Berta Sánchez, que es profesora en el Máster de la UNED para la
Formación del Profesorado en la Especialidad Economía,
nos invita hoy a reflexionar sobre las implicaciones
de la música en la economía y de la economía en la música.
Un nuevo capítulo de la serie Innovación Educativa Sí o Sí,
en el que nos visitan tres miembros
del grupo de música barroca Orpheus Musicus,
que Berta nos presenta a continuación.
Bienvenidos a todos nuestros oyentes a un nuevo programa de Sí o Sí.
Hoy os vamos a sorprender con música y economía.
Y algunos se preguntarán qué podemos aprender de economía
si hablamos de música o cómo influye la economía
en la música y la música en la economía.
Bueno, pues hoy hablaremos de todas estas cuestiones
con un grupo muy especial que es el grupo de música Orpheus Músicos.
Hoy tenemos con nosotros a Sergio Suárez,
a Irene Galán y a Irene Martínez Sevilla.
Bienvenidos a los tres.
¿Qué tal?
Muy buenas, Berta.
Muchísimas gracias.
Muchas gracias.
Bueno, pues nuestra idea es enseñar economía de manera interdisciplinar
y facilitar un poco esa conexión de conocimientos
que al final nos permitan tener aprendizajes más significativos.
Y hoy queríamos conectar nuestro aprendizaje económico
también con lo que la música nos aporta a la economía
y también aprender a entender un poco mejor el ámbito musical.
Desde la perspectiva económica.
Y bueno, aquí podríamos fijarnos en muchos detalles.
Si pienso, por ejemplo, en el siglo XX,
podríamos hablar de la aparición de la industria de la música
a otro nivel.
Podríamos hablar también de cómo ha habido estilos musicales
que han ido apareciendo a lo largo
de la historia de la música, como puede ser el blues,
que tienen un vínculo con el tema de la esclavitud,
que al final era un recurso humano
que se utilizaba para mejorar la productividad
y asumir menos costes.
Y todo esto al final tiene siempre.
Un tinte económico, pero algo mucho más enriquecedor,
que es lo que nosotros querríamos hablar hoy.
Y para eso vamos a transportarnos a la época barroca.
Y bueno, pues vamos a analizar un poco
cómo estos cambios también sucedieron en aquel momento,
acontecieron de una manera especial que de alguna forma
hoy todavía disfrutamos.
Así que bueno, pues por ejemplo, me gustaría preguntaros,
en aquel momento había clases sociales
muy vinculadas con el tema también económico,
ellos tenían su propio ocio y su propio consumo de la música.
Y entonces, bueno, contándoos un poco cómo era todo esto.
Nuestro campo de interpretación y de investigación
con la música, que es precisamente el siglo XVII
y XVIII, lo que conocemos como barroco,
lo que pasa es que musicalmente son 150, 200 años
y contamos hasta prácticamente la llegada del romanticismo
en el que la música evolucionó muchísimo.
Y los músicos tendemos a pensar solo en música y en nuestras cosas
y es verdad que a mí siempre me interesó decir, bueno,
pero esa música estaba inserta en una sociedad y en una economía
y además en una Europa que empezaba a globalizarse
y en la que empezaba a haber viajes y desde las rutas comerciales
que cruzaban por toda Europa y que todo eso ha influenciado
a la música muchísimo, ¿no?
Durante todo el barroco pasamos de una música que en su mayoría
estaba producida, financiada por la iglesia
o por el poder público,
por el Estado, las coronas o las repúblicas,
antes de que fuera Italia.
Hasta mediados del XVIII en el que ya tenemos una clase burguesa
que empieza a consumir música, que empieza a demandarla,
que empieza a crearla también.
Y hay música que, si en ese momento pensamos,
deberíamos pensar que la música cumple una función,
es decir, una cantata de Bach, ¿qué función cumple?
Es la música que acompaña una misa.
Tiene ese uso.
