Bienvenidos, bienvenidas a esta sesión que tenemos esta tarde
como una colaboración entre el Grupo de Innovación Docente Litera,
que es un grupo del Departamento de Literatura Española
y Teoría de la Literatura, para hacer y ofrecer
nuevos enfoques para la enseñanza de la literatura española
y la teoría de la literatura en las asignaturas de Grado
y Máster.
Y también en colaboración con el proyecto de investigación
Poemas, poesía para más gente,
la poesía en la música popular contemporánea.
Un grupo de investigación en el que nos dedicamos a estudiar
las relaciones entre poesía y música,
especialmente en la actualidad, especialmente en lengua española
y no solo en lo que tiene que ver con musicalizaciones modernas,
de poemas,
sino también en la naturaleza poética de las letras de canciones.
Hecha esta presentación,
pues hoy hemos invitado a uno de los miembros del proyecto
Poemas, que es Sabrina Rivas.
Sabrina, bienvenida.
Gracias.
Ella viene trabajando en el proyecto Poemas a distancia,
nunca mejor dicho en la UNED, desde su país de origen, Argentina,
y ahora tenemos la oportunidad de conocernos en persona
y poder grabar para el alumnado esta videoconferencia,
pero antes de presentar la videoconferencia en sí,
pues voy a presentar el perfil de Sabrina.
Sabrina Riva es doctora en Estudios Literarios
por la Universidad de Alicante,
Convención Internacional y Premio Extraordinario.
Ha sido profesora interina en la Universidad de Buenos Aires,
investigadora doctoral Fundación Carolina
y postdoctoral del Consejo Nacional de Investigaciones
Científicas y Técnicas de Argentina.
Actualmente trabaja
como profesora en la Universidad Nacional de Mar del Plata
y como investigadora asistente del Instituto de Humanidades
y Ciencias Sociales del CONICET.
En el marco de diversas ayudas para profesores invitados,
ha realizado estancias de investigación
en las universidades de Alicante, Zaragoza, Valencia, Boloña,
Universidad Complutense de Madrid y Salamán.
Los resultados de sus investigaciones
se han difundido en el libro La Garra Suave,
representaciones de Miguel Hernández como talento popular,
y en numerosos capítulos y artículos en libros y revistas,
destacándose su interés por diferentes temáticas
de la literatura contemporánea,
especialmente la poesía de Antonio Machado y Miguel Hernández,
la canción de autor y la narrativa española reciente.
Precisamente en una de esas líneas viene hoy
a hablarnos del canto de todos,
homenaje y nueva resistencia en violética de Nacho Vegas.
Muchas gracias, Sabrina, por estar aquí.
Tienes la palabra.
Bueno, muchas gracias, Guillermo.
Muchas gracias también, Clara, por la oportunidad de poder
hoy estar aquí y comunicar algunas de mis preocupaciones
y mis intereses relacionados con.
Con la canción sobre todo, y muchas gracias por la generosidad
y la buena predisposición.
Estoy encantada no solo por esto que les mencionaba recién,
de poder charlar sobre algunos de mis intereses respecto de la canción,
sino también de ponerle cara y cuerpo a personas
con las que vengo intercambiando mucho a partir, sobre todo,
de videoconferencia y de mail,
pero que hoy tengo la oportunidad de conocer en vivo y en directo.
Como recién mencionaba Guillermo,
el título de mi presentación es El canto de todos,
homenaje y nueva resistencia en violética de Nacho Vegas,
e intentaré por un lado ir explicando algunas nociones y por el otro lado
leeré algunos fragmentos de la comunicación,
más que nada para acotar respecto del tiempo,
porque si hablo solamente seguramente me voy a pasar un poco.
Para comenzar elegí un pequeño fragmento
de una canción de Violeta Parra que se llama Yo canto a la diferencia,
que dice así.
Yo canto a la chinaneja si tengo
que decir algo y no tomo la guitarra por conseguir un aplauso.
Yo canto a la diferencia que hay de lo cierto a lo falso,
de lo contrario no canto.
Esta es una letra del año 1960 que a medida que vaya comentando
o a medida que vaya dando
la exposición se va a ir resignificando,
sobre todo porque tiene que ver no solo con el canto
a cierto tipo de disidencia,
sino sobre todo porque tiene que ver con la construcción
y la configuración de un cierto tipo de canción política.
Y para pensar, algunos estereotipos,
en verdad, que luego pueden matizarse y cuestionarse, elegí,
en vez de un video sobre un cantautor, algo distinto.
Un book trailer de un cómic que se llama Memoria
de una guitarra de Román López Cabrera,
en donde el autor lo que hace es.
Construye un personaje de ficción,
pero que recupera la biografía de varios de los cantautores
de los años, sobre todo 60, españoles más destacados.
Un momento, voy a preguntar a medios técnicos
si está compartido el audio, para ver si se escucha o no se escucha.
Se lo pidió Sabrina ya.
Muy bien, pues nada.
En teoría tendría que funcionar correctamente.
No.
Le da.
Uy.
La liamos.
Está bien, porque esa ya es la publicidad, ¿no es cierto?
A ver si se puede mover.
Ahí está.
Bien, me interesaba este pequeño video
porque lo que repone en sí es el imaginario
sobre la canción de autor de la resistencia antifranquista
y algunos elementos que construyen un tipo de performance de cantautor
y también, por supuesto, un estereotipo,
un lugar común.
Respecto de este tipo de artistas.
Por ejemplo, en cuanto a la performance,
el hecho de que muchos de ellos solían interpretar sus canciones
de modo solitario en un escenario, simplemente con su guitarra,
en una escena en la que se intercambiaba
y se desarrollaban intercambios entre el público y el cantautor,
que en gran medida tenían que ver con distintos tipos
de consignas políticas.
Y por otro lado también, como en este breve video,
se recupera cuál fue el derrotero de la experiencia
de esos cantautores.
Entre otras cuestiones, por supuesto,
en principio la censura, y después la represión y el exilio.
¿Está mejor?
Bueno, en pantalla se pueden ver algunos de los cantantes,
por supuesto que hay muchísimos más,
algunos de los que elegí en parte por gusto,
en parte por ser muy representativos de la época.
El primero que es en verdad el que le da casi rostro
a ese personaje del cómic,
que es Paco Ibáñez, a continuación Elisa Cerna,
luego Luis Lagos, por debajo con un puño, que era el puño
de la canción política de la época, Cecilia,
por supuesto Serrat, que de inmediato reconocemos,
y por último, Chicho Sánchez Ferlosio.
En el imaginario de la cultura española contemporánea,
los vínculos entre la música popular y la política
nos remiten casi por antonomasia a la figura de los cantautores,
quienes, sobre todo,
como decía, Durante los años 60 y 70 llevan a cabo proyectos creativos
cargados de una decidida fuerza elocutiva,
sistematizando una oposición política desde el ámbito artístico
caracterizada por el pasaje de la letra a la voz de poetas
consagrados y perseguidos por el franquismo,
la exploración de principios constructivos propios
y el rescate de las identidades folclóricas.
Poetas consagrados.
