Buenos días, buenas tardes.
Me toca siempre la última de, como ayer,
cerrar la sesión de la mañana y casi parte del coloquio.
Bueno, como sabéis,
los distintos coloquios del Seminario Permanente sobre Literatura
y Mujer se proponen como un incentivo para abrir un espacio
de comunicación sobre investigación en torno a un determinado tema.
En este caso nos ha reunido.
La cuestión del arte y de las artistas,
pero también para la reflexión
y el diálogo entre sus participantes,
como aquí hemos visto en estas sesiones,
y también entre las propias componentes
del seminario.
De hecho, la palabra coloquio,
y felicito desde aquí a Margarita Almela,
si nos está escuchando, que es el que designa estos encuentros,
etimológicamente significa conversación en torno a un tema
o idea común y es la idea que está en el fondo de esta propuesta
y de estos encuentros.
Y también ese es el sentido de esta mesa redonda
que presentamos aquí como cierre del coloquio,
el compartir con todos un tiempo de conversación
sobre algunos de los intereses, reflexiones y lecturas
acerca de las.
Representaciones, este es el título de la mesa,
de las representaciones de la mujer artista
en la literatura contemporánea.
Y me acompañan en esta mesa cuatro compañeras del seminario
permanente sobre literatura y mujer,
tres especialistas en literatura inglesa y norteamericana
contemporánea y una especialista en literatura italiana,
Marina Sanfilippo, Cristina Garrigos,
María Ángel Solánz, Y Ana Zamorano.
Digo aquí especialistas en literatura, pero vamos,
muchas más cosas.
Y bueno, en ese hablar entre varios, que significa todo coloquium,
hoy nos traen varias lecturas que han hecho, cada una de ellas,
que implican ese proceso previo de lectura, de reflexión solitaria
y de acercamiento meditado.
Que conlleva toda lectura y que también nos recordaban
las palabras con las que inauguraba este coloquio el rector,
el miércoles, como esa invitación frente a la inmediatez
del mundo contemporáneo y de la medialidad que nos invade,
reservar ese espacio para la reflexión,
para la lectura particular y meditada.
Y bueno, es lo que han hecho ellas.
Acercarse a diferentes obras que nos van a presentar aquí
un poquito y ahora desde un punto de vista de la conversación,
que es el que nos reúne.
Concretamente nos proponen tres novelas
y un ensayo de cuatro escritoras mujeres
que escriben sobre mujeres artistas en este siglo XX y parte del XXI.
Las obras y autoras elegidas.
Es verdad que podrían haber sido muchas
y afortunadamente podrían haber sido muchas.
Aquí hemos visto muchas propuestas.
Pero bueno, ellas han elegido las que han elegido
y seguro que por algún motivo, que seguro que sale aquí,
nos contarán a continuación.
Las obras son La línea del colore, de la italiana Iagava Stego,
que es de 2020.
La biografía de X,
de la joven novelista norteamericana Catherine Lassey.
Del castillo de arena de Iris Murdoch
del 57 bueno la biografía de X es de 2023 y
Art Objects de Janet Winterson de 1995 con el subtítulo tengo yo
aquí ensayo sobre el éxtasis y el descaro
ya nos dirás si está bien o bueno de estas obras las dos primeras.
La de Estrego y la de Lasse,
La línea del color y la biografía de X,
se plantean como biografías de artistas.
La biografía es ese género fronterizo que nos hace pensar
de partida en la difícil línea de separación entre la ficción
y la realidad o la verdad.
Y bueno, en su libro,
pensando en esta mesa, recurría a un libro estupendo,
un premio de ensayo de Ana Caballé, que publicó en 2021,
El saber biográfico, en el que habla,
entre otras cosas, de cómo, decía,
la biografía ha sido una herramienta no solo de conocimiento,
sino de acción política y cultural decisiva.
Y ponía como ejemplo cómo utiliza el feminismo
en el siglo XX para, decía,
reescribir y resignificar la presencia femenina
a lo largo de la historia.
Claro, aquí se plantea la biografía desde el lado de la ficción
y por eso pensaba yo desde este punto de vista
de qué manera estas biografías,
sobre todo estas dos que me acompañan de Marina y de Cristina,
cómo estas biografías representan a una mujer artista
cuya identidad.
Ficcional se construye
o se reconstruye, porque toda biografía,
claro, es un relato que busca la reconstrucción de una vida real
o inventada en estos casos.
Y de qué manera lo hacen a la misma vez
que se conforma una mirada sobre el mundo contemporáneo,
ya que son artistas contemporáneos.
Bueno, dice de una manera más clara, ¿cómo conectan.
La identidad de una mujer artista con el mundo en el que se sitúa.
Entonces, por eso yo le interpelo a Marina, en primer lugar,
para que nos cuente brevemente o que nos puedas decir
sobre cómo se plantea esta relación entre la biografía
de la artista que se presenta en la novela de Estego
y ese mundo que.
Gracias, Rosa.
Bueno, yo voy a practicar el difícil género
de esta conversación escrita,
porque si empiezo a hablar sin papel me voy a extender demasiado
y tenemos un tiempo muy acotado.
Y por respeto a las últimas, intentaré ser muy breve.
Lo primero, realmente parecía que yo estaba abocada
a hablar de Artemisia, de Anna Banti,
porque es en la literatura italiana la novela de mujer artista.
Y además tiene una recepción en todo el mundo muy larga.
Con lo cual, bueno, después volveré a hablar de ella porque, en cambio,
he escogido a Yabashego, la línea del colore.
¿Por qué?
Porque es una.
Es una novela muy compleja y muy lejana
de ese género de biografía heroica, geográfica de la mujer artista.
