Bienvenidos a esta segunda videoclase
dedicada al estudio de las gemas antiguas.
Como decíamos en la clase anterior, las gemas grecoromanas,
que son el foco de esta serie, son piezas que se han conservado
a lo largo de la historia como parte de colecciones particulares,
como piezas de reutilización en toda una serie de obras,
como arquetas medievales, como piezas de orfebrería
y también en sí mismas como joyas o piezas de coleccionismo
que hablaban del estatus de aquel que las poseía.
En la videoclase de hoy vamos a centrarnos en el estudio
de dos piezas muy excepcionales para mostrar un poco de esa riqueza
de la que hablábamos en la anterior clase.
Dos de las más majestuosas que se conservan por su tamaño
y que como dijimos son excepcionales precisamente por eso
lo habitual es que sean camafeos pequeñitos o intallos,
estas piezas tienen un tamaño bastante superior
y que demuestran que son obras cargadas de un valor simbólico
muy importante como medios de propaganda imperial.
Y que precisamente por esa excepcionalidad
son especialmente interesantes para nosotros.
Nos vamos a centrar únicamente en la gema augustea,
que está datada en el siglo, en el año 12 después de Cristo,
y que en muchos casos se ha comparado con el gran camafeo de Francia,
que está también datado en el mismo siglo.
La gema augustea se conserva a día de hoy como parte de las colecciones
de artes decorativas del Kunsthistorischen Museum en Viena
y es uno de los ejemplos más notables de la eclíptica monumental
de la antigüedad, precisamente por ese gran tamaño
que mide 19 centímetros de alto por 23 de ancho.
Es una pieza de sardónice, como decíamos,
era la favorita para los jamafeos.
Porque permitía ese juego de gradación de color
que requería de un artista muy minucioso
y muy delicado para poder aprovechar todo el potencial de la piedra.
En este caso tiene dos capas,
la capa blanca se aprovecha para las figuras en relieve,
mientras que la parte más larga, oscura,
casi azulada para el fondo.
Precisamente el hecho de que únicamente dos capas
demuestran el virtuosismo de este artista que se atribuye
a Dioscórides, que fue el gemario de confianza de César de Augusto,
aunque no existe una prueba definitiva de su autoría.
Este tipo de pieza requería de un virtuosismo excepcional,
primero para que no se quebrase la laja de la gema en sí misma
y después para conseguir ese nivel de estratificación
que permitiese dar la sensación de profundidad.
Exigía un control enorme.
De los instrumentos de los que hablábamos ese tipo
de punzones y de ruedecillas que iban erosionando la piedra
para hacer el tallado más preciso y conseguir ese efecto escultórico
en miniatura que tenemos aquí porque tenemos que pensar
que es una pieza que nos cabe en la palma de las manos
el hueco de las manos.
Es una pieza excepcional no solo a nivel técnico
sino también a nivel iconográfico
porque representa dos niveles, dos registros superpuestos
que además contrastan en el tipo de representación,
lo que lo hacen además especialmente interesante.
Está gastada en un marco de oro con un broche que es del siglo XVII,
que es una muestra también de cómo esta pieza
fue siempre muy valorada.
En el registro superior, la escena está dominada
por lo que se cree que es la figura de Augusto,
representado como Júpiter tonante que porta el cetro
y el litus, que es como el símbolo de mando más alto a nivel militar.
A su alrededor se disponen de este lado
toda una serie de personificaciones y asentaba a su lado
la imagen de Roma armada que aseguraba esa legitimidad militar
que ostentaba Augusto.
La figura que lo está coronando, lo corona con robles,
con hojas de roble, que es la corona cívica,
es la personificación de Ecumene,
que representalo que es la tierra, el espacio civilizado,
es decir, el espacio del imperio,
que en este caso se correspondería con esa idea
de la recuperación del imperio de Alejandro Magno
en este momento.
A su lado aparece esta figura barbada que es Océano,
que son los límites de la tierra conocida,
y a sus pies otra figura femenina rodeada de niños
que ha sido interpretada tanto como la representación de Italia,
Telus, como esta idea de la tierra de Gaia,
aunque realmente muy probablemente esté más referido.
A la paz augústea, a la prosperidad.
Esa es la presencia de esta mujer con los niños,
que luego, por ejemplo, veremos en la alegoría de la caridad romana,
que aparece representada como una mujer que amamanta niños,
con una cornucopia.
Es decir,
todos estos elementos están hablando de la prosperidad que ha traído
Augusto.
A su tierra.
Es interesante porque bajo el asiento,
bajo el trono de Augusto,
está el águila de Júpiter y en la parte superior,
como si una pequeña gema se tratase, una gema dentro de la gema,
nos encontramos el signo zodiacal de Augusto,
es decir, Capricornio, que es un elemento astrológico
que alude a la legitimidad del gobernante.