Nosotros en el presente tiene un uso de enriquecimiento cultural,
de disfrute, bueno, pues de una obra de arte,
pero en ese momento simplemente cumplía esa función, ¿no?
Y muchísima música de la que tocamos
y de la que interpretamos a día de hoy, que nos encanta,
como las sonatas de cámara, como los cuartetos de cuerda,
pues su función era ese entretenimiento,
un domingo por la tarde
en una familia de burgueses ilustrados que tocaban un instrumento
y era su entretenimiento.
Sí, además que interesante también
porque, claro, ahora con todos los avances técnicos
que se han producido, nosotros podemos escuchar música
y no tener que producirla para poder escucharla.
Efectivamente.
Y esto ha cambiado también un poco la forma de entender la música,
de utilizarla en el día a día.
Pero también estos avances técnicos
han generado también cambios en los instrumentos.
Entonces, a mí me gustaría que nos contases
un poco cómo han ido evolucionando los instrumentos que ahora mismo
vemos, que siempre hemos pensado que eran iguales y no lo son.
Sí, es muy interesante realmente esto porque, claro,
al final hoy en día existen violines eléctricos,
en fin, que si una pastilla,
que si amplificados, etc. Pero claro,
en el mundo de la clásica o de la música culta
muchas veces hemos utilizado el mismo instrumento.
Incluso en los conservatorios nosotros que también damos clase
utilizamos siempre el mismo instrumento
pero desde el punto de vista historicista
intentamos imaginar pues por tratados por grabados etcétera
como era hay muchísimas fuentes históricas que nos cuentan
cómo era en aquel momento.
Tenía que ver muchas veces simplemente
con la disponibilidad de materiales y con los recursos que había,
que de eso en economía se sabe mucho.
Entonces las cuerdas por ejemplo que podemos utilizar
hoy en día o que se utilizan en violín moderno
que pueden ser metálicas en aquel momento
y lo que nosotros intentamos reproducir también
y las que nosotros utilizamos son de cuerda de tripa.
Llevaban bastante proceso muy artesanal,
que hoy en día hay fábricas que lo reproducen
y demás.
También el grosor del mango del mástil del violín es diferente,
la inclinación de la curvatura del puente
y luego otros avances técnicos que se produjeron después,
como las barbadas o las almohadillas,
en aquel momento no existían.
Con lo cual también dio lugar a una forma diferente de tocar,
lo que se conoce como el chin-off o sin barbilla,
sin ningún tipo de apoyo, por ejemplo.
Y además, como hablamos de que el barroco,
este periodo del que hablamos, fueron muchas décadas,
casi un siglo y medio, en ese tiempo el arco,
que al final siempre pensamos en el violín,
pero es que el arco es muy importante porque el arco es lo que produce
el sonido y la evolución del tipo de arco desde principios
del XVII hasta la llegada del romanticismo y el arco estándar
que conocemos hoy en día,
el arco turd, Evoluciona mucho en forma,
ya sea para condicionar la música que se hace,
o sea, el avance técnico del arco
permite hacer una música cada vez con notas más largas,
diferentes articulaciones, fraseos más largos,
y a la vez la música demanda un instrumento
y un arco que haga ese tipo de cosas
porque el instrumentista-compositor va avanzando ahí.
Pero además es muy interesante
darse cuenta de que los arcos que utilizamos hoy en día
y los arcos que empiezan a surgir hacia finales del siglo XVII,
utilizamos maderas americanas.
Maderas que vienen del comercio con América.
Son maderas como el palo de serpiente,
como el pernambuco, el palo de hierro,
son maderas exóticas que no estaban en Europa.
Entonces sabemos
que se utilizaban unos arcos de maderas autóctonas europeas,
el violín son todo maderas europeas,
pero el arco empieza a llegar un producto,
digamos, una materia prima del comercio con América,
que es lo que permite que lleguen esos arcos más duros,
que duran más en el tiempo, que son maderas
más densas, ¿no?
Quiere decir que el arco puede ser más fino y más largo
y es más resistente que una madera europea.
