de Faraona Olivieri, u Olivier,
porque recientemente también se ha cuestionado su apellido,
está rodeada de confusiones.
Quizás una de las más persistentes
es la que tiene que ver con el arquitecto Jaime Marquet,
que, bueno,
gran parte de la historiografía ha señalado que era su marido,
cuando esto no era así.
Es un equívoco muy extendido,
tanto que yo misma lo reproduje en un artículo,
y a día de hoy aún figura así
en la cartela y en la web de la Academia.
Gracias a la grabación de este documental,
pudimos darnos cuenta,
en conversación con las conservadoras,
de este error que también otros investigadores han advertido.
Este equívoco, sin embargo, no resta valor a la obra,
que fue aclamada en su momento,
sobre todo por el gran parecido que tenía
el modelo con el retrato, y gracias a este retrato,
junto al retrato de una mujer, Faraona Olivier
fue admitida como académica de mérito en 1759.
-La Academia se crea con una finalidad principal,
y es la de buscar el progreso de las bellas artes
en la monarquía española, con dos objetivos clave:
por un lado, la formación de los artistas,
imponer un canon, por así decirlo, normativo,
que se ejerza en el conjunto del país;
y, por otro lado, también educar
al público en materia de buen gusto,
de manera que también se extendiera, por así decirlo,
entre clientes, entre mecenas, y entre otro tipo de públicos
interesados cada vez más
en el conocimiento de las bellas artes.
La primera junta pública se celebra en el año 1744,
se hacen las dependencias del Palacio Real,
en esa primera junta pública se hicieron dos cosas:
por un lado, se discutieron los asuntos del orden del día,
pero luego se organizó una asistencia,
una demostración de una sesión de dibujo en vivo,
dibujo al natural, con un modelo,
de manera que, tanto los discípulos como los maestros,
según nos recogen las actas de la Academia, empezaron a hacer
una sesión de trabajo delante de todos los invitados.
La pregunta que cabe hacerse es qué papel tenían, o qué presencia,
mejor dicho, tenían las mujeres en estas exposiciones públicas.
En realidad, no tenemos constancia por escrito
de que las mujeres asistieran o no a estos actos,
se habla de un público general,
pero hay que tener en cuenta que esas actividades formaban parte
de los eventos clásicos o típicos de la sociabilidad de la época,
donde las mujeres estaban perfectamente integradas;
por lo tanto, asistir a una demostración o una exposición
de la Academia, podía ser una actividad
para muchas de las mujeres, sobre todo de las clases altas,
similar a ir de paseo, ir al teatro, organizar una tertulia...
Por lo tanto, ellas, en ese momento,
en el siglo XVIII, y es una de las novedades
que tienen que ver con la evolución de las mujeres en esta época,
es su proyección en los espacios públicos.
Por otro lado, también nos encontramos
con la presencia de las académicas de mérito.
Las académicas de mérito,
que eran miembros de pleno derecho de la propia institución,
y que ingresaban en la misma presentando unas obras,
unos trabajos que demostraban su valor artístico.
Claro, en realidad, el papel que podían tener estas mujeres
era limitado, tenía un carácter más simbólico.
Aunque fueran académicas de mérito y se las reconociera como tales,
tampoco asistían de forma frecuente a las reuniones,
no participaban en el día a día de la propia institución,
pero formaban parte de ese listado de académicas
que va a llegar hasta el presente.
También hay que tener en cuenta
que las obras que enviaban las propias mujeres
para ser admitidas como académicas de mérito,
también pasaban a engrosar las colecciones de la institución
y también formaban parte
de la exposición de las obras para mostrarse al público.
En esta sala lo que vemos son reunidas
las obras que fueron premiadas
en los denominados "concursos o premios generales".
Eran unos premios que se organizaban cada tres años
a partir de los años 50, y que no solamente estaban destinados
a los discípulos de la Academia,
sino que se hacía una convocatoria a toda la monarquía,
de manera que cualquier artista
podía enviar sus obras ante esa convocatoria.