Creo que es mucho más interesante por esto
y porque dentro de la literatura italiana tiene una perspectiva
que la gente no se espera, una mirada postcolonialista.
Italia tuvo un imperio, un poco de operetta,
pero muy cruel al mismo tiempo.
Y en este sentido, Yabashego, que vemos aquí,
gracias Rosa por haber rescatado una foto suya, es una autora italiana
que escribe en italiano.
Es una romana que conoce muy bien Roma y es una mujer al mismo tiempo
que pertenece a la diáspora de Somalia.
Esa Somalia cuyos males vienen en gran parte
de una dominación colonial italiana que duró casi un siglo.
Muchas de las obras de Schego hablan justo
de la dificultad de reclamar una identidad italiana y negra.
La gente la conoce, ella dice que es italiana
y le preguntan, sí, pero ¿de dónde vienes?
, ¿no?
La línea del colore,
que tiene como subtítulo el Gran Tour de la Fanú Brown,
tiene como protagonista a una pintora del siglo XIX,
hija de una nativa americana y un afro haitiano,
y es un personaje que Chego inventa, pero inventa a partir de dos personas
que sí existieron realmente.
Sara Párter-Raymond y la escultora Edmonia Lewis.
Que fueron dos estadounidenses
que vivieron en Italia porque el vivir en Italia
en el siglo XIX representaba la posibilidad para ellas de vivir
en un entorno mucho más propicio del que existía en los Estados Unidos
del siglo XIX.
Toda la novela tiene un aire muy siglo XIX,
pero trabaja el imaginario actual, muy actual.
Lo que hace Schego es que utiliza el tema del Grand Tour,
utiliza las miradas de Dickens, de Goethe, de Henry James,
de Stendhal, de Byron y seguir vosotros,
no sabemos cuáles son todos los escritores
de habla inglés de Hawthorne,
los utiliza para deconstruir nuestra mirada actual sobre el arte,
sobre la historia y sobre la ciudad de Roma.
Ver.
La Roma de hoy, a través de esas miradas,
es impresionante.
Este libro forma parte de una trilogía
sobre la violencia colonial italiana
y es muchas novelas.
Es novela de formación, es novela de artista,
es novela histórica, es ficción biográfica,
evidentemente.
Y tiene una intersexualidad que es impresionante.
Cada página, empezando por el título.
La línea del color se refiere a la pintura,
pero Chego está rescatando el concepto
del intelectual afroamericano William Du Bois, que en su libro
Las almas del pueblo negro escribió,
el problema del siglo XX es el problema de la línea del color.
Du Bois trataba el tema de la identidad doble
afroestadounidense, que es el que vive la Fanny Brown,
pero que vive Chego como afroitaliana,
Y que en el fondo, detrás está la pregunta,
¿cómo gestionar una doble identidad difícil
para que en lugar de ser un problema se convierta en algo políticamente
y artísticamente fértil?
En el libro.
Los capítulos de la historia de la Fanu Brown,
de sus sucesivas obras,
que son reflejo de la progresiva toma de conciencia
de las dificultades identitarias que tiene como artista
y como mujer con un determinado color de piel,
todos estos capítulos se alternan con otros que se llaman incroci,
cruces, donde la que escribe en primera persona es Leila,
una joven investigadora.
Y talo somalí
como Chego, que en el siglo XXI estudia el tópico del negro
encadenado en las artes plásticas europeas.
Entonces hay como todo un bucle.
Y Leila quiere montar una exposición de obras
de la FANU para la Bienal de Venecia y está pendiente,
obsesionada con este proyecto y con su prima Binti,
que vive en Somalia y quiere huir.
Así que todas estas perspectivas, estos lugares, estas épocas,
permiten una reflexión sobre el arte visto desde miradas muy distintas
y todo se llena de interrogantes.
¿De dónde brota el arte?
¿Qué tipo de poder tiene?
¿Qué consuelo ofrece?
¿Qué resiliencia otorga?
Y al mismo tiempo es una obra que habla de todo esto,
pero dentro de la historia en mayúscula.
Y lo hace esto con una mirada postcolonial y feminista.
La Fanu escribe su historia,
aunque nosotras la recibamos en tercera persona,
porque quiere reconstruir su vida y explicársela a Ulisse,
un italiano que podría ser su pareja.
Él es un personaje real.
La novela está llena de personajes reales,
empezando y al principio tropieza con el poeta Gabriele D' Annunzio.
Porque la historia empieza en Roma en 1887,
cuando la capital recibe la noticia de que 500 heroicos soldados
del ejército colonialista del Reino de Italia han caído en Dogali,
ciudad eritrea,
a manos de los que realmente eran patriotas eritreos.
Y Ulisse Barbieri,
Es el que reivindicó en ese momento esa idea.
Acabamos de ser una nación y estamos matando a gente
de otra nación.
Pero bueno,
la FANU, que es hija de madre chipegua y padre afroetiano,
está por la calle
y está a punto de ser linchada por una muchedumbre que le grita,
¿por qué nos has matado, negra?
Y Ulisse Barbieri aparece en la novela,
la salva y ellos siguen viéndose.
Ella decide escribir su vida para explicarle quién es,
pero al final descubrirá que es ella la que necesitaba repasar
toda su vida para decidir desde una identidad de artista,
de mestiza, de mujer, que era una buena idea
emprender un viaje vital con ese hombre.
Pero de esta forma tenemos todo su recorrido.
Tenemos los problemas, las amistades, los viajes,
la dificultad de viajar desde una identidad del margen,
desde un pasaporte, que no vale.
A ella en Inglaterra le niegan el pasaporte estadounidense
porque si es negra no es ciudadana de los Estados Unidos,
le dicen.