También eso da pie a decir, bueno, esos arcos serían caros.
¿Quién utilizaba ese arco tan caro y ese último modelo de arco?
¿El aficionado burgués que tenía pasta?
O el trabajador de la música.
Pues claro, igual a veces nos hacemos un cruce de cables, ¿no?
Es decir, ¿qué instrumento tan bonito,
qué instrumento tan bien hecho, qué selección de maderas?
Bueno, pues que igual ese no era el del profesional,
ese era el del aficionado, que tenía un instrumento de lujo, ¿no?
Pues Sergio, qué interesante que estás empezando a hablar
de un proceso de profesionalización nuevo y diferente.
Pero antes de hablar de este tema, a mí sí que me gustaría preguntaros,
bueno, nosotros estamos acostumbrados a ver ciertos instrumentos,
ciertos productos del mercado, ¿no?
Pero no sé, por ejemplo, Irene Galán,
porque como tenemos hoy dos Irenes,
vamos a distinguir entre Irene Galán,
contrabajista, Irene Martínez, violinista.
¿Cómo aparece un contrabajo, por ejemplo?
¿De dónde viene?
Pues es una pregunta muy interesante porque, bueno,
la historia del contrabajo pues siempre está llena
de incógnitas.
Sobre todo porque fue un proceso,
no fue una creación de un instrumento ahí que nos podemos imaginar.
Entonces yo creo que surgió de una necesidad
de cubrir ese registro de los 16 pies al que el instrumento,
como el violonchel o la viola de gamba
e incluso el violone,
que se puede considerar el antecesor del contrabajo
que conocemos actualmente.
Pues no podían alcanzarlo.
Además, está recogido en tratados,
se visualizan instrumentos del tamaño humano.
Entonces ahí ya podemos intuir la envergadura del instrumento
y eso da a entender que ya había un proceso
de crear cuerdas de un calibre mayor
y también que soportaban tensiones mucho más elevadas
que los instrumentos de un registro más agudo.
Así que ahí podemos ver ya los inicios de este instrumento
que después se desarrolla también en distintas regiones de Europa
con distintas afinaciones,
porque al final transportar ese instrumento
tampoco era una cosa tan fácil, o sea, había pocos.
Y según las necesidades con los instrumentos
con los que se fuese a interpretar una obra musical,
se han visto que se recogían distintos tipos
de afinación de sus cuerdas e incluso distinto
número de cuerdas.
Qué interesante todo el tema este de la innovación también.
Ahora hablamos mucho de la innovación de proceso,
de producto y aquí nos estamos encontrando
con procesos de innovación muy interesantes.
De hecho, sería interesante preguntarnos
si realmente ya los violines con trabajos, violas, etcétera,
que conocemos ahora mismo estándar,
vamos a decirlo así, han terminado de evolucionar
o aún les queda un recorrido por recorrer.
No sé si aún se plantea esa posibilidad.
Es una reflexión muy interesante, además a mí me gusta mucho,
la pienso yo muchas veces.
Por un lado, ver que en esa época esta música era la música viva,
es decir, era la música sobre la que había innovación,
sobre la que la gente, los artesanos probaban cosas nuevas
y ahora, bueno, son instrumentos que han llegado.
Llegado a su, vamos a decir, su perfección,
que no sería el término más correcto, pero bueno,
a una última versión en la que cumplen
las necesidades que se le requieren, es decir, el violín, el contrabajo,
todos los instrumentos en el campo de los instrumentos
de viento, con las innovaciones del siglo XIX,
al final el objetivo era instrumentos acústicos.
Porque no existe la amplificación,
que sean todo lo más potentes posibles
porque el tamaño de la sala de conciertos
cada vez es más grande.
Pensemos ya en la sala de conciertos de Simonónica,
en el Palacio de Ópera Grande,
pero los instrumentos que nosotros utilizamos en el barroco
para hacer la interpretación históricamente informada,
las necesidades eran otras.