Sobre todo aquellos de la vanguardia
de la llamada Generación del 27 y de los años 40 y 50,
poetas sociales como Blas de Otero,
Gabriel Serralla, José Hierro, entre otros.
En palabras de Alberti,
la urgente gramática necesaria de los mismos,
su adhesión a programas políticos de mayor o menor
componente revolucionario y su abierto rechazo del régimen
favorecen especial al comienzo.
El uso de la etiqueta canción protesta
para referirse a sus aspiraciones,
cuyo agonismo y pasiones en tiempo de censura encarnan
en un discurso contestatario para ser interpretado al sesgo.
Sin renunciar por ello a una canción diversa
que estimule la reflexión, buscan una manera de hacer catarsis,
pero también una canción que interpele a sus contemporáneos
y los llame a la acción,
adoptando el rol de portavoces de su comunidad.
Por su parte, años después la movida,
durante la transición, reformula la perspectiva
desde la que se plantean las cuestiones políticas.
Como señalan Héctor Fauce y Fernando del Val,
y lo cito, la violencia del cuerpo, la forma de recorrer la ciudad,
las sexualidades que el régimen había considerado desviadas
y punibles, aparecen como espacios políticos
a explorar.
La política desaparece como discurso,
pero se articula a través de prácticas.
Cuando yo leí este fragmento del artículo,
de inmediato se me vino a la cabeza.
La manera en que circulan los personajes,
por ejemplo, solo por dar un ejemplo, en Laberinto de pasiones
de Pedro Almeodóvar de 1984, esa primera escena
en la que la cámara atraviesa el rastro
y nos encontramos con Magna Mara charlando en una mesa,
de un modo completamente libre, ataviado, que es formal la palabra,
con una performance corporal,
de la época, con una chaqueta de cuero,
muy maquillado, algo impensado unos años antes,
que por supuesto implica una performance, implica una manera
de hacer política que no tiene que ver con el discurso
ni tiene que ver con el partido político.
Sin embargo, una vez instalada la democracia,
esas formas pierden su componente revulsivo,
se normalizan y son despojadas de su carácter político.
A partir de entonces se desestiman los relatos colectivos
y las movilizaciones y solo son recuperados con el advenimiento
de la crisis económica iniciada en 2008,
por lo que podemos pensar la trayectoria artística
de Nacho Vegas de acuerdo con este último contexto.
Bien, y para cerrar esta primera parte introductoria,
la única cita larga
a la que me voy a referir es la que se ve en la diapositiva,
encabezada por esta pregunta no tan retórica,
¿qué será de nosotros sin los bárbaros?
O sea, ¿qué será de un tipo de canción que estaba estrechamente
conectada con la situación política, con la existencia de una resistencia
y de una dictadura?
Y me gustaría mencionar que ya desde el propio movimiento
de la canción de autor, hubo críticas mucho
antes de que comenzara la transición.
Leo esta cita in extenso.
En 1983, Víctor Claudín recogía en un libro testimonial
sobre la canción de autor, titulado Pueblo que canta,
distintas opiniones sobre el género vertidas por artistas y estudiosos.
Lo que estos testimonios revelan,
especialmente por parte de los cantantes,
es una saturación ante la protesta,
que incluso antes de 1975 y ya en los 80s había perdido casi
por completo su perfil agonístico, es decir, su perfil de lucha,
de posibilidad de confrontación.
Allí Joaquín Sabina concluía su intervención respondiendo
a la pregunta de Claudín, ¿qué es la canción popular?
Con un eslogan juguetón,
esta vez completamente ajeno a la mitificación.
Sabina decía, abajo la canción popular,
vivan las canciones populares.
La operatoria de minorización en este nuevo grito de guerra de Sabina
señalaba un camino que llevaba el vent y la lluvia cántaros
de la retórica o civilista de la dictadura a mucho más.
Un gesto de autocrítica ejemplar respecto de la pobreza discursiva,
los dogmas, contenidistas, homogeneizadores, que conspiraron,
sobre todo en los inicios de la canción de autor,
con su auténtico y hoy todavía persistente impulso
renovado.
Y estas palabras pertenecen tanto a Marcela Romano
como a mí, y son de un libro del año 2018.
Es decir, las críticas aparecen muy tempranamente,
sobre todo al hecho de que estas canciones
se transforman en canciones reales,
con consignas verdaderamente dogmáticas,
y que además lleva a un tipo de composición muy retórica
en un sentido de fijación de fórmulas.
Un ejemplo de esto es el autotango del cantautor de Luis Eduardo Aute,
que apareció en su disco de 1974,
como decía antes muy tempranamente, Riton.
Tomo algunos fragmentos
como para pensar esta idea, ¿no es cierto?
Dice, ¿qué me dices cantautor de las narices?
¿Qué me cantas con esa solemnidad?
¿Qué tortura soportar tu voz de cura,
moralista y un pelito paternal?
Muy aguda, metafórica y sesuda
de esa letra que te acabas de marcar.
Que me duermo, que tu música es un muermo y me pones muy enfermo.
Por favor, no sigas más.
Por supuesto, muy cáustica la crítica.
En cuanto ahora sí, ya para acercarnos
a la poética de Nacho Vegas, en este caso
hay que pensar que la escena indie de la cual él proviene,
fue acusada de individualista y expresión
de la clase media dominante, en un texto de Víctor Lenores
que se llama Indies, gifters y gafapastas,
y el cantante australiano, entonces, Como decía antes,
hay que pensarlo en ese marco,
porque allí comienza su carrera musical,
en la escena indie de los años 90,
como guitarrista de la banda de post-rock Manta Ray.
Desde el punto de vista sonoro, Tarecela apela a la distorsión
de la guitarra eléctrica y a la experimentación,
mientras que discursivamente prescinde de temáticas ligadas
a lo social o político y da muestras sobradas de anglofilia.
¿Por qué?
Porque muchas de esas letras se cantaban en inglés.
Y además, los principales referentes de esas bandas,
sobre todo de rock, eran Sonic U, Dinosaurio Jr. y The Jesus and
Mary Crane.
Pero esto, a lo largo de 15 años,
se transforma no solo el indie, según el mainstream,
sino que las críticas a la situación social
del país y el desencanto frente a la clase política
cobran mayor protagonismo en las canciones.
Y sin duda es el 15M el que estimula las bases de este cambio,
puesto que relea las viejas divisiones políticas,
configurando una proclama transversal.
En la que la indignación no se entiende,
no entiende, mejor dicho, de izquierdas ni derechas,
sino que considera a la ciudadanía frente a los políticos,
banqueros y corruptos de diversa índole.
A pesar de la ideología del arte por el arte que el indie propugna,
los músicos no pueden sustraerse a la politización de sus oyentes,
los jóvenes y la clase media,
ni a su propia experiencia como ciudadanos.
En consonancia con lo.
Que vengo planteando, la obra solista de Nacho Vegas
también acusa el impacto de la nueva coyuntura histórica.
Sus primeros discos narran historias de personajes marginales
y presentan una figura de autor maldito, aunque irónico,
herido por la vida y entregado a sus excesos,
que se diluye a partir del EP Cómo hacer crack de 2011,
convirtiéndose decididamente en Resituación de 2014,
en un cronista de su época a la manera de los cantautores folk
de los 60 y 70.
