Hola, soy Gemma Cobo Delgado, contratada postdoctoral de la UNED,
y hoy vengo a hablar sobre la cera,
la imitación de la carne en la edad moderna,
ciencia, devoción y curiosidad.
La aceroplástica, que es ese arte de manipular la cera,
no ha encontrado tradicionalmente su sitio en el discurso
de la disciplina de la historia del arte.
Como bien ha estudiado Jesús Abega en Ciencia,
Arte e Ilusión en la España Ilustrada,
la cera ha estado asociada a rituales funerarios y votivos,
razón por la que no era de uso exclusivo de las élites,
aunque sí constituyeran entre éstas un signo de distinción.
Ya veremos la diferencia entre el uso.
De la cera en unos ámbitos socioeconómicos
y otros.
La cera tampoco ha sido nunca considerada una práctica académica,
a pesar de que se dedicaron a ella artistas reconocidos
por la academia o miembros formados en la institución,
y a pesar de que algunas de las piezas realizadas en cera
tienen una enorme calidad artística.
Su escaso reconocimiento también viene dado por su policromía,
que causaba problemas entre los escultores decimonónicos
porque la consideraban vulgar.
Esta visión del siglo XIX en torno a la figura
de cera peyorativa tiene que ver porque en aquel momento
en la academia sobre todo se hacían esculturas blancas,
de mármol blanco,
que imitaban lo que por entonces se pensaba que era
la escultura clásica grecorromana,
que se pensaba que era blanca
a pesar de que en realidad también estaba policromada
en su origen.
Luego también el hiperrealismo de la escultura en cera
chocaba mucho.
Con el filtro de la modernidad que estaba definido
por las vanguardias.
En el siglo XX, sobre todo,
se rompe con la representación de la realidad.
Vanguardias como el cubismo chocan frontalmente con esa idea
de representar la realidad que tenía el arte hasta entonces
y las figuras en cera son figuras reales.
Completamente realistas que, de hecho,
su valor se fundamenta en su naturalismo extremo.
Un poco la idea
esta peyorativa que se tenía de la escultura en cera
nos la puede transmitir algunos escritores como Pío Baroja,
que decía las figuras de cera son algo atrayente,
sobre todo para los chicos y la gente de pueblo.
Es un espectáculo de gran curiosidad, emocionante,
pero al mismo tiempo de extraña repulsión.
Para los eruditos causaba repulsión la cera.
Ortega y Gasset nos transmite esa misma idea.
Decía Ortega y Gasset, me parece que la nueva sensibilidad
está dominada por un asco lo humano en el arte,
muy semejante al que siempre ha tenido el hombre selecto
antes las figuras de cera.
En cambio, la macabra burla cerina ha entusiasmado siempre a la plebe.
Como bien señalaba Jesús Abega, Las figuras de cera
no han tenido cabida en los museos de bellas artes.
Su sitio han sido los gabinetes de anatomía,
la barraca de feria o los populares museos de cera.
Y, de hecho, esta.
Cita, hay que tomarla a día de hoy con pinzas,
porque sí es cierto que, si bien los museos de cera
siguen siendo el lugar predominante donde están expuestas estas figuras
y suele ser del gusto popular,
en realidad sí que algunas de estas figuras
que tenían una gran calidad artística ya han pasado a formar parte
de los museos tradicionalmente llamados de bellas artes,
como por ejemplo el Museo del Prado y también otros museos
como el Victoria en Albert.
Aquí traigo algunas recomendaciones de libros y artículos
para quien quiera seguir indagando en este tema.
Respecto al carácter funerario de la cera,
tiene distintos usos, desde un uso instrumental,
que es el sacar el molde del rostro de quien ha fallecido.
Aquí traigo la máscara de mortuoría de Cárdenas Altavera,
que en realidad la que traigo es el yeso,
pero que para hacerlo habrían utilizado previamente la cera.
Otras figuras en cera eran ya un fin en sí mismo,
como esta escultura de Isabel I de Inglaterra.
Donde las fuentes de la época nos dicen que en Westminster
estaba sobrecargada de una multitud de toda clase de personas
en sus calles, casas, ventanas, pistas y canaletas
que acudieron a ver las exequias y cuando vieron a su estatua
de Isabel I situada en el ataúd
hubo un general sentimiento de gente suspirando,
gimiendo y llorando como antes no se había visto
ni conocido en la memoria de los hombres.
Es decir, estas figuras en cera
que tenían un sentido sustitutorio de la persona que había fallecido
podían provocar todo este tipo de emociones
y de hecho luego pasaron a formar la colección de figuras de cera.
De la propia abadía de Westminster, que es lo que se podría llamar
una de las primeras colecciones de figuras de encera y, de hecho,
una de las primeras más antiguas figuras de encera
que se conocen es la efigie funeraria de la reina Isabel I, que es de 1603
y que se conserva allí.
De hecho, esa tradición inglesa
con la cera nos continúa a día de hoy.
En el siglo XIX, el filósofo Jeremy Benson,
que es el padre del luterialismo, consideró que la mejor manera
de hacer una escultura sobre él era aprovechando su propio cuerpo
una vez muerto
y después de momificar el cuerpo se realizó un retrato en cera.