Un violín tenía que llenar una capilla, una iglesia,
un salón, un salón de baile.
Los teatros eran mucho más pequeños.
Entonces, claro, las necesidades del instrumento no son las del violín
de una orquesta sinfónica para hacer Mahler o Tchaikovsky, ¿no?
Entonces, ese proceso, digamos, que fue avanzando,
son innovaciones que van surgiendo con la necesidad musical,
estética de cada época.
Sí, hay una cuestión que yo diría que es muy peculiar,
aunque sucede en economía en multitud de situaciones,
y es que precisamente en el barroco
muchas veces se buscaba la exclusividad.
Es decir, yo tengo un producto del cual solo yo disfruto
y también que me distingue del resto de la sociedad.
Entonces, no me importa que un violín no sea tan potente,
que tenga unas cuerdas de tripa que solo se hacen
en no sé qué región de la Puglia, por ejemplo.
Entonces, se buscaba un poco esto.
Luego, parte de rentabilizar también esa música,
precisamente fue el proceso que comentaba Sergio,
cada vez las salas de conciertos crecen más,
se sale también del ámbito eclesiástico
y demás.
Y buscamos difundir la música que luego evidentemente
se convierte en patrimonio y también por una cuestión
de rentabilizar.
Si mi sala de conciertos es mucho más grande
hay mucha más gente que paga una entrada y con un concierto
pues puedo ganar más.
Y no nos olvidemos del gran hecho histórico del final del siglo XVIII,
que es la Revolución Francesa.
Ese cambio cultural, estructural tan grande de una música censitaria,
una música que era para una clase dominante,
se pase a ser una música para las masas,
una música que se democratiza.
Y ahí el surgimiento del Conservatorio de París
y el momento en el que empiezan a surgir estas instituciones,
la función no es crear una música de élite en la que, por ejemplo,
el duque de Alba, que vivió en medio del siglo XVIII,
tenía profesor de violín.
Carlos IV tocaba el violín,
tuvo instrucción de violín por parte de Cayetano Brunetti
hasta que se hizo rey.
Pero a partir de la creación del Conservatorio de París,
¿qué hacemos?
Tenemos un conservatorio para enseñar a las masas
a tocar además el violín o cualquier instrumento de una manera
ya mucho más estandarizada, la técnica es esta,
el repertorio es este.
Y ese es el gran cambio histórico
de cómo se enfoca esta música antes y después de la Revolución Francesa.
O sea, que entonces por una parte
hay un proceso de profesionalización, ¿no?
Nuevos puestos laborales, vamos a decirlo así,
y luego una apertura a los mercados también por rentabilizar
lo que cuesta poner en marcha un proceso musical, ¿no?
Y en ese sentido, por ejemplo, estamos escuchando ahora la música
de una creación vuestra, de Escótica,
que es un poco música pues irlandesa, ¿no?
Inglesa, escocesa, que suena la verdad es que bastante moderna,
aun siendo de hace siglos, ¿no?
¿Y cómo es un poco el momento histórico,
económico de aquel momento?
Sí, pues es interesante porque cuando este proyecto surge,
cuando se me ocurre la idea de rebuscar un poco en los archivos
y ver dónde esta música, digamos, que proviene de la tradición oral
de Escocia, de Inglaterra, de Irlanda,
y cómo esa música pasa a editarse y a imprimirse en papel,
es un momento concreto en el que la burguesía londinense,
en concreto, empieza a editar y a publicar música
que recogían supuestamente de las Highlands escocesas,
de la música que corría por la cultura tradicional,
Es un proceso muy interesante porque surge en esa época
en la que surge el mercado de las partituras,
de la música impresa, junto con la imprenta en su momento.
En el siglo XVIII ya comienza un auge de la publicación de música
impresa para los aficionados.
Entonces es muy curioso porque te encuentras con colecciones
de melodías escocesas o melodías irlandesas,
les añaden un bajo para que alguien pueda acompañarlo.