Entonces, todas estas dificultades, los trabajos, las obras, de la Fanú,
pero también de Leila y también de Binti,
que acabará siendo una reconocida autora de cómic,
se entretejen, con lo cual la estructura del libro
es extremadamente compleja y, sobre todo,
dialogan no solo con todos los libros del Gran Tour, sino también
con Artemisia de Arnavanti.
Banti y Binti, es muy fácil el hilo que hay que seguir.
Empezamos por el hecho de que también
Artemisia es una novela que mezcla épocas y personajes.
Empieza con un bombardeo de Florencia en la Segunda Guerra Mundial.
La autora está escapando y al mismo tiempo
habla con el personaje de Artemisia.
Es decir, las dos novelas son las dos bioficción.
Artemisia, antes de que se inventara el concepto teórico de bioficción,
Pero es una bioficción que no es un juego intelectual,
como en muchísimos autores hombres lo ha sido, o juego
de rellenar los huecos de una biografía,
sino es una forma de crear un juego de espejos entre biógrafas
y biografadas y un modo de buscar respuestas a preguntas
que se están planteando las autoras.
¿Qué significa ser artista y mujer?
¿Cómo ser lo en el siglo XVII, en el XIX,
en el XXI?
No hay proceso de identificación.
Hay una tensión en la que Banti y Chego,
mientras hablan de la vida, de las obras,
de la estancia autorial de sus biografadas,
están hablando, se cuestionan lo que representan para ellas mismas
el arte, la autoría y el ser artistas.
Y yo creo que no es nada casual que la violencia,
la guerra, el bombardeo,
la violación y todo esto aparezca en todos.
Del estupro de Artemisia sabemos.
La Zanú, en cambio,
como Edmonia Lewis, no sabe si la han violado.
Un día, por culpa de los novios y hermanos de sus compañeras
de college, aparece desnuda, moratada y desmayada en la nieve.
No recuerda nada.
Vinci intenta llegar de Somalia a Italia.
Y como muchas se topa con los traficantes de personas
que hacen lo que hacen.
Todas tienen un trauma muy fuerte,
un trauma que en lugar de paralizarlas
y sumirlas en la angustia y la desesperanza,
se convierte en una especie de corazón oscuro de su arte.
Banti, lo mismo con la guerra,
y de ella se ha dicho que era una mujer que estaba
en desarmonía con su tiempo.
Chego, su piel no armoniza con su lugar natal.
Ambas, para mantener su identidad, han tenido que enfrentarse
por lo menos a un cierto grado de violencia simbólica
y en estos libros sobre mujeres artistas
hacen del trauma un punto de fuerza desde el que producen un tipo de arte
y de literatura que tiene mucho que ver con la realidad, Rosa.
Gracias.
Bueno, como has mencionado,
esta reflexión sobre el arte desde diversas perspectivas
hace pensar también, bueno, has hablado de distintas épocas,
distintas culturas, distintos lugares,
esta complejidad narrativa en el planteamiento de la novela,
de alguna manera hace pensar también en esa multiplicidad de cruces,
bueno, de hecho son cruces, como se plantean aquí,
que reflejan muy bien la mistura del mundo contemporáneo, ¿no?
Y las conexiones, evidentemente, con el mundo real,
desde la ficción que incorpora a su vez elementos reales
continuamente.
Eso lo hemos visto aquí en muchas intervenciones,
de qué manera conecta la literatura con la realidad.
He renunciado a cualquier referencia a lo que se ha dicho,
pero sí veía caras que han estado hablando
de lo mismo que yo.
Claro, claro.
Pero bueno, quedan ahí.
Pero yo creo que, sin embargo,
también sería interesante atender a cómo se produce o se refleja,
porque estamos hablando en el fondo de.
Bueno, en el fondo
y desde el principio de representación, ¿no?
Cómo se representa toda esta multiplicidad de perspectivas
o de enfoques o esta reflexión al final que supone sobre este aspecto
desde un punto de vista narrativo.
Y en ese sentido, claro, leyendo la biografía de X
que nos propone aquí Cristina.
Pensaba, claro, Marina ha señalado la fuerza
de la perspectiva postcolonial en la novela de Sego,
pero también ha quedado evidente la complejidad compositiva.
Y esto también lo he visto en la de Biografía de X. Se
publica tres años más tarde que la de Sego y.
Y es una novela también biográfica, de ficción especulativa,
como nos vas a comentar ahora, que mezcla realidad y ficción
desde múltiples perspectivas.
La portada en los dos casos lo representa muy bien.
Desde el punto de vista discursivo, claro, piensas en Genet,
ficción y dicción.
Desde el punto de vista narrativo,
claro, eso hay que materializarlo de alguna manera en la novela.
¿Qué nos puedes contar sobre esta novela?
Pues os puedo contar que cuando surgió la idea
de hacer una mesa redonda de las coordinadoras
y ver sobre novelas sobre mujeres artistas,
que era el tema del coloquio, bueno, pues la verdad que hacía poco
que había leído esta novela y entonces que digo, bueno,
que viene realmente al pelo.
Yo no tenía mucha información sobre esta autora, Catherine Lacey,
Y entonces, pues la verdad es que precisamente, Rosa,
por lo que tú has comentado de la complejidad narrativa
y porque a mí lo que me gusta
es el postmodernismo, que es de lo que yo estoy formada y tal,
y porque trataba de mujeres artistas y porque salí Patti Smith
como personaje y otras series de personas que hacía Acker
y otra gente sobre la que yo había trabajado
y dije, bueno, tengo que leer esta novela sí o sí.
Así que empecé.
Y la verdad que muchas de las cosas que ha comentado
Marina tienen también relación.