Cuando nos fijamos en las obras de esta sala, lo que vemos
es que no hay una presencia de mujeres.
Las mujeres que accedieron a la Academia
lo hicieron como académicas de mérito presentando sus propias obras,
pero realmente la formación de mujeres artistas
en el seno de la Academia,
tendríamos que esperar todavía unas cuantas décadas
que se pusiera en marcha
con la llamada "Escuela de niñas",
ya finalizada la Guerra de la Independencia,
a partir del año 1816.
Por lo tanto, las mujeres en este momento no tenían acceso,
en igualdad de oportunidades,
a la formación de los artistas varones.
Eso explica que muchas de estas composiciones que vemos
en realidad no pudieran ser ejercidas por mujeres,
ya que no tenían los conocimientos adecuados
a nivel técnico, a nivel compositivo,
para poder afrontar este tipo de cargo.
Las mujeres que sí fueron capaces a lo largo de la historia de afrontar
una pintura de historia, afrontar una escena religiosa o mitológica,
fueron normalmente excepciones a la regla.
Es decir, eran mujeres
que habían demostrado unas dotes extraordinarias,
que habían superado esos obstáculos en la formación
y, por lo tanto, podían equipararse en calidad
a los artistas masculinos.
Las académicas de mérito van a tener ese papel,
digamos, simbólico, pero casi más como una proyección
y esto es algo que se va a consolidar también
con el cambio de siglo, va a ser casi ya
una especie de proyección social.
Es decir, va a primar ya más
un espacio más de sociabilidad,
de proyectarse hacia los demás
por parte de esas mujeres, más que un hecho
propiamente artístico.
Y eso demuestra, en el fondo, un éxito,
que es la implicación de la propia Real Academia
de las Artes de San Fernando en lo que era la sociedad de su época
y los intereses intelectuales de la misma.
-La escena que vemos aquí representada es una escena
de educación, pero sabemos que es una escena de educación
porque guiña, y esto sí que es una cita literal, a una estampa,
que primero fue retrato, de Léopold Boilly,
que representaba a Louise-Sébastienne Gély
y a su hijastro,
que está, bueno, mostrándole estampas con esa máquina diagonal óptica.
Es interesante ver cómo inciden, precisamente,
que es la educación de la niña el centro,
porque es lo que cambia respecto a la estampa.
En la estampa vemos a Antoine Danton
y aquí vemos a una niña.
También vemos otros instrumentos de educación,
como mujeres que están enseñando a leer o mujeres con libros y niñas
a lo largo de varias escenas, y esto podría aludir a esas mujeres
que estaban haciendo especial hincapié
en educar a las niñas,
que era algo que había que luchar en esa época.
En la última escena vemos a una mujer que está declamando,
que podría aludir a las mujeres literatas,
aquellas que escriben poesía, que escriben teatros...
Bueno, había muchas en la época,
pero había una especialmente interesante:
María Rosa de Gálvez,
que escribió tanto poesías como obras de teatro,
y que fue especialmente aclamada en la época.
Por concluir, aquí vemos que en esta bóveda
se quiere representar
la imagen de la mujer en igualdad de los hombres,
pero sin condicionar en absoluto el orden social.
Vemos a mujeres que han alcanzado los conocimientos sublimes:
la música, la pintura, que son habilidades...
y la lectura, que se pueden ejercer dentro del hogar.
Todavía faltaría mucho camino
para poder ver esas mujeres que ocupan lugares
en la esfera pública.
Si bien es cierto que también en ese momento
se funda la Junta de Damas, y fue un hito
que la Real Sociedad Económica Matritense de Amigos del País
dejara que las mujeres tuviesen su propia vía de actuación,
esas mujeres se dedicaban sobre todo a la beneficiencia
y a la educación de las niñas.
Por lo tanto, lo que vemos aquí es un gran hito para la época,
para el siglo XVIII, donde simplemente, como decía Feijoo,
defender a las mujeres era lo mismo que ofender a todos los hombres,
pero todavía sin duda quedaría un camino muy largo por recorrer
para lograr la verdadera igualdad.