Además, ese bajo no se tocaba así tradicionalmente,
sino que le componen un bajo al estilo de la música galante,
de la música culta, digamos, que estaba vigente en ese momento,
pero la melodía tiene ese origen popular.
Entonces, claro, nos suena muy actual también
porque, bueno, de ahí viene toda la tradición de la música folk,
que luego comercialmente se ha conocido como música celta,
en los 90, en la época que tuvo ese auge.
Entonces el trabajo del disco tiene esa intención
de buscar ir a la fuente original, ir a ese momento
en el que empieza a publicarse esa música,
que empieza a ponerse de moda en ese momento.
Y es muy interesante encontrarte con esa realidad
de que hay una demanda por parte de los aficionados
de interpretar esa música para compararlo como esa música
a la vez pues también se estaban publicando colecciones
para tocar con tu violín y con tu flauta de pico en casa
pues áreas famosas de óperas italianas pero bueno
reducidas para tocarlas tú con tu instrumento en casa
y esto sucedía pues eso hacia mediados del 18 principios
la verdad es que el disco es una maravilla merece la pena
escucharse de principio a fin a mí me encanta
y hablando un poco también de bueno nosotros enseñamos economía
pero también emprendimiento entonces vosotros que habéis puesto en marcha
un grupo de música que habéis grabado etcétera
o sea que sois unos emprendedores natos.
A mí sí me gustaría preguntaros dos cosas.
Por una parte, ¿qué es lo que os hizo poneros en marcha?
Y por otra parte, ¿qué es lo que con vuestra experiencia
pensáis que desde el aula se podría ayudar a personas
que quieran poner en marcha su idea para que les resulte más fácil,
para que sea más sencillo lanzarse?
Pues es una cosa que también hablamos mucho de ella
porque esto no te lo enseñan en un conservatorio.
Realmente nosotros salimos del conservatorio superior
con la carrera hecha, con todo, y dices, bueno, ¿y ahora qué?
Y es verdad que además nosotros también por nuestra edad
vivimos un momento en España después de la crisis de 2008,
toda la larga recuperación económica, que había realmente
pocas oportunidades de trabajo estable,
ya sea en un conservatorio, ya sea en una orquesta,
y en concreto en el mundo de la música antigua,
También es muy interesante pensar que somos un sector
en el que no hay sector público institucionalizado.
No hay una orquesta nacional barroca
o no hay una orquesta de la Comunidad de Madrid barroca.
Hay orquestas sinfónicas
pero que se dedican a otro repertorio.
Entonces estamos abocados al emprendimiento, claro.
Ser autónomo, a montar tu grupo,
montar tu proyecto.
Trabajamos entre nosotros como autónomos, como autoempleados,
que ahora colaboramos con este grupo,
luego con este otro, vamos trabajando por proyectos.
Y claro, en el momento en el que tú tienes esa inquietud
de hacer algo, pues lanzas tu grupo.
Es un proceso de autoaprendizaje constante.
Pasa un año y dices tú, mira, ¿qué hice de aquella manera?
Ese proceso de autoevaluación constante, ¿verdad?
Empiezas de una manera y dices, no, mira,
este camino no, vamos por este otro.
Las redes sociales son fundamentales para nosotros
y es una herramienta de las herramientas gratis,
afortunadamente, que hay.
Es de las más importantes para lanzar tu idea
y poner ahí en el mundo tu proyecto.
Y luego, bueno, en España
es verdad que podrían ser mayores, podría haber más, pero bueno,
también hay subvenciones para los proyectos culturales,
para grabar un disco.
Por ejemplo, nuestro disco está financiado con una ayuda
de la Comunidad de Madrid, de la Consejería de Cultura,
para la creación de discos.
Es muy importante estar al loro de todas las ayudas
que hay para arrancar y con una parte de financiación propia,
pero con además ayudas del Estado en este caso.
¿Y de qué manera se podría ayudar desde el aula
a los que quieran emprender más adelante?
Claro, esta es la gran pregunta, ¿no?