Esta mezcla de ficción y realidad, estas múltiples perspectivas
y todo sobre el tema de la mujer artista.
Entonces, bueno, os cuento un poco, no sé si conocéis la novela.
Es una novela muy reciente, 2023.
Su autora, Catherine Lacey, es una autora muy joven
que nació en Tupelo, Mississippi, en 1985.
Ya lo tienes ahí en la presentación.
Y realmente tenemos dos libros de Biography of X, o Biografía de X,
que uno es el libro que tenemos entre las manos y otro es el libro
que está escribiendo una escritora que se llama La Biografía de X,
que como digolo está escribiendo una autora que se llama
Luca, que es viuda de X. X es una artista,
una artista global, una artista que todo lo hacía bien,
Era música, era escritora, era escultora, era pintora,
era de artes visuales.
Bueno, era tremenda.
Nadie sabía nada de ella, se la conocía como X,
y es una mujer sobre la que ni siquiera su viuda
conoce, tiene información sobre su pasado,
porque habían hecho un pacto de no preguntarse la una a la otra.
Sobre sus orígenes.
Entonces, se la conoce como X,
se publica una biografía no autorizada,
escrita por un hombre, con lo cual la viuda, digamos,
que se siente como con la necesidad de saber ella algo sobre su mujer.
Y entonces empieza a recopilar información, ¿no?
Sobre, bueno, pues sobre quién era, sobre su pasado
y tal.
La época en que se desarrolla la novela,
la novela se desarrolla en Nueva York y la época en que se desarrolla
X como artista es entre los años 70
y los años 90, ¿eh?
Es una época realmente interesante del siglo XX en Nueva York.
Entonces, vamos a tener una mirada sobre el Nueva York de esa época
desde la perspectiva de una mujer que escribe sobre otra a la que ama,
pero que no conoce realmente.
Entonces, bueno, pues se van a descubrir un montón de cosas
sobre su pasado.
Como tú has dicho, Rosa, es una novela de ficción especulativa
porque se supone que hay mucha.
Cuestiones realistas,
pero también hay cuestiones de que en ese momento,
o sea, Estados Unidos, después de la Segunda Guerra Mundial,
ha habido una guerra y se han dividido.
Hay un muro que separa un sur fascista
y fundamentalista religioso, está separado del norte.
La autora descubrirá que realmente X nació en el sur,
como la autora misma,
que la autora es de Tupelo, Mississippi,
Y X es de un pueblo que está al lado.
Y entonces, bueno, pues se escapó, se fue a vivir al norte.
En el norte está Emma Goldman, que es, bueno,
ha llegado a mandar muchísimo.
Entonces, bueno, pues es una cuestión,
ya digo, de ficción especulativa.
A mí lo que me interesa también
y que yo creo que es interesante, pues eso,
es ver cómo X es la artista global.
Porque como ella va cambiando de nombre
y de personalidad continuamente y según el arte que desarrolla,
pues se la conoce, tiene distintos nombres,
se la conoce como Carrie Lou Walker, es un nombre de nacimiento,
pero a partir de ahí es Dorothy Eagle, Dina Stray,
Grace Hill, Marina Rigio, que vivió en Roma
una temporada, bueno, va cambiando de nombre, ¿no?
Y se mezcla, como digo, realidad y ficción,
introduciendo personajes reales en la obra que se relacionan
con ella, por ejemplo, como David Bowie, Patti Smith,
gente que no suena a todo, Kathy Acker, la escritora.
O incluso una que a mí me encantó, porque la verdad es que leerla
ha sido como una especie de ejercicio detectivesco,
en el que tú ya no sabes exactamente quién es real y quién es ficticio,
porque hay referencias que te dicen
Cassie Acker como Chris.
¿cómo se llama esta?
Bueno, la que escribe la biografía de Cassiaker,
como dice en la página no sé qué, no sé cuánto, y yo tengo ese libro,
y me iba a mi biblioteca y miraba y digo,
si aquí no dice esto.
Bueno, en fin, bueno, que era una cosa,
era un poco tal.
Bueno, y muy interesante, hablaba de su relación con Connie Converse,
que es una mujer que he descubierto y que me fascina,
que fue una cantante folk real en el Nueva York
de los años 70, durante la época de Bob Dylan,
de los principios de Bob Dylan, en los años 60,
pero que no tuvo mucho éxito, se retiró y de repente, un día,
en el año 74, trabajó como escritora en un periódico
y tal, le dijo a su familia que iba a buscar una vida mejor
y que iba a hacer algo mejor, ¿no?
Y entonces cogió.
El coche y desapareció.
Y desapareció, desapareció hasta hoy.
O sea, ni el coche, ni ella, ni ha aparecido nunca,
ni se sabe nada de ella.
Y entonces, recientemente tenía unas grabaciones de música.
En fin, bueno, una mujer interesantísima.
Y ella.
Ella retoma esa historia
y entonces, bueno, pues le da un poco una vuelta.
Entonces, bueno, ya digo que es muy interesante,
pero sobre todo
porque, ¿qué nos dice la novela sobre las mujeres artistas?
Bueno, pues hay muchas referencias a Cindy Sherman,
a Andrea Fraser y tal,
y es esta idea del arte como performance,
como que tú puedes adoptar una persona artística
y ser.
Entonces, ella dice que se basó un poco,
que se inspiró en Tilda Swinton para crear este personaje
por Orlando.
Hay muchas referencias, digamos, a Orlando.
Ella dice, dice, Swinton es una actriz que me parece increíble.
Pensé que X sería un poco como ella,
pero más oscura.
Un poco como Susan Sontag
cuando la ves en esas viejas grabaciones.