Su implicación política excede los límites de su obra,
participa de distintas acciones reivindicativas,
como la plataforma de afectados por la hipoteca,
e incluso se postula a la lista de anticapitalistas
para la segunda asamblea ciudadana estatal de 2014.
Podemos.
Es decir, que da un paso más, ¿no es cierto?
, al estilo, por ejemplo, de cantautores como La Bordeta,
que se implica políticamente en un sentido partidario.
Acá podemos ver a Nacho Vega, muy joven, autor austriano,
nacido en Gijón.
Y me gustaría que escuchemos al menos un minuto
de esta canción que mencioné, que representó un.
Verdadero quiebro,
un verdadero momento de cambio en cuanto a su manera de componer
y en cuanto a sus preocupaciones políticas.
Cada mañana te despierta la sensación
Ve que hay alguien gritando a tu lado Pero
estás solo en la habitación Y desayunas leyendo la prensa Para
saber lo que hay que pensar Lees tu horóscopo,
eres capricornio Te entra el pánico y bajas al bar.
Y hay una camarera colombiana
Pero ella nunca ha reparado en ti No lo intentes, regresa a casa
Tal vez te sientas seguro allí Pero en la tele dan la muerte violenta
De alguien molesto para la sociedad Y
el presentador hace una mueca Abre la boca y solo suena un crack.
Abre la boca y solo suena un crack
Y cae la tarde y te atreves a volver a salir.
Compras pan de bimbo y dos yogures en el Mercadona de Pumarín
y oyes voces justo al otro lado.
Es una fiesta que hay en un café
e informan de que han desarticulado a la cúpula de la COE
y de que sólo habrá un nuevo principio
una vez consumado el fin.
Y una niña susurra a tu oído que han desahuciado a la familia por ti
y que han cambiado el significado de algunos verbos
como disfrutar.
Y en la calle se hace un gran silencio,
pero si escuchas bien oirás un crack.
Esto será simplemente para ejemplificar la etapa previa
al disco sobre el que voy a hablar, que es Violética.
Ese crack que puede pensarse como el crack de la bolsa,
el crack del cambio, el crack en definitiva de una crisis
que la canción está de algún modo representando,
no solo por la manera en que se desarrolla la música, ¿no?
Muy.
Pausada y expectante,
porque parece que siempre va a venir algo más que no termina de explotar,
y también en la lectura sobre el malestar, ¿no?
Hay algo ahí que está cambiando en esa rutina
de la persona que baja al café, al bar,
y que baja a comprar el pan,
pero que aún no termina de anunciarse.
Perfectamente, podría armarse una serie con esta canción,
también con Run Run
y muchas de las que él va a presentar en Resituación.
Y retomé este cartel porque era el que en ese momento
en Madrid se creó para tratar de defender un centro cultural
que se llamaba Patio de Maravillas.
La consigna de esa lucha era en soledad nos quieren,
en común nos tendrán y él luego la recupera para.
Esta otra canción que mencionaba, Rum Rum,
donde dice, nos quieren en soledad, nos tendrán en común,
despertando justamente esta idea del cantautor como portavoz
de la comunidad y también como una persona que llama
a la acción, sobre todo a la construcción
de una identidad colectiva.
Ya adentrándonos en Violética,
se puede ver en pantalla las canciones,
posee un disco muy extenso, tiene dos discos,
me expresé mal, Es una propuesta, un proyecto que tiene dos discos,
es un disco doble.
Y en cuanto al mismo, puedo decirles que se compuso en 2018
y recupera la figura y la voz de Violeta Parra
y al mismo tiempo reivindica el rol creativo y político
de las mujeres, presentándose a esta como un modelo posible
en el ámbito que el asturiano conoce mejor,
el de las canciones.
Las razones del homenaje son estéticas.
Pues el diálogo fecundo que el disco presenta entre la tradición popular
y los sonidos más actuales es un aspecto
de la obra parriana que Vegas aprecia.
Y desde luego éticas, visto que la artista chilena
es recuperada por su canto a la diferencia,
veíamos el epígrafe al comienzo, y en relación metonímica
como representante del género al cual pertenece.
Violeta Parra tenía una cosa que a mí,
dice Nacho Vegas en una entrevista, me gusta mucho,
que es esa facilidad tan tremenda para unar lo oculto y lo popular.
A Nacho Vegas entonces, a quien las movilizaciones del 8 de marzo
en España lo hacen repensar en la encase de la llamada
por a Violeta, estas cuestiones,
este cruce entre lo oral, lo popular,
lo tradicional, le interesan muchísimo,
así como también pensar la canción política y el género.
No es casual que aparezca el color violeta
como algo importante más allá del nombre de la cantautora.
En esa misma entrevista él sigue diciendo.
Han sido masivas
y en un momento donde la izquierda se estaba preguntando
cómo recuperar la calle el feminismo,
se reveló como un verdadero eje movilizador.
Si queremos verdaderos cambios políticos, sociales y culturales,
también creo que tiene que pasar por ahí, por el feminismo.
Y es en ese sentido que emprendo una suerte de, entre comillas,
feminismo.
Text-masculinización de su ámbito de trabajo y de sus letras,
dado que comparte la interpretación de sus piezas con cantantes españolas
destacadas, emplea coros y presenta ideas
desde el punto de vista femenino,
sin que ello impida que otros espacios del álbum
desplieguen reivindicaciones de su posicionamiento político habitual,
ni a bien todo lo contrario.
Si atendemos a la interpretación que hace de su tiempo histórico,
la denuncia que realiza en Crímenes Cantados,
en la que narra la muerte de.
De Zamba Martínez y Mohamed Burdelaba
en el Centro de Internamiento de Extranjeros de Madrid,
tanto como la recuperación de los versos compuestos
por los hermanos Caxigan,
dos de los maquis más conocidos de los primeros años
de la posguerra, planteadas en el corazón helado,
por tomar solo dos ejemplos,
confluyen, sin demasiadas contradicciones, en esa marea violeta
que el título evoca,
Pensada esta en definitiva como una ética capaz de asumir
y propiciar los cambios sociales que el músico anhela,
desea.
Publicado a casi un año del centenario de nacimiento
de Violeta Perra, el disco le rinde tributo también en otros aspectos.
En principio, la imagen de la portada,
que ahora podemos ver en pantalla, Realizada por Miguel Brieva,
presenta el rostro de la cantautora, teñido de color violeta,
con el cabello negro extendido a su alrededor,
de modo tal que si se observa la ilustración rápidamente,
éste no se distingue con claridad,
pues se minetiza con el cielo estrellado que rodea la figura.
Su juventud es la del mito, sus ojos verdes,
singulares y misteriosos.
El cuadro general
la muestra en armonía con el paisaje nocturno,
Ella es una presencia y un símbolo universal
de lo femenino.
El título del proyecto,
asimismo, más allá del juego de palabras entre su nombre
y la ética que Nacho Vegas defiende, entre lo que el color violeta
representa y los contenidos que las letras exhiben,
remeda una de sus canciones más conocidas,
más úrquica, modernica.