Y no es nada fácil, pero por un lado,
por parte de los docentes, como pueda ser nuestro caso,
es mantenerse actualizados.
Esto cambia a un ritmo vertiginoso.
Entonces, cuando nosotros, por ejemplo,
empezamos en redes sociales sin ser expertos para nada,
Desde ese momento hasta hoy, no hace tanto
que tenemos redes sociales, ha dado un vuelco tremendo.
Lo que antes se grababa en un formato,
ahora se prefiere otro.
Digamos que la naturaleza de nuestro trabajo puede partir
de vídeos quizás un poco más largos.
Y ahora mismo la concentración se mantiene 30 segundos
y enseguida ya pasamos a otro vídeo y demás.
Para nosotros resulta muy difícil contar algo en 30 segundos.
Y nadie nos enseña y muchas veces es con prueba y error,
como comentaba Sergio.
Es decir, esto lo hice mal, sé que no funciona.
¿Qué funciona?
No lo sé, pero estoy segura de que esto no.
Entonces, desde el mundo docente también es muy difícil
mantenerse actualizado a ese nivel,
porque al final el día a día la preparación de tus clases
te inunda, digamos.
Pero sí que, bueno, a niveles más elevados, universitarios,
como pueda ser este el caso,
mantenerse en una comunicación constante con los estudiantes.
Muchas veces simplemente preguntar qué necesitáis, porque a veces
también nos pueden enseñar mucho más ellos de lo que nos imaginamos, ¿no?
Y hay que transmitirles a los estudiantes que tienen
que ser muy analíticos con el resto del mercado.
Nosotros no utilizamos esos términos en música,
pero es lo que es.
Ver qué hacen los compañeros, qué hace el resto de la profesión,
qué hace el mercado, qué ofrece el mercado.
Ser muy analítico y tener mucho pensamiento crítico
para saber si tu idea es buena, qué necesita mejorar tu idea,
qué es lo que funciona en otros para a base de imitación
y creatividad, ¿verdad?
Ir aprendiendo y tratando de ser innovador
y siempre no quedarse conforme con algo hecho de aquella manera.
Realmente son profesiones
que requieren darle muchas vueltas a las cosas,
pero en el momento en el que crees que estás preparado
y que puedes tirar hacia adelante, pues con todo,
confiar en lo que haces.
Tiene una buena propuesta de valor, ¿no?
Que se suele decir aquí en emprendimiento.
Totalmente.
Justo eso.
Muchas veces salimos de los conservatorios creyendo
que nuestra propuesta no tiene absolutamente
ningún valor, ¿no?
Y claro, en parte esto nace de que no se acaba ahí la carrera.
Tú piensas que has acabado de estudiar
y que ya está todo hecho.
Y al contrario, al final estas son profesiones
en las que nunca es suficiente, nunca acabas de profundizar,
siempre hay algo nuevo.
A pesar de que lo nuestro pueda parecer muy antiguo,
pues al final siempre está condicionado
por esta constante renovación
y es difícil también hacerlo sin colaborar con otros grupos.
Nosotros también tocamos con otros compañeros
y siempre aprendes algo.
Y esto sucede siendo profesores también que en nuestro caso
afortunadamente nos podemos mantener en activo,
pero muchas veces es difícil simplemente por este permiso
o por aquel papeleo, que es iburocracia además,
y eso nos merma un poco, no cedemos en seguir intentándolo,
pero es verdad que siempre sales de cada proyecto,
sea el que sea, trayendo novedades frescas
y aprendiendo algo, entonces al final mantenerse en activo
también es fundamental en ese caso, y lo que comentaba Sergio,
pues a veces si no crees tú mismo en tu proyecto.
Está claro que siempre lo podrás pulir,
siempre podrás seguir avanzando en él,
pero si de dónde sale no se cree en él,
pues es complicado que el resto confíe en ello, ¿no?
Entonces, bueno, es difícil, no digo que sea fácil,
pero en cualquier caso yo diría que por ahí es el camino.