Y pensé en David Bowie y en Lurid y esa energía loca
de los vídeos en los que parece muy drogado, tan hostil y gracioso
como con el entrevistador.
Si mezclas todo eso, ese era el personaje que tenía en mente.
Porque realmente ella es una mujer muy desagradable,
o sea, quiero decir, no es una artista complaciente,
es una mujer que, bueno, pues tiene sus secretos,
sus partes oscuras, sus personalidades,
como digo, como va cambiando.
Y bueno,
pues según ha comentado la autora, es una mujer,
o sea, ella parte de la idea
de que todo el mundo contiene varias personas
y que los diferentes periodos de tu vida son diferentes personas,
¿no?
Y a múltiples identidades.
También nos plantea la pregunta de hasta qué punto es importante
conocer la biografía del artista o de la artista
para interpretar su obra.
Una pregunta que yo creo que nos hacemos todos en el siglo XX,
pues son cuestiones de género,
cuestiones que hay artistas que no nos gustan mucho como personas,
pero que nos gusta su obra.
Entonces, ¿hasta qué punto, digamos, la biografía del artista
tiene que ver con la obra?
Entonces, bueno, a mí me ha fascinado la novela
y yo os la recomiendo.
Y creo que, bueno, pues que.
Que aborda muchas de estas cuestiones que estamos tratando estos días,
que tú has señalado también.
Y además es curioso cómo esa dificultad
de establecer fronteras definidas entre realidad y ficción,
cómo va incorporando también incluso fotografías,
cuando la viuda va reconstruyendo o empieza a reconstruir la vida
de esa mujer que es una incógnita.
Y entonces recoge fragmentos de, bueno, fotografías de periódico,
líneas de periódico y desestabiliza un poco, ¿no?
Sí, un montón de textos y luego fotografías de gente real.
Sí, sí, sí.
Porque tú ya no sabes si es la inteligencia artificial
y que te pones fotografía de la autora en su niñez.
Sí, muy curioso.
Y también, claro, desde el propio planteamiento
del título nos hace pensar en la incógnita, la X,
que supone la vida particular de la protagonista.
Es alguien que conocemos pero que a la misma vez
no conocemos.
Está casada con ella, pero no sabe nada de su pasado.
Y entonces es curioso cómo la propia biografía,
como construcción o reconstrucción
del pasado, que supone cualquier acercamiento biográfico,
nos va introduciendo a la misma vez en la reflexión
sobre la identidad del artista.
Y entonces eso conecta con lo que nos trae aquí María Ángel,
porque claro, me lleva a plantear esas otras.
Lecturas de segunda o tercera capa que podemos hacer de obras literarias
y también en general de cualquier obra artística.
Pienso en la profundidad, en este caso,
de la obra de Iris Murdoch y el Castillo de Arena,
que es la obra de la que nos vas a hablar aquí a continuación.
Y en esta plantea, bajo la.
Aparente simplicidad de una anécdota,
de un triángulo ahí, de una trama,
en general podemos pensar que nos plantea la complejidad,
no ya del mundo exterior contemporáneo,
la complejidad del arte, etcétera,
sino la complejidad del mundo interior.
Y bueno,
pues la literatura como todo arte tiene esa capacidad de.
De hacernos pensar en un más allá de lo que aparentemente se dice,
con muchas cuestiones relacionadas con el simbolismo,
la evolución o la transformación,
incluso del propio lector a la misma vez
que va leyendo
y de los personajes que ahí aparecen.
Bueno, María Ángel, ¿qué nos cuentas de esta novela?
Pues efectivamente, como has dicho,
Iris Murdoch nos está presentando un relato que es
aparentemente sencillo, es una historia de amor,
pero que tiene un trasfondo mucho más importante que además ocurre
en todas las novelas de Iris Murdoch,
el arte siempre está ahí como telón de fondo.
Entonces, en este sentido,
en este contexto, la pintura pues.
Pues una vez más no es un simple elemento decorativo,
sino que es el reflejo del conflicto personal
que aparece en toda esta novela.
Entonces, el Castillo de Arena nos habla de la llegada
de una joven pintora,
que debe ser, esta que no había visto nunca esta portada,
se llama Raincaptor y llega a St.
Brides, que es un internado inglés muy conservador,
muy tradicional.
Ella ha sido contratada porque es la encargada
de hacer un cuadro del antiguo director del colegio.
Entonces llega al internado y ella, pues.
Encarna un poco el arquetipo este de la joven artista, bohemia,
lejos de todo lo conservador, de todas las convenciones sociales.
Entonces, claro, llega a un colegio inglés conservador
y desestabiliza todo.
Él genera ese choque entre lo que es lo establecido,
el deseo de cambio,
también su juventud frente al retrato que tiene que pintar
de un hombre mayor y un mundo que es exclusivamente masculino,
como es un internado inglés que es solo de hombres.
Altera todo lo que es la rutina del colegio,
pero en particular la del profesor de historia,
que se queda enamoradísimo de ella, como casi todo el mundo, pero bueno,
en su caso le desestabiliza toda su vida.
Así que el arte de Rain Carter, bueno, Rain que es lluvia,
por lo cual también tiene aquí un.
Un simbolismo en esta historia.
Su arte va a funcionar como un catalizador
de toda la transformación que va a tener el colegio
y, sobre todo, ella particularmente.
Así que el retrato del antiguo director,
una vez más, no es una cosa así simple,
sino que se convierte en el reflejo de su conflicto interior.
Es uno de los aspectos más importantes
del Castillo de Arena.
Es como el arte evoluciona además en paralelo con O sea,
la historia de amor que tiene con el profesor funciona en paralelo
con la transformación de su propio arte.