Registrada en las últimas composiciones de 1966,
quizá el disco más difundido de Parra,
esta emplea, al igual que el paratexto mencionado,
la técnica metatónica,
por la cual las palabras del final de los versos se convierten
en esdrújulas.
De tono burlón y carácter metatextual,
reflexiona sobre la función de la canción política.
Escuchemos al menos un minuto para tener idea
de lo que estoy planteando.
Me han preguntadico varias personicas y peligrosicas para las masicas
Son las cancionicas agitadoricas hay que preguntica mas infantilica
Solo un piñuflico la formularica pa mi sedentrico yo comentarica
Le contestadico yo al preguntonico cuando la guatica pide comidica.
Opone al cristianico firme y guerrerico
por sus poróticos y sus cebúllicas.
No hay regimientico que los detenga
y casi tienen hambre y calos popularicos.
Preguntadónicos, partidísticos, disimuládicos y muy malúlicos.
Son peligrosicos más que los versicos,
más que las huélgicas y los desfílicos.
Sirva como muestra si nos falta que escuchemos toda la canción.
Sin decir que, según las primeras líneas,
la risa resulta en una respuesta, resulta de una respuesta
a una pregunta que la autora debe contestar con frecuencia.
Me han preguntado y cogarías persónicas y prelibrosicas
para las másicas son las canciones agitadóricas.
Ella sostiene que el juramento jamás fue cumplido
y los políticos son más peligrosos que los versos,
y en la estrofa final trunca su canto porque dice que tiene.
Flojérica en los apáticos, en los cabellicos, en el vestírico,
en los riñónicos y en el corpínico.
Es decir, la pereza que le produce dar explicaciones rayanas
con lo absurdo la recorre de los pies a la cabeza,
señalando incluso elementos propios de cierta identidad femenina.
Nacho Vegas entonces se ascribe, con el homenaje a Violeta Parra
y en particular con el título elegido para su proyecto,
a esa línea de la canción protesta dedicada a la exploración
de los ritmos e imaginarios de la tradición popular
y al develamiento de injusticias y problemáticas sociales.
Si bien Violética, según.
Lo advertí, sostiene cierta amplitud de miras,
las mujeres aparecen desempeñando fundamentalmente tres roles.
El de autora en Maldigo del Alto Cielo,
personaje protagonista en Aida de la Fuente o intérprete
protagonista en La Última Atrocidad.
En cuanto a Maldigo del Alto Cielo,
se trata de una composición de Violeta Parra,
grabada también en su último disco de 1966.
Suerte de reverso,
de gracias a la vida, que es la canción, imagino,
más conocida por todos.
Esta forma parte del ciclo de canciones
de amor que allí se registran,
en especial de aquellas donde se plasma su dolorido sentir,
como una copla me ha cantado y run run se fue pa'l norte,
que es la más terrible.
Su canto a lo humano, en esta oportunidad,
se torna esencialista y la voz lírica
maldice la estrella con sus reflejos.
La cordillera de los Andes, la paz y la guerra,
todo lo cierto y lo falso con lo dudoso,
la primavera, cualquier emblema, lo libre y lo prisionero, lo dulce,
lo pendenciero.
Esto es toda la existencia,
ya sea esta natural como construida culturalmente.
Los paisajes, animales y estaciones del año,
así como las instituciones humanas, las aulas,
si las cito, las sacristías, obispos y monaguillos,
ministros y predicandos.
Tale enojo, a su vez, encuentra su justificación
en el verso que cierra cada una de las estrofas.
¿Cuánto será mi dolor?
Dado que es merced a ese sentimiento de rabia y desgarro,
a su profunda tristeza,
que la realidad pierde sus matices y nada
merece escapar del daño deseado.
Escuchemos apenas un minuto para entender el tono
de la canción de Parra.
Maldigo los estadutos del tiempo con sus mochornos
¿Cuánto será mi vida?
Maldigo toda langosta y larga faja de tierra,
también la paz y la guerra,
lo franco y lo veleidoso, maldigo lo perfumoso,
porque mi anhelo está muerto.
Maldigo todo lo cierto y lo falso,
con lo dudoso, cuantos caminos.
Bien,
y ahora veamos qué es lo que hace Nacho Vega con esta canción.
En principio, decir que la canta junto con la que era su pareja,
sí, todavía en ese momento era su pareja,
que es Cristina Rosenvigel.
Maldigo el fuego del horno porque mi alma está de luto
Maldigo los estatutos del tiempo con sus bochonos.
Cuánto será mi dolor.
Maldigo la cordillera de los Andes y la costa,
maldigo señor langosta y larga pata de tierra,
también la paz y la guerra, lo franco y lo peleidoso,
maldigo lo perfumoso porque mi anhelo está muerto,
maldigo todo lo cierto y lo falso con lo dudoso.
Cuánto será mi dolor.
Bien, en cuanto a esta versión que escuchábamos,
supone una actualización de la obra parriana en la que,
más allá de la recuperación literal y completa de los versos originales,
se cambia, obviamente lo escuchábamos,
el entramado musical.
Respeta la estructura rítmica y la línea melódica principal,
pero se trueca bombo legüero y guitarra clásica
por una instrumentación más compleja propia del rock.
En términos generales, por fuera de la batería,
el bajo y la guitarra eléctrica distorsionada,
cumplen la función del bombo al marcar el ritmo
alternativamente y tienen mayor presencia según el tramo
de la letra que acompañan el bajo en el momento previo
a que se pronuncia el verso final de la estrofa
y la guitarra a continuación cuando se produce la transición
entre secciones.
Por otra parte,
la intensidad de la voz, las pausas y silencios que se desarrollan
a la hora de interpretar la anteúltima estrofa,
junto con el solo de guitarra que la precede,
no son casuales, sino que pretenden distinguir el fragmento
en el que se maldice al vocablo amor con toda su porquería.
En este sentido, recordemos que los subrayados
eran innecesarios en la canción original,
pues el dolor encarnaba la voz de la cantautora
y la intención autoral marginaba.
Cito una canción muy conocida de ella que se llama El Albertío,
los valentinos, los gardeles y negretes,
o lo que es lo mismo, las expresiones más mediatizadas,
dramáticas y estereotipadas del discurso amoroso,
aquellas que tenían por receptoras pasivas
a las mujeres.
De hecho, si no ponemos el foco en las circunstancias autobiográficas
que pueden haber inspirado el texto,
la ruptura de Violeta con Gilbert Fabré, Quien se apena
y maldice no es ella en solitario,
visto que comparte la interpretación en igualdad
de condiciones con Alberto Zapicán,
el último hombre con el que ella se relacionó.
Ambos, por ende,
coinciden respecto de los propósitos de su canto
y esto se replica en la adaptación más contemporánea.
Nacho Bebas canta Maldigo del Alto Cielo
con su ex pareja.
La cantautora Cristina Rosenbige, sin embargo,
es su voz la que se escucha en primer plano,
la de ella es apenas audible.
La participación de esta garantiza la repetición del dueto,
el que hacía Parra con Zapicán,
siendo además orgánica en esta empresa,
pues fue gracias a ella, a Rosenbige,
que el asturiano escuchó atentamente a Violeta Parra.