Sí, está claro que saber lo que ofreces
y luego pensar a quién se lo vas a ofrecer, ¿no?
O sea, que al final conoce un poco a tu posible cliente.
Y es verdad que en esto, yo creo que al final
mucha gente a veces tiene como cierto prejuicio,
por ejemplo, en este caso con el tema de la música clásica,
porque le parece antigua, pero en realidad poca gente a veces
piensa que si esta música se sigue escuchando
después de cientos de años.
¿Será que tiene algo que permanece
y que no ha quedado obsoleta?
Entonces, ojalá que nosotros también desde el aula seamos capaces un poco
de romper un poco con estos prejuicios
y de abrir lo que nos ofrece otro tipo de música,
de melodías y demás.
Exacto, sí, es un acercamiento un poco diferente
si nos damos cuenta también los públicos
de muchos ciclos barrocos e históricos son más jóvenes.
No podría pensar, bueno, música histórica
pues irán abuelillos y todo lo contrario, ¿no?
Muchas veces el público de una orquesta sinfónica,
sin desmerecerlo por supuesto, pero normalmente está más envejecido
que el que pueda ir a ciclos un poco diferentes, ¿no?
Y bueno, esa renovación pues puede un poco contagiarse.
Y también, al hilo de lo que comentabas, Berta,
sobre el público y quién es tu cliente,
en nuestro caso es complejo
porque claro por un lado está el público
pero muchas veces nos vemos abocados a convencer a programadores
porque al final es la persona que te va a llevar a un festival concreto
o a un ciclo que tenga más repercusión etcétera
pero claro decimos bueno nuestro enfoque en redes sociales
es el público de acuerdo porque evidentemente
a mí me interesa llegar a la gente que me va a escuchar,
que va a venir a ver un concierto,
que va a estar con el disco puesto a todas horas y demás.
Pero claro, al final quien permite esto es una asociación concreta
y a través de las redes sociales también a veces es complejo
llegar a ellos.
Entonces hay como una doble vertiente,
quizás tú lo expliques mucho mejor,
evidentemente tienes mucho más conocimiento económico,
Pero, ¿quién es nuestro cliente?
A veces es complicado,
incluso puede ser un propio compañero porque entonces dice,
wow, menudo conciertazo acaban de dar y yo quiero a esta persona
en mi grupo.
Bueno, hay que darle una vuelta.
Hay varias figuras en estos temas
y hay que detectar y saber a quién te tienes que dirigir.
También tienes que hablar del prescriptor, etc. Y esto se analiza
en todos estos temas de marketing también y demás.
Pero es verdad que a veces es un conocimiento
que se da por hecho y que no deberíamos darlo por hecho
porque muchas veces lo vas aprendiendo sobre la marcha
cuando te pones a emprender en este caso.
Y una última recomendación
a alguien que se quiera poner en marcha,
que quiera emprender, poner en marcha un proyecto musical o de cualquier
otro tipo, ¿qué le diríais?
Quizás que confíe en la intuición,
que muchas veces, bueno, a veces falla otras, ¿no?
Y sobre todo que se preparen para trabajar muchas horas.
Porque, bueno, parece que cuando el proyecto es tuyo no hay horarios
y es así, incluso en proyectos de otros, ¿no?
Pero realmente sí, requiere muchísimo trabajo.
Y a veces nos maltratamos incluso, ¿no?
Como el proyecto es mío, pues aquí estoy de sol a sol, ¿no?
Pero la recompensa es muy gratificante,
obviamente, cuando ves luego ese proyecto que nace
y que va creciendo,
pues lógicamente el nivel de satisfacción es inmenso, claro.
Creo que a lo que no llegas lo que tienes que hacer al final
es pedir ayuda y a lo mejor buscarte un manager
si no sabes tanto de estos temas
y dedicarte a tocar si es lo que haces bien
y tratar de rodearte de gente que realmente te aporte
y que tenga un nivel pues vamos a decirlo así
que supere un poco el propio individual para que uno pueda avanzar
más me imagino siempre es rodearse de gente que sabe más
que tú eso es la mejor escuela que hay eso
es lo que intentamos siempre verdad.