Entonces, a medida que esta relación avanza,
pues también.
Se ve influida por su estado emocional,
que a la vez influye en su arte y en su manera de pintar.
Entonces, inicialmente es una pintura espontánea,
es intuitiva, está todo guiado por la emoción,
busca capturar lo efímero, que de ahí viene el título
del castillo de arena, Entonces, esta visión del arte, en cambio,
entra en crisis cuando se enfrenta con las ideas
que tiene el director de arte del colegio.
Bueno, todos los profesores son figuras masculinas,
entonces, este profesor de arte viene a plantearle un desafío ético, que es
que para él, El verdadero pintor debe representar la realidad,
pero sin proyectar en ello sus estados de ánimo.
O sea, tiene que ser algo más controlado,
no puede distorsionarse con su propio ego
y, por tanto, es una idea muy de Murdoch
que la moral influye mucho en el arte.
Entonces, bueno, como ya hemos dicho,
la mirada de Erin Carter está teñida por sus propios conflictos.
Además, también tenemos que señalar
que esta historia de amor que vive con el profesor de Historia,
el profesor de Historia es un hombre casado, convencional,
o sea que aquí vive muchos conflictos.
Muchos problemas morales que son los que a la vez se reflejan
en el cuadro que está pintándole al director del colegio.
Su arte está condicionado por sus emociones y en este punto
de su crisis personal, su evolución artística
empieza a tener mucho que ver el colegio.
El cuadro empieza a no ser una representación fiel
de la realidad,
todos le critican porque parece que lo haya embellecido demasiado.
Y entonces es cuando se enfrenta a la idea que tiene Murdoch
sobre el arte.
Si puede el artista crear su propia obra sin estar.
Contaminada por sus emociones
y es imposible crear sin tener en cuenta tu propio yo.
Así que, bueno, este dilema le obliga a plantearse ella misma
como es como pintora, a replantearse su propio arte,
a aprender lo que significa la ilusión
y lo que significa la verdad,
y aprender a tener una mirada al mundo distinta
y con más claridad.
Todo esto llega a su clímax
cuando rompe su historia con el profesor.
Es a través de ese punto
cuando logra desconectarse de sus propias emociones.
Cuando este cuadro,
este retrato que nos persigue durante toda la novela,
que lo pinta, que lo cambia, que al final logra,
ya una vez que se ha desprendido de sus emociones
y de este conflicto interior que le ataba
y no le dejaba desarrollarse como pintora,
pues.
Logra la cabeza, el cuadro, el retrato,
logra retocarlo y ya por fin aparece su obra de arte,
que es una representación más fiel, más honesta,
y por tanto tenemos que entender que su relación con Moore,
lo que ha sido en realidad no es una historia de amor,
sino un progreso artístico y moral, que es el.
A través de ello es lo que logra regresar a su verdad artística
que está independiente de su cuadro emocional.
Así que nada,
su pintura deja de ser una proyección de las emociones
y Reim finalmente reafirmará su identidad como pintora
consolidando su despertar en el arte.
Bueno, o sea que de trama sencilla nada, ¿no?
Vemos aquí la cantidad de cosas que uno puede estudiar
en todo ese planteamiento en torno a la identidad,
la propia visión o concepto del arte, en fin,
muchas cosas.
El otro día, el miércoles por la tarde,
nos decía Olga Simón que el arte no es una profesión,
dice es algo más.
Y preguntaba, bueno, pero ¿qué es ser artista, no?
Que es un poco lo que se está planteando aquí,
que es ser mujer artista.
Y bueno, Olga también nos dijo,
y la cito, decía, atrévete a mirarte en el espejo
y que te muestre lo que te tenga que mostrar.
Ese atreverse a hacer
lo que realmente es esa identidad última que está planteando aquí
la artista.
Y esto me recordaba un libro estupendo de un ensayista italiano,
Alfonso Berardinelli, titulado Leer es un riesgo,
eso de atreverse, atrévete y la idea del riesgo,
que coincidiendo con George Steiner
decía que leer bien significa correr grandes riesgos
en el sentido de que hace vulnerable nuestra identidad porque.
Cito, todo lector apasionado hace que sus lecturas predilectas
formen parte de su identidad.
Eso también me recuerda a Susan Sontag,
en fin, bueno, muchas ideas, esta cuestión de la identidad
y de la experiencia del arte.
Y bueno, creo que Janet Winterson,
nos va a hablar ahora Ana, no queda lejos de esta idea,
cuando nos habla de esa dicotomía entre intuición sensorial,
hacia lo afectivo, y la interpretación intelectual,
que era un poco también lo que se planteaba
en el libro de Moodlock, de las emociones
o no seguir las emociones.
Y bueno, no sé qué opinas, Ana,
y qué a propósito de todo esto nos puedes comentar sobre esta obra.
Pues bueno, lo primero que opino es que no sé por qué dije.
Pero muchas gracias Rosa por hilarnos,
por urdirnos en esta mesa redonda en la que estamos entretejiendo
de una manera consciente y también inconsciente
una serie de ideas que yo creo que están saliendo
y que también han salido a lo largo del tiempo.
Del coloquio.
Yo la verdad es que con Janet Winterson
he tenido siempre una relación, bueno, pues de bien.
Sí, a mí me ha parecido que es una persona que tiene
una herida profunda que, bueno, pues que me interpela
y que, bueno, pues que ha tenido equivocaciones.
Bueno, lo de la vida privada yo no estoy aquí,
pero sobre todo es su vida artística, ¿no?
Y parte de esa equivocación es este libro que presento, Art Objects,
Essays on Ecstasy and the Frontier, de Scarrow, ¿no?