Tomando otro ejemplo de.
Ah, no, está bien.
Otros ejemplos del disco me interesarían hacer
algún comentario sobre Aida de la Fuente
y El Corazón Helado.
Aida de la Fuente entronca con la canción que abre el disco,
es decir, El Corazón Helado,
debido a que ambas rescatan escenas y personajes históricos
vinculados con el comunismo y convertidos en símbolos
de la resistencia antifascista asturiana.
La primera.
Caída de la Fuente, alude a la denominada Rosa Roja de Asturias,
una joven muchacha que murió durante la Revolución
de Octubre de 1934.
La segunda, Corazón Helado,
es una adaptación de unos versos de los hermanos Haxigal,
dos de los fugados que se fueron al monte terminada la guerra civil.
En la secuenciación del álbum, la canción dedicada a Aida
es la anteúltima, cerrando un arco imaginario,
pues la machadiana, el corazón helado,
actúa como pórtico de la propuesta, animando al combate,
mientras que Aida de la Fuente piensa a su protagonista
como una heroína atemporal,
aquella que volverá, cito la canción,
cuando haya otra revuelta, en la que no habrá nadie tan valiente
que ponga su pecho al frente.
La composición
toma sus dos primeras estrofas de una de las versiones orales
recogidas por el grupo cultural llana,
a la que Vegas le agrega otras dos con expresiones similares
a la versión del grupo Nuberú,
cantando hacia el final, de modo alternado,
esos últimos versos en español, y en bable, en concreto,
Aida que murió gritando, viva la revolución,
Aida que murió rayando, puya la revolución.
Su reescritura del canto tradicional popular
está conectada con una concepción de la figura de autor propia
de la oralidad, aquella que dio catalana denominado autor-legión,
dado que, según el intérprete, uno de sus intereses actuales es,
y lo cito, escribir canciones de una manera
en la que la autoría esté un poco diluida.
El resultado se caracteriza por una brevedad próxima
a la del romance, en el que, al igual que en este último,
se presentan diálogos y la música también se actualiza,
aunque solo en cuanto a los instrumentos que la ejecutan.
De la guitarra clásica, o posiblemente bandurria y flauta,
se pasa a la guitarra eléctrica y el ukelele,
pero en ambas opciones se registra un coro,
en el caso más contemporáneo,
el coro internacional antifascista al alto y la leva,
formado en su mayoría por mujeres.
¿Cómo vamos con el tiempo?
¿Correctamente?
Diez minutos, quince minutos.
Entonces me voy para atrás para escuchar un pequeño fragmento
de ayer.
Un amuleto que me regaló alguien a quien quiero mucho
y que me los da antes de ir a concierto.
Vamos a acabar con una canción semi-tradicional asturiana,
una canción en homenaje a una guerrillera asturiana
de la Revolución, de 8 de abril del 34.
Se la quiero dedicar a todos los que me han llamado
esta mañana traidor a la clase obrera,
por el tiempo del mundo, del mundo de la república.
Y vamos a hablar con ella.
En el coro del Tola Lleva, antes ha recitado Alberto,
Esther, y ahora acabaremos también introduciendo la canción
con un poema que recitará Shaku.
Las mujeres de los mercados de decisión
suelen llamarte vida.
Te dicen, por ejemplo, que en algún otro sitio,
en otras horas, scenario postcapitalista.
Cuando haya otra revuelta no habrá nadie tan valiente
que ponga su peso al frente como Aida de la Fuente.
Aida que así se llamaba, Aida que así se llamó, Aida que murió gritando
¡Viva la revolución!
Justo antes de matarla, dos pastistas la miraban.
Justo antes de matarla, como te llamas muchacha,
ella dijo puño en alto, comunista libertaria.
Justo antes de matarla
y como te diames guaja ella dijo puño arriba comunista libertaria bien,
le hago solo una mención para pasar hacia el final
a la canción que abre el disco que es El Corazón Helado el título proviene
¿cómo es?
Imagino sabido del Proverbios y Cantares de Antonio Machado,
particularmente de su libro Campos de Castilla, cuando dice,
ya hay un español que quiere vivir y a vivir empieza,
entre una España que muere y otra España que bosteza.
Españolito que vienes al mundo, te guarde Dios,
una de las dos Españas,
adelante el corazón.
A la montaña elevada por su ladera trepé allí refugio encontré.
Bajo una roca nevada, a la montaña elevada,
por su ladera trepé, hay dolor, hay dolor.
Toda mi vida es amarga tras una grieta escondido,
todo lo más ocultado con el corazón helado.
Duermo el sueño del rendido tras una grieta escondido.
Hay dolor, hay dolor.
Madrugo muy de mañana, que es hora de vigilar.
Alguna vez hay sorpresa, corro como un venado
y me escondo en la maleza.
Alguna vez hay sorpresa, hay dolor,
hay dolor.
Ay, ay, ay, ay, ay, ay, dolor.
Bien.
Ya para finalizar, voy a referirme a la última atrocidad,
pero no sin antes mencionar que las fotos que se veían
en pantalla son de los hermanos, esto que mencioné,
de los cuales escribieron varios de los versos que Nacho Vega
utiliza en la canción, por lo cual, por supuesto,
hay una reivindicación de los republicanos, ¿no es cierto?
, y de, digamos, el rol que cumplían los maquis en el monte.
Bueno, entonces, en cuanto a la última atrocidad,
esta propone un diálogo entre una pareja de amantes
signado por la incomunicación
e interpretado por Nacho Guevas y Cristina Martínez,
cantante de la banda de rock
El Columpio Asesino.
A diferencia de Maldigo del Alto Cielo,
en la que los cantautores
interpretaban la canción de Violeta Parra al unísono,
en esta las intervenciones nunca se superponen,
excepto en el estribillo,
y en los versos hay una bomba junquera.
Te cercenará las piernas, reptarás hasta la puerta.
Estos narran un episodio independiente
del intercambio general,
pero que se conecta con este a partir de la idea
de que algo inminente y atroz está por ocurrir.
La dinámica de la interacción se repite a lo largo
de toda la letra.
Él hace una pregunta retórica ligada a cierto discurso romántico,
más bien gastado, emparentado con la novela rosa
y con la canción popular masiva, por ejemplo,
y si hacemos como si nada hubiera ocurrido,
y si pensamos de cero hoy mismo, amor mío,
y si lo nuestro fuera pura cosa del destino,
y si me lleva hacia ti cada camino,
y ella contesta respectivamente a través de concesiones.
Estoy de acuerdo, cariño, empecemos pues de cero,
ni nos conocemos ni nos conoceremos.
Entonces da la vuelta a cosa guapa hechas de un trago,
luego a diez veces el camino de Santiago.
Sin embargo, por su vasto sarcasmo,
esas respuestas en verdad no están consintiendo
ni cediendo ante los ofrecimientos o simples cavilaciones
del enamorado.
La aparición profusa de expresiones de afecto,
cariño, amor mío, mi vida, corazón, tesoro, cielo, dulzura, prenda mía,
refuerzan la burla mordaz que.