Para colocarlo como su rostro que sustituyera a su cabeza.
Respecto al carácter votivo de las figuras en cera,
también vamos a ver cómo hay un distinto uso dependiendo
quién las vaya a encargar.
Uno de los ejemplos más célebres de figuras de cera de carácter votivo
son las que se realizaron en.
A causa de un ataque que sufrió Lorenzo de Medici y su familia
para agradecer que Lorenzo de Medici había salido ileso de este ataque
se realizaron figuras en cera.
Muy muy muy muy realistas
y se le colocaron las ropas que llevaba Lorenzo de Medici
en el momento del ataque ensangrentadas para agradecer
que seguía vivo estas figuras que no se conservan de hecho
la que traigo aquí es una terracota
pero que nos sirve un poco para hacernos una idea
de cómo eran eran muy realistas y como decía Vasari.
Tan realistas y tan bien cinceladas,
que no parecían meras imágenes de cera,
sino hombres reales.
Esto dista mucho de las ceras botivas
que habitualmente encontramos en iglesias y en ermitas,
que también están hechas en cera y que, bueno, pues podía encargarla
cualquier persona para agradecer haber superado cualquier dificultad
o enfermedad gracias a una santidad o divinidad.
Otras de las figuras
que tradicionalmente tienen un sentido devocional
y que se han realizado en cera son, por ejemplo, los Agnus Dei.
También los novísimos se han hecho tradicionalmente en cera.
Por supuesto, los niños Jesús.
Hay muchos ejemplos realizados en cera.
Uno de los más conocidos.
Es el Niño Jesús de Praga, que tiene un origen español,
como todos ustedes sabrán.
Otros de los objetos devocionales que en muchos casos se han hecho de cera
son los escaparates, por ejemplo, el escaparate de Santa Teresa,
que han sido estudiados por Raquel Sigüenza Martín,
que recomiendo si a alguien más le interesa.
Y luego también la cera se ha utilizado
para el ámbito espiritual, Del retrato, simplemente,
sin que tuviera un carácter votivo.
De hecho, se utilizó tanto en el Renacimiento
para retratar a grandes personajes que también se llevó una gran calidad
y, por ejemplo, aquí también nos decía Vasari.
No voy a ocultar que los artistas modernos
han descubierto el método de trabajar en cera todos tipos y colores,
de modo que para hacer retratos de natural en alto relieve
hacen las tintas de las carnaciones,
del cabello, las ropas y de todos los demás detalles,
de modo que el parecido con el natural de estas figuras
no le falta nada salvo el espíritu y la capacidad de hablar.
Tenemos ejemplos de una gran calidad artística
hechos por Antonio Abondio,
como por ejemplo este retrato del príncipe
Carlos que traigo aquí.
Y luego también otros artistas cultivaron el arte
de retratar en cera a los monarcas, como por ejemplo Antoine Beno,
que aquí tenemos el retrato de Luis XIV.
Este Antoine Beno, aparte de retratar al rey
y trabajar para él, empezó a realizar una gran colección de ceras,
43 empezó con ellas, y de personajes importantes
de su momento, de celebridades del siglo XVII,
y comenzó a mostrarlas por París.
Debido a su éxito, esta exposición itineraria
la comenzó a llevar a otros lugares de Francia
y así fue uno de los inicios de esas exposiciones de ferias itinerantes
de figuras de cera de gente que podía interesar en aquel momento.
Esto también llevó a la creación de gabinetes de cera.
Por ejemplo, es célebre el de Philippe Curtius.
En este salón, del que también además nos han quedado estampas,
vemos aquí a los visitantes de ese museo en cera.
Vemos aquí que están los visitantes antes de esa valla,
de esa balaustrada.
Y por detrás están las figuras de cera
que representarían salones con intelectuales del momento,
con personajes importantes de la distocracia.
Que se acercarían un poco así al público, que tenían todo el interés
puesto en cómo eran las costumbres de esas personas,
los trajes, los rostros,
era la manera de acercarse a estas celebridades,
como ya digo.
De hecho en el salón de Curtius
había una planta con este tipo de personajes
pero luego también otra con asesinatos y historias
de terror que es algo que también esa dualidad
es algo que ha persistido a día de hoy también
en los museos de cera.
De hecho, tiene una relación directa con Madame Tussauds,
que sería su discípula.
Ella aprendió de Philippe Curtius
y que ella va a ser luego el origen de varios museos de cera,
como el que tenemos en Londres,
y va a ser uno de los referentes como creadoras de figuras de cera.
Nos movemos también, y quería incidir en la importancia
que han tenido las mujeres para la producción de ceras
en el caso de los gabinetes anatómicos también.
Por ejemplo, Marie-Marguerite Bienhon,
Realizó muchísimas figuras de cera
y fue alabada por los médicos del momento.
De hecho, sus figuras fueron mostradas
en algunas ocasiones en la Academia de Ciencias de Francia.
Ilustrados como José de Vieres Clavijo,
durante su estancia en París,
describían su casa y su colección de esta manera,
decía.