Y fue precisamente el descaro de proclamarse la Virginia Woolf
de las letras contemporáneas en las letras británicas,
lo que le valió un silencio alrededor de su obra.
A mí me pareció un atrevimiento que, por qué no, aun cuando ya sabemos
que estas cosas nos suelen gustar
y que.
Una no se puede autoproclamar, sino que tienen que ser los demás
los que digan o dejen de decir la valía de una.
Pero como a veces no viene, ¿no?
Ya lo hemos visto, bueno, pues al final dices, mira, si no lo digo yo,
no lo dice nadie.
También, fíjate, es esta idea, ¿no?
, que luego nos cuenta un poco más tarde en su autobiografía,
ya posterior a.
Esto se publica en el año 95
y esta autobiografía de la que os hablo es muy reciente,
relativamente reciente, no me acuerdo del año ahora mismo,
pero de los 2000, ya, vamos a decir, del siglo XXI.
Y aquí el título de la autobiografía es
¿Por qué ser feliz cuando puedes ser normal?
Y bueno,
parece ser que es una frase que le dijo su madre.
Cuando Janet Winterson le dijo, pero bueno,
es que yo soy así, le dijo ella, pero ¿por qué has de ser así?
¿Tú por qué quieres ser feliz cuando puedes ser normal?
Y a mí esto me parece, en fin, una espada de Damocles.
No sé, ulteriormente haber crecido,
bueno, ella ya nos lo muestra en Sex in the Cherry,
ella nos muestra un poco la locura que fue crecer
en esta familia, ella es una hija adoptada y bueno,
pues no quiere decir con esto que fuera ni mejor ni peor,
simplemente que la familia que es su familia
y son sus padres y luego conoció a sus padres biológicos,
pero ella ha seguido creciendo.
Pero la madre, sobre todo, era una locura de madre.
A lo mejor ese incentivo del que hablábamos esta mañana,
algo que te tiene que espolear para que una salga.
Algún lado o para que una segunda en los abismos de la más profunda,
pues el más profundo dolor, pero en este caso
pues salió y la hija siguió intentando ser.
Ser feliz a pesar de todo.
En este ensayo,
es una obra que yo también voy a hacer un discurso un poco,
porque como siempre, si no voy a todas partes,
en vez de ir a donde tengo que ir, voy a leer lo que yo he reflexionado
y lo que creo que espero conteste un poco
a lo que has planteado, Rosa, y a las compañeras con las que tengo
el placer y el honor de estar compartiendo esta mesa.
Pienso que es una obra que explora la relación entre arte,
la emoción y la identidad.
Y lo hace a través de una serie de ensayos que fusionan,
como digo, la reflexión personal
de la autora con una crítica cultural.
Nos abre un abanico.
El libro que os presento aquí,
que aquí os muestro, nos da, en mi opinión,
unas coordenadas para morevernos en el roceloso mar de las letras
cuyas olas, página a página,
nos acunarán, nos sacudirán, nos harán zozobrar,
nos expondrán a ese sol cegador del que hemos hablado en este coloquio.
Nos harán avistar tierras que nunca llegaremos a pisar y arribar
a orillas donde en muchas de ellas querramos salir corriendo,
pero en otras nos sentiremos solas Juan Robinsonas
o acompañadas de otras mujeres e intentaremos comprender
y conquistar el mundo que como mujeres conocemos,
el mundo propio y el mundo ajeno.
Y como leemos justo antes de empezar a.
Ni siquiera la tabla de contenidos, nos dice la autora.
Si la verdad es aquello que perdura, entonces el arte ha demostrado
ser más verdadero que cualquier otro esfuerzo humano.
Lo que es cierto es que las pinturas,
la poesía y la música no son solo huellas en el tiempo,
sino que marcan a través del tiempo
su propio tiempo y el nuestro.
No como algo antiguo o histórico, sino como algo vivo,
tal como siempre lo fue, exuberante, incansable.
En este libro, Whiterson reflexiona sobre la experiencia estética
como un medio para alcanzar una conexión profunda con el mundo
y con una misma, mientras pone en evidencia
las tensiones que hay entre la intuición sensorial,
como bien comentas, Rosa, y las interpretaciones intelectuales
del arte.
El libro se divide en tres partes,
Art Objects, Transformation, Ecstasy and Affrontery.
Objetos de arte o el arte del objeto.
Yo ahí vería estas dos acepciones, la transformación,
el éxtasis y la frontería, el descaro.
Dentro de cada una de estas secciones
se nos ofrece una serie de ensayos que van desde una revisión panorámica
sobre el concepto del arte en sí mismo
y también de lo que es el objeto del arte,
el objetivo del arte, si es que lo hubiere,
además de lo que es el objeto artístico en sí mismo.
En este caso, el objeto no solo serían los contenidos,
sino a lo mejor el libro o el cuadro,
etcétera, etcétera.
Y también nos ofrece estudios monográficos de escritoras
como puedan ser Gertrude Stein y también nos habla de Virginia Woolf
y sobre todo de Sue Orlando.
Para terminar, haciendo una reflexión sobre la propia escritura
de Janet Winterson y el hecho de la creatividad artística
de las mujeres desde el punto de vista literario,
que es en el que ella se está moviendo.
En lo que refiero a tu comentario,
Rosa, yo diría que Winterson coincide con Olga Simón
en atreverse a mirarse en el espejo,
porque ella nos dice que el verdadero arte,
cuando nos ocurre, when it happens to us,
nos reta ese yo que fuimos, somos y seremos, dejamos de ser lo.
You know it challenges the eye that we wear, nos dice en inglés.