Y la increpación de carácter ofensivo anticipada en el título de la pieza,
convirtiéndose la negociación lingüística en una mera formalidad.
Además, la composición renuncia a las insinuaciones
y al erotismo velado,
exponiendo abiertamente la insatisfacción sexual
de la mujer, pues ésta le reprocha a su interlocutor.
Llevamos tesoros juntos más de cinco años
y aún no aprendiste a comerme bien el coño.
Este es el punto más álgido de la discusión,
momento en el que se manifiesta la alienación entre los miembros
de la pareja.
Él dice que no tiene por qué aguantar esas impertinencias, se pregunta,
y si algún día se me agota la paciencia, en tanto ella declara,
lo que se ha agotado cielo y no te has enterado
es mi amor por ti, hemos terminado.
Si como afirma el cantante,
siguiendo desde luego una de las máximas
de la izquierda contemporánea, lo personal y político,
el texto confronta el modelo de pareja burguesa
y de mujer implícita en los géneros de la canción popular masiva,
como los boleros, rancheras y baladas,
con el de una mujer empoderada, sexualmente activa y decidida
respecto a la manifestación de sus deseos,
al tiempo que presenta una escena de la intimidad
en la que irrumpe un modelo distinto de mujer en la misma medida
que las relaciones de pareja actuales
penetran los nuevos discursos políticos
y sobre todo las reivindicaciones del feminismo.
Escuchamos un minuto de la última atrocidad
y ya culmino.
Uy, pasó.
Empecemos como si nada hubiera ocurrido,
y si empezamos de cero, y mismo amor mío.
Estoy de acuerdo cariño, empecemos pues de cero,
ni nos conocemos ni nos conoceremos.
Y si las cosas fueran a partir de ahora distintas,
si me miraras con ojos nuevos mi vida tendría que ser nueva.
Y si me lleva hacia ti cada camino
Entonces da la vuelta, cosa guapa,
échate un trago Luego a diez veces el camino
de Santiago Tenemos años y años por delante
Y un lustro que parece un siglo por detrás.
Hay una bomba que impera desde el centro a las piernas rectas
hasta la puerta Y
si yo fuera el último hombre en la tierra
querrías repoblar conmigo este planeta Y
si llevamos tesoro juntos más de cinco otoños
y a un aprendiz tenía comerme bien el coño No, no, no tengo por qué
aguantar esas impertinencias.
Y si algún día se me agota la paciencia Que
se agota de cielo y no te has enterado
Es mi amor por ti, hemos terminado Entonces ya para concluir Me
interesa plantear que Interpelado por la crisis económica,
política y social Que comienza en 2008
en España y el movimiento 15M.
Nacho Vegas, al igual que la escena indie
en la que inicia su carrera musical, incorpora paulatinamente personajes,
historias y contenidos relacionados con la nueva cultura histórica
y adhiere, en más de una ocasión, a la urgente gramática necesaria
practicada por los cantautores antifranquistas de los años 60 y 70.
Como éstos, llama a la acción a sus contemporáneos,
habilita la catarsis por medio de sus canciones,
Y lo quiera o no, se yergue portavoz de su comunidad.
A pesar de ello, no recrea las letras de sus composiciones
ni los textos de poetas consagrados, sino que vuelve a las raíces,
a la canción tradicional popular y a Violeta Parra,
una de las figuras autorales más frecuentadas por dichos trovadores.
De lo global a lo local, emplea todos los recursos sonoros
provenientes del ámbito del rock y el folk americano,
a lo que le suma los ritmos populares de su tierra, Asturias, y en su afán
de recuperar la memoria histórica de esa región,
nos recuerda la historia de Aida de la Fuente
y la intimidad de los hermanos Haxían en el monte.
El disco de Vegas, y especialmente su título entonces,
remiten a la cantante chilena al menos en dos sentidos.
Por un lado, el intérprete considera su propuesta
en la estela de las canciones agitadóricas parrianas,
es decir, un tipo de canción política en la que los sonidos actuales
se entrelazan con los de la tradición popular.
Por el otro, ellas reivindicaban tanto cantautora y mujer,
destacándose su rol creativo y político
y en relación metonímica como representante de su género.
En el seno del debate por los derechos de las mujeres,
la ética violeta
planteada en el álbum no responde solo a una práctica artística,
sino que en consonancia con su mirada sobre la actualidad política,
hace referencia en palabras del músico.
Al único movimiento con capacidad de desborde.
Por supuesto, el feminismo.
Bueno, muchísimas gracias.
Me extendí bastante, pero bueno, ya terminé con lo más importante.
Bueno, ha sido una presentación estupenda.
Tengo muchas preguntas.
Antes de formular las preguntas que tengo,
quisiera recordar a las personas que nos están siguiendo desde casa
que hay un icono de consultas debajo de la ventana
de retransmisión.
Me han informado de medios técnicos que ha podido dar un fallo.
Si no se ve la pestaña de consultas,
hay que refrescar la ventana del navegador.
Entonces, una vez que se refresca,
aparece ya así la pestaña de consultas.
Para que cualquier persona que quiera hacer una consulta,
una pregunta o similar,
pues nos las pueda hacer llegar por correo
y yo se la transmito a la conferenciante.
Mientras recibimos o no recibimos preguntas en el público presencial,
alguna pregunta, pues entonces voy a preguntar yo.
Tengo muchas cosas interesantes que me han suscitado de la charla.
De alguna manera, en buen resumen,
lo que vienes a decir es que hay un arco de evolución, ¿no?
Desde un Nacho Vegas que comienza en la época de la movida,
o posmovida, poco, digamos, involucrado políticamente,
y hace un arqueo hacia una mayor involucración política.
Y esa mayor involucración política.
Va de la mano claramente en este disco
de asociarse con lecturas poéticas, tradición literaria,
etcétera.
Entonces, esto me lleva a la pregunta de si siempre el eterno retorno,
por así decir, a que en música solo podamos conseguir.
Ver o reconocer o aceptar en sociedad un componente poético o literario
en la música popular si tiene un marcado factor político
o una marcada adquisición a la tradición poética.
Esa es una pregunta como demasiado abstracta.
Solo si te refieres a.
Que reconocemos el sublirismo solo si tiene que ver con la política,
no sé si entiendo bien.
Eso es, digamos que de alguna manera,
lo que yo saco aquí, en el proyecto Poemas,
reivindicamos, por ejemplo, nos vamos a la canción popular más,
por resumir, más comercial, más.
Popular en todos los sentidos, y reivindicamos que tiene
una naturaleza poética por sí misma, ¿no?
Yo qué sé, Pantoja, Pantoja tiene ahí un componente, ¿no?
La copla, la canción española,
tiene ahí un componente literario, poético,
pero que fue muy minusvalorado por gente,
gente como por ejemplo Manuel Vázquez Montalbán,
que cuando escribe su cancionero del franquismo,
pues dice, todo esto lo voy a recoger,
pero todo esto es fatal, todo mal, malísimo, mal.
Y solo al final del cancionero recoge.
Pero la nueva canción popular aquí todo guay, ¿no?
Y entonces es Miguel Ríos, es Aute, es como.