Totalmente, además es que es imposible
tener tantos trabajos en una misma persona,
al final son tantas vertientes que es inviable
que una sola persona lo haga, necesitas un equipo siempre
y alguien especializado en temas que a nosotros se nos escapan.
Hay que diversificar, ¿no?
Sí, totalmente.
Bueno, y ya para acabar,
contar un poco que participáis en ciclos de música,
también como ciclos,
los clásicos en verano aquí en la Comunidad de Madrid,
y también vais a presentar un nuevo disco dentro de poco, ¿no?
Entonces, contadnos un poco cómo se presenta un nuevo disco,
qué es lo que estáis ahí manejando entre manos,
qué es lo que os hace ilusión,
cuáles son las dificultades, las oportunidades,
qué habéis aprendido de lo anterior, qué vais a incorporar ahora
en este nuevo lanzamiento.
El próximo disco
que vamos a sacar ahora mismo está en las últimas fases del montaje.
Lo próximo que viene es la masterización, es decir,
que ese sonido ya esté a calidad de como se escucha en un CD
y luego está el proceso de llegar a un acuerdo con una discográfica
para publicarlo.
Este disco surge de la colaboración con una musicóloga,
con este mundo de la investigación de la música.
Son una selección de unas sonatas que se publicaron en Madrid
en 1759 y 61, de dos violinistas compositores,
Francesco Montali y Cristiano Reinaldi,
que los dos estaban ligados al mundo de la corte aquí en Madrid.
Uno tocaba en Toledo, otro tocaba en la Capilla Real.
Es un proceso de recuperación de esta música que estaba olvidada.
Son unas partituras que.
Algunas se había tocado alguna vez en concierto,
pero es una primera grabación mundial de ese repertorio.
Entonces es muy interesante
porque es un proyecto de recuperar el patrimonio musical español
y de dejar trabado esta música y traerla de olvido.
Esa es una parte del trabajo, esa parte musical,
esa parte psicológica,
pero luego por detrás está todo ese proceso
de poner en marcha todo lo que es una grabación.
Dificultades todas las que te puedes imaginar,
desde encontrar un sitio para grabar,
simplemente cosas tan prosaicas como encontrar el momento
para coincidir los cinco músicos que estábamos allí implicados,
con el ingeniero de sonido, con Irene Martínez,
que además en este caso hizo la producción de sonido.
Durante la grabación, la búsqueda de las subvenciones,
la justificación de la subvención, bueno, son muchos trabajitos,
lo que comentábamos antes, que estás haciendo en paralelo
a la preparación artística.
Puramente de preparar ese repertorio.
Otro tema que da para otro capítulo sobre la industria discográfica,
que es que ya no dan dinero, como hace 30 años,
pero son una promoción fundamental para los grupos
y para conseguir conciertos, proponer con un CD el trabajo que hacemos
y eso, bueno, pues pones ahí en el mundo
lo que haces y es la manera de darte a conocer.
Pues bueno, un placer compartir este rato con vosotros,
nos quedamos con vuestra música,
estábamos deseando empezar a escuchar la nueva obra que habéis preparado
y bueno, hoy nos podemos quedar con muchas cosas,
desde lo interesante que es conectar todos estos saberes
también artísticos con los económicos que parece
que a veces van por lados distintos y no es así,
o por ejemplo todo lo que nos hace falta para ponernos en marcha,
para emprender, para ayudar a los que quieran emprender.
Así que muchas gracias por este rato y gracias a todos nuestros oyentes
por compartir también este espacio con nosotros un día más.
Y bueno, ya nos veremos en el próximo programa de Sí o Sí
tratando nuevos temas sorprendentes.
Gracias Berta.
Muchísimas gracias Berta.
Muchas gracias.