Hay un constante intercambio de energía entre el artista,
a quien puedo conocer o no puedo conocer,
efectivamente no tenemos por qué saber la biografía
de un artista, en opinión de Wintersoy,
en eso se coincide, y la obra de arte en sí misma
y la persona que observándola se enamora de ella,
ya no pueden independizarse del influjo del arte.
La totalidad de la obra, nos comenta Janet Winterson,
es la totalidad de lo que soy.
Me separa del silencio con una polifonía
y nos protege de la muerte del día a día
porque el arte no muere.
En este libro de ensayos, la autora nos propone interesantes reflexiones
sobre la mirada.
Y aquí me parece muy interesante la idea que propone Winterson
sobre el concepto del museo y de las galerías de arte
y de cómo observamos las obras de arte en museos
que vamos por pasillos que están llenos de cuadros
y de pinturas.
Y ella nos habla de lo que sería la masificación del arte.
Un concepto que a mí me ha extrañado porque yo lo tomaba como
todo lo contrario, como ese poder llegar al arte
como una democratización del arte.
Pero ella habla de la masificación
y nos habla también de la ausencia de las mujeres en el arte
y nos propone ahí sí una perspectiva sobre el género en el arte,
en particular con respecto a la literatura
y la pintura.
Las tres partes en las que se divide el libro
nos sirven de mapa en un viaje iniciático
donde la escritora construye su propia ética
y estética artística,
que a mí se me antoja como, de alguna manera,
He estado pensando todo esto,
de todo lo que hemos hablado a lo largo del día y noche,
pues pensaba en todo esto.
Y al final pensé en la resignificación
de la A mayúscula que lleva Hester Pratt
en la letra escarlata de National Enhancement
y que pasa a ser de un símbolo limitado y vergonzante
como que lo impone el patriarcado.
A una A, mayúscula, una A de artista,
que nos invita a despojarnos
y a desabrigarnos para poder reubicarnos con los objetos de arte.
Esto es lo que para mí nos propone Janet Winterson en Art Objects.
Es muy interesante cómo la autora diserta
sobre la invención del concepto de museo,
como os decía también,
y cómo esto ha trivializado la mirada hacia el arte.
Para Winterson, una obra de arte,
un libro, una pintura, una pieza musical,
podría ser nuestra compañía, nuestro objeto de mirada.
Durante toda una vida.
No necesitamos ver más que un cuadro para que nos pueda evocar.
Esto podemos estar de acuerdo o no.
Pero, desde luego, cuando nos quedamos mirando
con detenimiento una obra de arte, cuando le damos tiempo,
cosa que no podemos hacer, eso sí que es verdad,
cuando vamos uno, otro, otro, otro, pues quizá.
Podamos intentar construir y deconstruir
ese espejo que sería quizá la pintura en la que nos estamos mirando,
si estamos de acuerdo con Janet Winterson.
Y en este sentido, al no podernos, al no darnos tiempo de podernos ver,
porque no miramos lo suficiente,
quizá los espejos del arte acaben siendo espejismos,
no nos da tiempo a reconstruirnos dentro de.
Y estos dos términos también los hemos ido debatiendo a lo largo
de estos días.
Pues, como señala Winterson, una podría pasar una vida leyendo,
mirando cuadros, etc. Ella, parafaseando mi opinión al filósofo
Wittgenstein, que nos dice que los límites de.
De nuestro lenguaje son los límites de nuestro mundo,
nos dice que los únicos límites son los límites de tu imaginación,
nos comenta Winterson.
El libro, desde luego, nos muestra los peligros de la lectura.
Rosa, sí, estaría muy de acuerdo.
Y no solamente para el propio yo, para el propio ser,
al exponernos a lo mejor
a abismos que no quisiéramos a veces confrontar,
pero también es un peligro para el orden patriarcal
establecido, para el orden Y en ese sentido,
pues.
Pues yo creo que también ella nos combina,
como nos han combinado otras artistas,
a dejarnos llevar.
Y cito, nunca mientas,
nunca digas que algo te ha conmovido si todavía estás en el mismo lugar.
Pues coger un libro.
Puedes coger un libro, perdón, puedes coger un libro, pick up,
o sea, puedes coger un libro,
pero un libro tiene el poder de lanzarte al otro lado
de una habitación.
Un libro puede moverte del cómodo butacón
a que las cortantes rocas donde está el mar te llevará.
Un libro es kinético y como todas las grandes fuerzas
necesita ser manejado con cuidado.
Y a término, la autora utiliza la prosa poética provocadora
para desafiar las convenciones de la crítica tradicional del ensayo,
incidiendo en la idea de que el arte no solo debe ser comprendido,
sino también, sobre todo, experimentado y sentido.
A través de sus escritos,
Winterson examina cómo las obras de arte
pueden revelar verdades incómodas sobre la condición humana,
al mismo tiempo que ofrecen espacios para la subversión
y la transgresión,
cuestiones que hemos.
Para que ya no repito más.
En conjunto, el libro articula una visión del arte
desde una perspectiva de un artista, de las letras,
que nos invita a sentirlo como un vehículo de transformación,
transformación personal y cultural, que es en tanto un acto de éxtasis
como de desafío a las normas establecidas.
Muchas gracias.
Muchas gracias, Ana.
Yo ya no sé qué decir ya después de este estupendo cierre.
Toda una invitación.
Bueno, en principio, mi invitación a que acometáis la traducción,
porque no está traducido al castellano, ¿no?
Que yo sepa.
Ana, adelante.
Marina, el de Sego también está traducido.
Y bueno, a todos, gracias.
Yo creo que ha sido una invitación estupenda, motivadora,
para acercarnos a la lectura de estas obras,
si no las conocemos.
Y seguir conversando.
Bueno, yo creo que lo dejamos aquí.
Y muchísimas gracias.