Entonces solamente parece que es bueno
y es, por tanto, poético y es de calidad literaria
si hay una vertiente política y o poética.
De clara ascripción con la poesía.
Sí, entendí mucho mejor.
Creo que una cuestión es cómo se puede ver
de cara al propio campo intelectual, campo cultural,
y otra de cara al público real, ¿no es cierto?
Porque.
En cuanto a cómo se ha leído históricamente, es cierto,
generalmente se reconoce aquellos cantautores que de un modo
u otro o se han dedicado a la musicación de poetas consagrados
o decididamente tuvieron una postura política manifiesta,
muy explícita.
Sin embargo, uno podría decir, bueno,
pero esto en la vida real no necesariamente siempre.
Podemos considerarlo del mismo modo, porque puede haber lirismo
o puede haber digamos una cuestión de concepción poética
también en una copla popular en un sentido de masividad,
no de tradición.
Pero eso es algo que lo pueden plantear más el receptor,
sobre todo un receptor no académico,
porque esa es la eterna discusión dentro de.
De la academia respecto de muchos consumos, ¿no?
Que incluso a veces resultan culposos, ¿no?
Y que se tiende a.
Es en inglés, ¿no?
El guilty pleasure, ¿no?
Exacto.
Estoy escuchando a Alejandro San,
que me encanta, ¿no?
Y sin embargo, guilty, ¿no?
Porque igual, ¿no?
Sí, porque es mainstream
y no es alguien que reivindica una cuestión histórica
o alguien que tiene un éxito que tiene más
que ver con el arte por el arte, por ejemplo.
¿Y tú crees que, la pregunta a lo mejor va más,
tú crees que Nacho Vega da este giro?
Porque precisamente siente ahí un poco de guilty
pleasure de antes yo hacía indie.
Y ahora el indie es mainstream y le critican por no ser comprometido
y tengo que salir de ahí.
Y tengo que acercarme, no sé cómo lo digo.
No creo que se siente interpelado por la situación política.
La cuestión literaria en él, yo no lo mencioné porque me iba
a tardar mucho tiempo más.
No proviene solamente de sus influencias,
sino que él estudió filología, no sé si la carrera terminó,
pero tiene dos libros publicados de poesía
y digamos que tiene una formación literaria.
Entonces esa sensibilidad literaria
está presente más allá de lo político
y más allá del tipo de canción que él construyó al comienzo y luego,
o sea, esa evolución.
Porque hay que pensar también que no es el único
que se siente interpelado, porque después varias bandas,
menciono las más obvias, Betusta Morla, Amaral, Sal, después.
Componen canciones impensadas años antes, ¿no?
Pero claro, la situación es tan radical
y la movilización, de hecho,
la movilización en territorio es tan grande,
sobre todo, tan grande para un momento histórico
en donde eso parecía que ya no iba a volver, ¿no?
Una movilización como la de Sol fue muy disruptiva para ese momento.
La mención a Sol lleva a otra pregunta,
pero antes de hacer la pregunta voy a volver a recordar
que quien quiera hacer alguna pregunta desde casa,
pues tiene que hacerlo a través de la pestaña de consultas.
Si no se ve la pestaña de consultas, hay que refrescar el navegador.
Mi pregunta relacionada con Sol
es que precisamente yo haciendo un análisis sobre ese proyecto
que hizo el Ayuntamiento de Madrid hace unos años que se llamaba
Versos al Paso, que consistió en poner versos de poesía,
de ciudadanos anónimos, de artistas consolidados
en pasos de peatones por toda la ciudad,
pues precisamente uno de los versos al paso fue en un paso de peatones
que se inscribió en la Puerta del Sol,
y que era de Nacho Vegas
y que decía, pongamos el grito en el suelo,
si Madrid se enciende, Madrid no se vende.
Y eso fue precisamente en el año 2018, que es.
No sé si tú tienes más información,
porque yo conozco poco a Nacho Vegas,
pero no sé qué sabes de su implicación en aquellos momentos
y si pudiera haber alguna relación con este disco
o con su proceso de.
Movilización política desvinculándose de esa parte de cosmovida indie.
No sé si saben más a ese respecto.
Nunca escuché que él se posicionara respecto de la escena
indie en cuanto a lo político.
Ya para esa época creo que ya estaba desvinculado de Podemos,
y de hecho en las últimas entrevistas dice que fue una experiencia,
pero que de ninguna manera volvería a implicarse de ese modo
como lo hizo en esa ocasión que se postuló
a un cargo.
Pero más allá de lo que es el escenario,
no sé si.
Dio otro paso en función de todo esto que digo
en la presentación.
La apuesta política es por la construcción
de un tipo de canción, que además yo justo no utilicé esos ejemplos
porque me interesaba más mostrar la recuperación
de la memoria histórica,
pero sí mencionó en alguna de las canciones,
son verdaderas crónicas de hechos del momento.
Y entonces la explicación política pasa más por la denuncia y.
Por una recuperación de los hechos prácticamente inmediata, ¿no?
De cosas que estaban pasando a la manera del trovador,
la realidad política de ese momento.
Pero esa frase que me hizo me viene muy bien
para seguir repensando cómo, además, se re-alumientan los canales, ¿no?
Cómo algo aparece en un cartel o en un vaso,
pero también tiene que ver con una canción,
y qué lugar tiene en la propia ciudad, ¿no?
Porque no es lo mismo encontrar ese verso en una canción,
encontrar el verso en un aula de una universidad,
que encontrarlo justamente en una sola heredaña azul.
Precisamente, como concepto de geografía literaria,
el hecho de que el verso al paso fue un proyecto en el que
muchos versos estaban inscritos y estratégicamente puestos.
Este verso aquí,
porque quiere señalar algo que tiene que ver con este lugar,
y precisamente que.
Pongamos el grito en el suelo,
si Madrid se enciende, Madrid no se vende,
que se inscriba en la Puerta del Sol,
tiene sentido, porque está aludiendo al 11M.
Entonces, se enciende la revolución, el sol,
el suelo.
Tiene tan sentenciosa la frase que parece una frase
de la Guerra Civil.
Perfectamente podría haber sido.
No pasará.
Tiene el mismo tono de sentencia de.
De la publicidad, de la propaganda
y de la poesía de la guerra civil, ¿no?
Poesía popular de guerra, poesía de reyera, ¿no?
Que era poesía de propaganda, básicamente.
Claro.
Más o menos en el mismo, pero era pensada de esa manera.
Digamos que en algunos casos de las canciones es lo actual,
desahucios, etcétera, etcétera.
Y has mencionado en algunos casos, lo has estudiado,
lo acabas de mencionar, la memoria histórica,
que me lleva a otra pregunta.
Pero de nuevo, recordatorio, preguntas desde casa,
la pestañita de consultas.
Si no la veis, podéis refrescar el navegador
y saldrá la pestaña de consultas.
La canción El corazón helado.
Evidentemente, procede de Machado,
de una de las dos españas adelante del corazón.
Machado no utiliza el sintagma el corazón helado como tal.
Entonces, esto me lleva a pensar.