En el otro extremo nos encontramos un carro triunfal del que desciende
Tiberio, que sería el heredero natural y designado para el trono,
y probablemente Germánico, que estaría aquí
en actitud vigilante.
Frente a la tranquilidad, a la prosperidad,
a la imagen serena pero digamos política
a la idea política del imperio augusteo
en el registro inferior nos encontramos una escena más llena
de movimiento y con otro tipo de alusiones
es decir esa serenidad superior contrasta con esta idea
de los vencidos que vienen aquí un hombre por ejemplo con torques
una mujer semidesnuda a la que agarran por los cabellos.
Digamos que son los bárbaros vencidos, los dálmatas,
los panonios o germanos que fueron vencidos en época de Augusto,
que son encadenados y conducidos hacia el tropaion,
que está aquí, es decir, el trofeo militar,
la muestra de las victorias de Augusto.
Algunos personajes se han llegado a interpretar como deidades,
pero digamos que sin entrar en ese nivel de detalle,
porque se podría pensar que este es Mercurio con el petasos
o la alegoría de la fuerza romana,
aunque hay toda una serie de teorías que nos dicen
quiénes son estas figuras que aquí se representan.
Lo más interesante es el significado político-ideológico,
ya que este conjunto, esta pieza,
constituye una apoteosis de Augusto realizada.
En vida y que forma parte,
como decíamos, de la propaganda imperial.
El emperador ya no aparece solo como un simple princepsenatus,
sino como una figura semidivina, acompañada por esas personificaciones
y que es el garante de ese orden universal.
La oposición entre el registro superior,
que es armonía, estabilidad, la eternidad,
la imagen, digamos, totalmente estándar, ¿no?
, y el inferior, en el que vemos la violencia,
la conquista, la barbarie, construye ese mensaje muy claro
de que Roma bajo Augusto
tiene garantizada la paz, la prosperidad,
la fertilidad, a través de las victorias militares
y la sumisión de los pueblos extranjeros
que vemos en el registro inferior.
La gema, como dijimos al inicio, se data entre el 9 y el 12 d.C.,
coincidiendo con el triunfo de Tiberio sobre Dálmatas y Pannonius,
lo que refuerza esa lectura dinástica en la que se presenta al heredero.
El poder de Augusto se proyecta hacia el futuro
mediante la figura del heredero.
La pieza es, por tanto,
un manifiesto visual de esta ideología julio-claudia,
que combina el lenguaje alegórico-lenístico
con la nueva teología política del Principado.
Desde época imperial, esta gema fue un objeto de prestigio reservado
a un círculo muy restringido que la podía leer e interpretar,
probablemente realizado para la gente de su corte, de su entorno.
Su paso a colecciones medievales y renacentistas
demuestran esa apreciación por la guíptica antigua
como testimonio tanto de un gusto muy refinado
como de un poder.
La historiografía moderna ha sido objeto de análisis
por esa iconografía tan interesante de la que hablábamos
y se considera uno de los documentos más excepcionales
sobre la propaganda visual de Augusto,
paralelo a monumentos como el Arapakis
o el relieve del Sebasteo de Afrodisias.
Además de esta gema augustia, la otra pieza que me gustaría tratar
brevemente es el conocido como el cameo,
el camafeo Gonzaga.
También se le conoce como camafeo malmesón
por la colección en la que pertenecía y es otra obra maestra.
En este caso de la glíptica helenística,
y está tallada en sardónice indio de tres capas.
El anterior, como vimos, eran solo dos,
la blanca y la oscura azulada.
En este caso tenemos una marrón,
una color chocolate, una blanca o marfileña
y un fondo más oscuro.
Las dimensiones, es más reducida que la anterior,
son 15,7 centímetros por 11 de ancho,
11,8 casi 12.
Una vez más, esta técnica permite crear luminosidad
en la pieza.
Las figuras blancas surgen del fondo más oscuro
y se acentúa mediante capas intermedias de color
como ocurre por ejemplo con el tratamiento
de los cabellos que vemos que se aprovechan distintos tonos
o aquí con estas plumas o estas ondas que vemos aquí.
En las que hay un aprovechamiento de cómo era la pieza en sí
para resaltar determinados elementos iconográficos
que veremos más adelante.
Se trata de este tipo
de representación que es la cabeza de Cápita y Ugata,
es decir, una cabeza, es decir, un perfil,
una efigie encima de la otra.
Hay la cápita opósita, es decir,
dos fijes que se enfrentan.
