Hola, soy Ariane Varela Braga,
profesora en el Departamento de Historia del Arte.
Con este vídeo voy a hablarles de la pintura sobre piedra
y la pintura con piedra, técnicas desarrolladas en Italia
en el siglo XVI.
Más exactamente veremos tres modos distintos de pintar
con este material.
El primero, aplicando pigmentos sobre la piedra.
El segundo, utilizando los dibujos naturales
de la piedra y uniéndolos a la pintura.
Y el tercero, empleando la piedra únicamente
para realizar efectos cercanos a la pintura.
La pintura sobre piedra ya está presente en la antigüedad
y veremos cómo en el Renacimiento estas técnicas son redescubiertas
y desarrolladas para la creación de obras originales.
Pensar en la piedra o el mármol como superficie pictórica
podría parecer extraño, pero para el artista es importante
recordar que la idea de pintar con piedra
formaba parte integral de su praxis,
ya que antes de la invención de los colores en tubo,
tal como los conocemos hoy,
Durante muchos siglos los colores provenían en gran parte de minerales
y debían ser preparados por los propios artistas
o por sus ayudantes.
Giorgio Vasari, en sus célebres Vidas,
publicadas en Florencia en 1550,
empieza hablando de las piedras de color.
Sólo después se refiere a las técnicas
y únicamente más tarde comienza con sus biografías de artistas.
La técnica de la pintura sobre piedra o mármol
existía ya en la Antigüedad,
pero se retoma y redescubre en Roma en el siglo XVI.
No es quizás
una coincidencia que esta necesidad de eternidad y inmutabilidad
aparezca poco después del saqueo de Roma del 1527,
que había marcado profundamente el imaginario de la época.
También tenemos que considerar que el éxito de la pintura
sobre piedra se inscribe dentro de un interés más amplio
por las piedras de color y los mármoles polícromos
en la escultura y arquitectura de la época,
símbolos de magnificencia y identidad romana.
Se atribuye al artista veneciano Sebastiano del Piombo,
hacia 1530, la técnica de pintar al óleo sobre piedra,
de modo que una vez seca, el pigmento parece petrificado.
Considerada inalterable y eterna,
la pintura sobre piedra tenía un fuerte poder simbólico.
De regreso a Roma, tras el saqueo del 1527,
Sebastiano comenzó en 1530 un cuadro sobre peperino,
esto lo sabemos por el contrato, para la realización
de la obra La Natividad de la Virgen en la capilla
Kiji de Santa María del Pópolo.
El peperino es el nombre italiano derivado del latín tardío lapis
peperinus, piedra de pimienta.
Es una ropa volcánica de color marrón o gris
que contiene fragmentos de basalto y piedra calcárea
con cristales diseminados.
Una piedra que se encuentra en la región de Roma
y se utilizaba en la antigua Roma para las construcciones.
La capilla Kiji, encargada al artista Rafael
por el rico banquero Agostino Kiji para su sepultura,
es el primer ejemplo de arquitectura renacentista
que retoma la riqueza cromática de los mármoles antiguos.
Los colores eternos de las piedras representan el vínculo
con la ilustre antigüedad de la ciudad que el emperador Augusto
había encontrado de ladrillo y revestido de mármol.
Así que la materialidad del cuadro dialoga
con la arquitectura de los altares y el pavimento de la capilla
en un conjunto que transmite la idea de esplendor y magnífica esencia,
pero también de eternidad.
La natividad de Sebastiano del Piombo está pintada sobre peperino,
pero en la mayoría de los casos se usaba la pisara,
una piedra oscura,
también llamada ardesia o lavagna en italiano.
Conocemos varios cuadros de Sebastiano al óleo sobre pizarra.
La pizarra, más reputada en Europa en la primera edad moderna,
provenía de las canteras de las colinas sobre la ciudad de Lavagna,
a unos 40 kilómetros al sureste de Génova.
Ya se utilizaba en la antigüedad.
Era costosa de transportar por ser pesada
y a la vez frágil.
Y también, cuando hablamos de los materiales, es importante
pensar en todo lo que ocurre antes de que el artista los utilice.
En el caso de la pizarra, por ejemplo, hace el siglo XIX
era transportada por las mujeres desde las montañas hasta el puerto,
como podemos ver en esta fotografía.
No solo se utilizaba para los formatos pequeños
y medianos,
pero también para grandes formatos.
En este caso, la materialidad de estos grandes cuadros
exigía que se pintaran in situ y se utilizaban varias piedras,
grandes bloques unidos por juntas.
Pero esta técnica,
contrariamente a la idea de piedra como símbolo de durabilidad,
era bastante frágil.
Con el tiempo, las juntas podían deteriorarse
y la película pictórica también desprenderse.
Así que luego fue abandonada para otras técnicas más duraderas.
Vemos ahora otro modo de pintar con la piedra.
Hasta finales del siglo XVI,
las piedras ya no se usan solamente como soporte para la pintura,
sino que sus vetas se convierten en parte integrante
de la composición.
Esto surge en gran medida de intereses científicos naturalistas,
además de los anticuarios.
El lápiz lazuli, las ágatas, los alabastros,
la piedra paisina o albarese,
los mármoles vetatos y el paragone,
que es el nombre genérico para el mármol de color negro.
Todo se utilizaba.
El lápiz lazuli y las amatistas eran perfectos
para los cielos.
Los alabastros rojos para escenas
como el cruce del Mar Rojo, alabastros y ágatas
para escenas de revelación o visión con cielos nublados,
y el paragone para escenas nocturnas.
Estas obras muestran la afinidad entre la capacidad creativa
de la naturaleza y la del artista.
Como si fuera una colaboración perfecta entre arte y naturaleza.