Has señalado que eso proviene, a su vez,
quiero que desarrolles más de dónde viene,
porque no me he enterado del todo bien.
Y una vez que lo desarrolles, preguntarte,
¿y esto puede haber tenido alguna influencia el corazón
helado de Almudena Grandes?
Es que el título del texto de Almudena Brandes es machadiano.
Tiene que ver con el personal de Machado.
Y además es previo el texto al disco.
Pero por eso, ¿cuánto hay de que ha tomado
el título?
De Machado, de Machado.
Exactamente.
Ah, eso no lo sé.
Para mí, yo asumí que era Machado.
Pero claro supiso que era machadiano
y no por la lectura del modelo pero claro, igual es muy probable
y por Serrat entonces es muy probable que llegue a ese título pensando
no solo en Machado sino pensando en toda esa tradición
de recuperar una y otra vez el corazón helado de Machado
que él nunca lo puso así con esas palabras
si, si, si, yo asumí que era machadiano
pero a ver, al mismo tiempo por supuesto que la escuchas
seguramente antes o después fue de Serrat.
Españolito.
Por fin tenemos una pregunta del público.
Gracias.
Hay en la.
Bueno, muchas gracias.
Me ha sido una charla muy interesante.
Voy a agarrarnos la pregunta para no enrollarnos.
Nos pregunta, esa portada me ha gustado mucho
y ha señalado que se confunde con el fondo estrellado.
¿No podría tener un recuerdo con Medusa?
¿Y las constelaciones, qué se pueden ver?
¿A lo mejor tienen que ver con constelaciones reales?
Digo, en la portada.
Sí, no sé si eso tiene que ver con una constelación de estrellas
en particular.
No, no lo sé, la pregunta.
Con medusas creo que sí puede llegar a hacerse el link,
sí.
Pero en mi interpretación,
al menos, lo que se trata de plasmar es una violeta eterna, ¿no?
Una violeta que es la de ayer y de hoy,
en la medida que esa violeta se homenajea y se recupera, ¿no?
Y que puede, en tanto cantante de canción política,
ser igual de actual antes que hoy, ¿no es cierto?
Entonces el color evidentemente tiene
que ver con la representación del género,
pero esa idea de participar de lo universal,
de las estrellas, Y además me parece que venía por ese lado, ¿no?
Y además no es casual tampoco
que se la dibuje como una cara joven,
porque ella no murió después, lo se cuenta.
Y sin embargo la cara de la portada es de una mujer joven, ¿no?
Esa juventud, esa.
Bueno, la juventud del mito, a eso me refería antes, ¿no?
La posibilidad de que aquellos que defienden determinadas causas
y además mueren relativamente jóvenes,
perduren en la historia o en el recuerdo,
de esa manera, ¿no?
Y él la recupera no solo por la cuestión estética,
evidentemente, porque no se llama Violeta el libro,
el disco, se llama Violética,
claramente haciendo referencia a la canción política
y más burlona conocida de Violética,
que es más urquica, modernica, ¿no?
Entonces.
Hay distintas claves que anuncian eso.
La postura estética, obvio, pero también la estética
con la recuperación de la tradición oral popular,
de la cual ella fue un agente clave, porque no sé si todos lo saben,
pero Violeta no solo fue cantautora,
también fue artista plástica a su manera,
porque hacía un trabajo con telares.
Muy hermoso
y es una de las que recuperó muchísima de la poesía tradicional.
Iba directamente por la montaña en Chile recuperando esos poemas
o esos versos, mejor dicho, tradicionales, folclóricos.
Esa fue otra vertiente de su trabajo.
Los ojos verdes de esa portada,
ya que han hecho la pregunta de la cuestión.
Ya sé por dónde vas a ir.
No lo sé, es que me han llamado a los ojos verdes,
pero es verdad, claro que sí.
Sí, he pensado que quizás tenga que ver con algo,
porque lo que pasa es que Pecker es entre el mito y la mujer demoníaca,
la leyenda de los ojos verdes.
No es una interpretación abierta,
no sé si solo podría pensarse de esa forma,
pero sí es.
Los ojos verdes lo que constituyen es una impresión
o una imagen más inquietante.
Es una representación en la que no hay paz.
Hay una cierta serenidad, pero al mismo tiempo los ojos verdes
capturan la atención del espectador de la imagen.
La imagen primero va a los ojos
y después va a lo violeta y a las estrellas.
Quizás por la cuestión tradicional y el renacimiento del barroco,
en donde los ojos son el espejo del alma.
Se podría pensar por varias vías.
Otra pregunta que habla, nos preguntan si.
Violeta Parra y Nicanor Parra,
cómo puede afectar a la recepción de la poesía y la música,
porque parece que en música se echa más cuenta a Violeta Parra
y Nicanor Parra,
que interesa solo a la academia.
No sé si interesa solo a la academia,
pero sí es cierto que, no sé si va a apuntar a esto,
Siempre ha habido, en cuanto a Violeta,
una polémica en cuanto a si se tomaban
sus canciones como poesía.
Bueno, la polémica que tratamos en el proyecto Poema,
básicamente, ¿no?
Y una respuesta a eso fue la publicación que se hizo de su obra
en la editorial de la Universidad de Valparaíso,
un libro precioso,
en donde directamente el libro se lo tituló Poesías,
y se incorporó adentro tanto las décimas,
porque ella escribió muchas décimas,
y lo que conocemos como las canciones.
En ese caso la editorial se posicionó pensando, bueno,
todo es poesía.
Entonces, Ella pasó la historia por ser cantautora,
pero en Chile se la conoce por las dos cosas.
Quizás fuera de Chile,
Nicanor, incluso me parece que es más conocido que ella.
Porque si uno no escucha, ella es una cantautora de la época.
No sé si alguien me escucha de hoy, la tiene tan presente.
En cambio, Nicanor, yo me acuerdo que hace unos años
en la Biblioteca Nacional de España
hubo una muestra sobre alguno de sus artefactos.
Entonces, difusión tuvo.
También es verdad que Nicanor vivió tantísimos años
que pudo continuar dando recuerdos vivos.
Y una obra mucho más glorífica también.
Y yo ya solo me queda una última pregunta
mía, que es mazórquica.
Yo la conocía.
Javier Krag, creo recordar que Javier Krag tiene.
Va muy bien con el tono de la canción de Krag.
Me ha resultado una buena curiosidad darme cuenta
que precisamente bebe de antes.
O sea que no es una pregunta,
es una realization que dicen los ingleses.
Bueno, parece que no hemos recibido más preguntas.
Dos preguntas significa que al menos hemos tenido dos personas
que nos han seguido en directo.
Muchas gracias a esas personas en directo por seguirnos.
Muchas gracias también al público presencial.
Y muchas gracias a Sabrina Riva
por esta presentación tan interesante.
Nosotros seguimos trabajando codo con codo, a la distancia,
en nuestras investigaciones sobre poesía y música.
Con la UNED, pues seguiremos en contacto
por los medios digitales, telemáticos y ya no por carta,
aunque empezamos por carta, pero ya no usamos la carta,
pero sí por correo electrónico.
Muchas gracias, Sabina.
Muchísimas gracias a todos.