Esta es la cápita yugata, como decía, un retato doble
en perfiles superpuestos que tiene precedentes numismáticos
en monedas helenísticas del Egipto helenístico,
como las de Ptolomeo II o Filadelfio.
Y hay algún ejemplo más en la antigüedad,
no es una pieza única en ese sentido.
En época moderna, durante el Renacimiento,
se creyó que representaba a Augusto y a Livia.
El consenso actual apunta más bien a Ptolomeo II Filadelfio
por esa relación precisamente con la numismática
y a su hermana esposa Arsinoe II, identificado como deidades gemelas,
es decir, Ceoi Adelfoi.
La mujer lleva un sutil velo nucial reforzando esa lectura dinástica.
La figura masculina luce, en cambio,
un casco militar decorado con una corona de laurel
y aparece un gorgonei o un ureus aquí,
que no se percibe tan bien.
La serpiente egipcia, símbolos de poder y legitimación
y la ascendencia divina muy probablemente vinculada a figuras
como Zeus o Amón.
El juego visual del contraste entre sus perfiles,
el masculino así más marcado y el femenino más suave,
sustentan una iconografía de autoridad vinculada al poder.
Es decir, no se cree que puedan ser dos personas,
dos civiles, digamos.
Está muy probablemente vinculada a las altas esferas del poder.
El camafeo aparece mencionado en las fuentes por primera vez
en 1542 en un inventario
de la colección de Isabella de Este en Mantua
y allí se hablaba de que se representaba a Augusto
y a Livia.
Como dijimos, la identificación de estas figuras es siempre discutida
porque realmente caben muchas posibilidades.
A partir del siglo XVI pasó por numerosas manos,
incluso por Rubens,
que llegó a admirarlo, no a poseerlo,
pero así a verlo y a dibujarlo.
Después de la guerra de sucesión de Mantua,
la pieza recaló en las colecciones imperiales en Viena
y durante la guerra de los 30 años se llevó a Praga.
Para protegerla.
Más tarde fue adquirido por la reina Cristina de Suecia
y en 1794 entró en la colección de Pío VI,
es decir, con Cristina de Suecia regresó a Italia
de donde había salido con la guerra de sucesión de Mantua
y entró en las colecciones vaticanas con Pío VI.
Cuando los franceses ocupan Roma a finales del siglo XVIII,
Formó parte del botín que se llevaron a París
e ingresó en la colección particular de Napoleón y Josefina.
Esta se lo regaló al zar Alejandro I de Rusia
y desde 1814 se conserva en el Museo de Ornitas.
Eso explica la ubicación actual de la pieza.
En algunos casos se ha confundido, y hay un cierto lío historiográfico,
con otro menos refinado que está en la colección de Viena,
que también fue llamado Cameo Gonzaga,
por los Habsburgo.
Y precisamente por esa historia tan turbulenta
que pasó de Viena a Praga, de Praga otra vez a Roma,
etc., muchas veces se confundió con esta otra pieza.
Ahora sabemos que el Cameo Gonzaga.
Era originalmente el de Isabela de Este,
era el que están viendo en la imagen.
El profesor Pollitt, John Pollitt, nos decía que él considera
que el ejemplo bien es, de peor calidad,
es el que representa a Ptolomeo II y a Sinoe,
y que sin embargo este, el del Hermitage, el Gonzaga original,
debe ser una imagen que representa a Tiberio y Libia.
Evocando esa imaginaría, esa imagen típica tolemaica
de la iconografía alejandrina.
Sea como fuere, porque no es tanto objeto de nuestro interés
quiénes son los que están representados,
sino que veamos la técnica y conozcamos estas piezas,
este camaceo encarna la idealización de la pareja real
en una unión sagrada y política.
Hablando por un lado de religión
pero también de legitimidad dinástica helenística
y tanto el refinamiento técnico y su ambigüedad interpretativa
lo convirtieron en un objeto muy codiciado durante el Renacimiento
y el resto de la Edad Moderna.
Como decíamos en el inicio de estas videoclases,
lo más interesante para nosotros a la hora de conocer estas gemas,
entenderlas, es que se trata de una tradición artística
que atravesó milenios y que sigue viva en la actualidad.
Desde el intaglio griego más antiguo de la tradición grecorromana
porque como dijimos hay piezas mesopotámicas y egipcias más antiguas
hasta el camafeo renacentista del que vimos algún ejemplo
en la clase anterior estas obras nos hablan de ese gusto por piezas
realizadas con una técnica muy depurada.
Y también nos habla del interés,
sobre todo a partir de la Edad Moderna, por crear,
hacer una relectura creativa del pasado clásico,
que, como decíamos, vio en estas gemas
un ejemplo bastante puro de esa virtus romana.