En este ámbito ocupan un lugar especial
las piedras sedimentarias del Valdarno,
que hace 1600 atrajeron la atención de los artistas florentinos
por sus cualidades ópticas.
Esas piedras se forman cuando capas superpuestas de arcilla,
otros minerales e incluso materiales orgánicos,
se depositan en la superficie terrestre.
Y luego, en el transcurso de millones de años,
sufren un proceso de cementación por lo cual se deshidratan
y se transforman.
Son piedras que tienden a conservar la coloración de sus componentes,
que pueden ser granos de arena, capas de arcilla o limo,
o fragmentos de grava.
A diferencia de las piedras metamórficas como el mármol
o los curvos minerales,
a menudo alternan su coloración por la exposición a calor extremo.
Antes de convertirse en estas obras naturales,
las piedras del Valdarno son de tamaño medio
y apariencia bastante modesta.
Se encuentran principalmente en las orillas y lechos de los ríos
y la prolongada exposición a las aguas les da un aspecto liso.
Exteriormente es difícil adivinar la forma que contienen.
Por ello, deben abrirse, un poco como las geodas.
Primero hay que cortarlas en láminas finas, perpendiculares
a los estratos sedimentarios.
Entonces, gracias a inclusiones minerales
y fracturas,
estas piedras pueden leerse como imágenes, a veces fantásticas,
a veces no, pero sin ninguna adicción pictórica.
Se las llama piedra paisina si en ellas se reconocen edificios,
acantilados o paisajes desérticos.
Se llaman lineato d' arno, se muestran un patrón ondulado.
También tenemos las dendritas en las cuales se podían observar
frondas de árboles o bosques.
Estos objetos podían exhibirse sin ninguna intervención pictórica,
como pequeños cuadros o incrustaciones decorativas
en muebles, pero también podían ser pintados,
creando así una obra fruto de la mano,
de la naturaleza y del hombre.
Un experto en el género de la pintura sobre piedra fue Antonio Tempesta.
Las utilizó profusamente a comienzos del siglo XVII.
Aquí vemos su toma de Jerusalén,
inspirada en el poema épico La Jerusalén liberada del Tasso,
que narra la primera cruzada.
Las capas alternas de caliza y arcilla
de esta lámina de piedra sugirieron al pintor su composición
y la clara división en planos de la obra.
Una capa roja se transforma en nubes donde se enfrentan ángeles
y demonios.
Otra línea beige en la parte inferior
le sugiere los contrafuertes de la Ciudad Santa.
El artista también realizó pequeñas intervenciones,
como una ventana o un tejado,
para hacer estas imágenes aún más realistas,
mientras que en la parte inferior pintó una larga línea de caballeros.
Pasemos ahora a la última tipología.
Cuando hacia 1580 la pintura sobre piedra
se convierte en pintura en piedra.
La técnica de la pintura con el corte de piedras duras
se desarrolla en Florencia gracias al Gran Duque Fernando I de Médici
y se conoce con el nombre de Comezzo fiorentino.
El término Comezzo deriva del latín comitere,
es decir, unir.
Se trata de un tipo de trasea de mármol y piedras duras
en la que el diseño se realiza asemblando piezas de piedra cortadas
y moldeadas con extrema precisión,
siguiendo las líneas del diseño original,
sin dejar espacios entre las piezas.
El comienzo fiorentino es una técnica artística
que tiene sus raíces
en la antigua técnica romana del opus sectile,
con la que los romanos adornaban suelos y paredes, que es
como una tarea de piedras de mármol recortadas para ajustar
a la composición figurativa o geométrica.
En su historia natural, Plinio el Viejo atribuye la invención
de este procedimiento a los griegos de Caria,
remontando su primera aplicación al mausoleo de Alicarnassus.
El término mismo deriva del latín,
donde opus significa trabajo u obra de arte,
y sectile se refiere a un elemento que es cortado
o dividido.
A mediados del siglo XVI,
comienzan a realizarse en Florencia y Roma trabajos de tracé en piedra,
empleando principalmente los sobres de las mesas.
Pero es en Florencia
durante el periodo medicio que se alcanza
un nivel de refinamiento y complejidad sin precedente.
Precisamente en Florencia en 1588,
Fernando I de Medici, gran duque de Toscana que había vivido
varios años en Roma, fundó el Opificio delle Pietre Dure,
el primer taller especializado en el trabajo de piedras duras
para formar a los artesanos que decorarían la capilla
de los príncipes en San Lorenzo.
De los talleres medicio salieron productos de lujo,
retratos y otras obras como escenas realizadas con mosaicos de piedras,
como si fueran pintadas con pincel.
Entre los escasos retratos
que conocemos ejecutados con esta técnica,
encontramos el del Papa Clemente VIII,
realizado hacia 1600.
Una obra diseñada por Jacopo Ligozzi,
producida en la Galería de Labor y Pietredure,
donde fue ejecutada por Rómulo de Francesco Ferrucci,
conocido como Tadda.
Giorgio Vasari, sobre la técnica del comienzo,
escribe que es capaz de conservar mejor la antigüedad y la memoria
y puede resistir todas las batallas del agua y el viento
y otros reveses de la fortuna y del tiempo.
De Florencia esta técnica se desarrolló después
en otros sitios, como Nápoles en el Gabinete de Piedras Duras
y en Madrid
en el Real Laboratorio de Mosaicos y Piedras Duras del Buen Retiro,
creado por Carlos III.
Para seguir aprendiendo más sobre la pintura sobre piedra
y con piedra, aquí tienen un poco de bibliografía.
Monografías o volúmenes colectivos, así como catálogos de exposiciones
recientes que le permitirán profundizar en el tema
y encontrar otras referencias bibliográficas.
Gracias por vuestra atención.