Visitamos a Madame Vieron, señora de edad, que había formado
una colección anatómica del cuerpo humano
imitando sus entrañas y miembros con los materiales más análogos
a cada uno, cosa pasmosa y que sorprende especialmente
los pulmones, el cerebro,
los ojos, intestinos, etc. Es mujer tan inteligente
en esta ciencia que da todos los años un curso público de anatomía.
Libre de horror y fastidio
que ocasiona la vista de cualquier cadáver disecado.
Las figuras de cera, como vamos a ver en los gabinetes anatómicos,
van a tener la función de sustituir a los cadáveres
en las lecciones de anatomía.
Otra mujer que tiene un gran peso en la historia
de las figuras de cera anatómicas es Ana Morandi.
Que fue profesora de anatomía y escultora de figuras de cera,
tuvo un permiso especial
para impartir clases de anatomía de la Universidad de Bologna,
que compartía con su marido Giovanni Manzolini,
que murió y heredó su cargo.
Aquí traigo dos esculturas que hizo Ana Morandi
que son retratos de ella y de su marido
en plena lección de anatomía y algunas de sus figuras anatómicas
como es esta representación del oído.
Una de las colecciones de ceras anatómicas más importantes
de la historia es la de la espécula.
No se puede hablar de figuras de anatomía
sin referirnos a ella.
De hecho,
una de las figuras de cera más famosas que hay es la conocida
como Venus de Medici, que es del taller de Clemente Susini,
que se conserva en este museo.
Y que siempre ha atraído el interés de los estudiosos por ver
hasta qué punto también estas figuras de cera tenían algún tipo
de connotación erótica.
Didi Buberman decía, la escala natural,
la postura, la calidez intrínseca de la cera, su admirable moderado,
la textura de la piel, el vivo colorido
que viene del adentro ya que la cera se tiñe en la masa
e invoca por tanto una fasmagoría de animación,
la extraña familiaridad de la seda,
de las perlas, del diván de terciopelo,
de los cabellos, del vello púbico.
Todo esto convierte innegablemente a la Venus
de los médicos en una efigie que se desea tocar.
¿Qué más se le puede pedir a una imagen de Venus?
Las mujeres han sido protagonistas tanto realizando figuras de cera
como siendo objeto de representación de estas figuras.
En el Hospital de San Carlos,
Carlos III va a pedir que se realice toda una serie de figuras de cera
de una admirable calidad artística.
De hecho, han sido estudiadas muy bien por Alicia Sánchez Ortiz,
Nerea del Moral y Sandra Mico,
que tienen varios artículos sobre esto,
así que no me voy a detener mucho más y remito a su lectura.
Pero me parece interesante cómo la figura.
De la parturienta,
que en todas las fuentes de la época se la describe como muerta,
contrasta mucho con otras de estas figuras que,
aunque sean figuras anatómicas, van a tener apariencias vivas
y que refuerza de alguna manera ese sentido erótico
de algunas de estas figuras que luego además.
No se usarán en contextos médicos
como la parturienta que se realizó en España,
sino que van a ir a ferias itinerantes.
Este tema también ha sido estudiado muy bien
en estos dos trabajos que también recomiendo su lectura.
En Madrid se hicieron también ferias y exposiciones en casas
de figuras anatómicas.
Que se representaban bajo historias,
como por ejemplo en este caso la historia de Dalila y Sansón,
que se representaban a estos personajes
y estaban abiertos por alguna parte de su cuerpo
para mostrar el interior anatómico que tenían.
Y, por supuesto, estas figuras, a diferencia de la parturienta,
que fue realizada para ser el objeto de estudio
de los estudiantes de anatomía, que.
Difícilmente podían encontrar o no era tan accesible
encontrar el cadáver de una mujer a término
para estudiar la anatomía de la mujer embarazada de nueve meses
con una mujer que hubiera fallecido de verdad.
Se utilizaba el cadáver para poder hacer esa lección de anatomía
de una manera satisfactoria.
En este caso,
estas figuras anatómicas simplemente servían para los curiosos,
para que ellos pudieran ver cómo era su cuerpo por dentro sin más interés
que saciar la curiosidad de ese público.
Quería terminar simplemente con otro tipo de figuras de cera,
que en este caso estos dos bustos están expuestos
en el Museo del Prado,
que representan tipos populares del momento.
A veces ha dicho que pueden ser retratos fieles
de algunas personas.
Pero en cualquier caso creo que responden al gusto de la época,
en concreto de la segunda mitad del siglo XVIII,
que son completamente hiperrealistas,
no tienen cabello, dientes realizados por huesos,
tienen un hiperrealismo bastante sorprendente,
la tela también del traje es natural, seda, algodón,
y que creo que responde a ese interés,
como decía, de los tipos populares que había en ese momento,
donde los palacios se llenaron de personas del pueblo,
en la decoración de los tapices,
en las pinturas y pasteles que se encargaban,
así como en colecciones de estampas.
Y con esto termino.
Espero que haya podido ser una clase de su interés
y que esto le abra la puerta para poder seguir investigando
y leyendo sobre este apasionante tema de las representaciones en cera
de una entrada moderna.
Muchas gracias.