Bueno, buenas tardes,
gracias a todos por la presentación y bueno,
para mí es un placer estar aquí y me gustaría dar
las gracias a la organización de este coloquio
por seleccionar mi comunicación, una comunicación que tuvo su punto
de partida en un trabajo fin de máster que realicé también,
autorizado por la profesora Cristina Garrigos y que bueno,
en cuanto supe que se iba a organizar este coloquio,
pues pensé que era el lugar ideal para traerlo aquí
y compartirlo.
Esta comunicación lo que buscaba era un poco establecer,
buscar y explorar las relaciones entre literatura y arte
y en este caso elegí tomar como punto de partida a las pinturas
de la segunda mitad del siglo XIX.
Pero antes de centrar me en ellas y cómo son reflejadas
en esta literatura norteamericana de la segunda mitad del siglo XIX,
me parece indispensable hablar un poquito
de algunos antecedentes de novelas en lengua inglesa
que tienen un artista como personaje,
a las que ya nos han mencionado a lo largo del día de hoy.
En su mayoría se trata de novelas escritas en Inglaterra
y, por supuesto, había que traer estos dos ejemplos
de la primera mitad del siglo XIX, el de Jane Austen,
publicado en 1816,
y el de Sherlock Brown, publicado en 1847.
En ambas aparece la figura de la mujer artista,
pero más bien como aficionada.
Su habilidad artística está relacionada
con lo que se denominaba entonces educación de adorno,
que recibían como todas las jóvenes procedentes de buena familia,
y no hay realmente una intención de vender
o de desarrollarse profesionalmente.
Como luego veremos que va a empezar a ocurrir.
De hecho,
la propia Charlotte es un ejemplo de este tipo de artista,
como fruto de esta educación de adorno,
como podéis ver en la diapositiva,
porque, por ejemplo, realizó acuarelas,
que además era una técnica que se consideraba especialmente idónea
para una joven, para una mujer, puesto que podía desarrollarse
en un espacio reducido dentro del ámbito doméstico.
Y la siguiente obra que por supuesto tenía que traer,
aunque no quiero comentar demasiado porque Paloma ha hecho un muy buen
análisis del papel que desarrolla la autora del artista,
es La inclina de Walfeld Hall,
publicado en 1848 y como ya ha apuntado
se plantea una situación un poquito diferente
porque la protagonista efectivamente se ve obligada por las circunstancias
a vender su obra para salir adelante,
para mantener a su familia y por tanto tiene.
Que salir un poco de ese rol de amateur que estamos viendo
en otras novelas de la época.
Y es cierto que lo habitual en estas novelas
en las que hay una obligación, por así decirlo,
de profesionalizarse, de vender su obra,
esto es visto en cierto modo como algo negativo
y como algo que es el último recurso para salir de una situación
desesperada.
Y llegamos a mediados del siglo XIX,
que ya empieza a marcarse un punto de inflexión,
y precisamente en estos años se publica The Sisters in Art,
una novela que fue publicada de manera anónima,
pero que casi de manera unánime se ha vinculado a una pintora inglesa,
Anna Mary Howitt, quien también en estos años estaba publicando
su propia experiencia como estudiante de arte en Europa,
concretamente en Múnich, esta ciudad,
pues bueno, fue con una amiga, y después plasmó todas sus vivencias
estudiando arte, contacto con la cultura alemana,
etc. Y lo que nos interesa de Desisters in
Art es que en ella prefigura una serie de cuestiones
que se van a desarrollar en la vida real
a lo largo de esa segunda mitad del siglo XIX,
como por ejemplo la creación de academias,
escuelas de arte para mujeres,
que además son creadas por otras mujeres,
que son las que asumen ese rol de enseñanza,
y en general la profesionalización.
Porque estos aspectos que ya estaba apuntando Ana Meri Howitt,
pues son las que van a componer ese contexto,
esa situación del mundo artístico
en el que van a desarrollar sus carreras,
gran parte de las artistas que van a vivir
en la segunda mitad del siglo XIX,
por ello es fundamental conocerlos para poder analizar correctamente
esas novelas.
De las que fue objeto mi trabajo de cine máster,
sobre todo porque no puede ser casual que en un momento
en el que está aumentando de manera tremenda
el número de estudiantes de arte, de artistas profesionales,
en paralelo se están publicando muchísimas novelas
con mujeres artistas como protagonistas,
es decir, hay sin duda una correlación, ¿no?
Y todo esto se puede concretar, desde luego es complejo de analizar,
pero podría concretarse en estos cuatro puntos
que veis aquí.
En primer lugar, el acceso a la formación artística,
que será uno de los grandes problemas a los que se enfrenten las artistas
a lo largo del siglo XIX,
porque se van a encontrar una serie de limitaciones
y ante esas limitaciones van a tener que buscar unas alternativas.
Por otro lado, el aumento del número de estudiantes,
que se van a concentrar además en determinadas ciudades europeas,
el auge de los viajes de formación
y después la presencia en las exposiciones públicas.
Y empezamos por el primero de estos puntos,
el acceso a una formación artística.
Pues es necesario mencionar una de las importantes restricciones
que se van a encontrar las mujeres, es que no se les permitía acceder
como estudiantes a las academias de Bellas Artes
y en cualquier caso el gran escollo
era no poder acceder a clases de dibujo
del natural con modelo desnudo.
¿Y ello qué consecuencia tenía?
Pues que las iba a relegar
a géneros que no implicaban gran complicación en la composición,
sino que se trataba.
Que eran relegadas a obras de pequeño tamaño
y tampoco podían conocer la anatomía humana,
las proporciones humanas correctamente,
de manera que ¿qué les quedaba para pintar?
Pues géneros de pintura floral,
paisaje, realizaban muchísimas copias de los grandes maestros,
de trato en miniatura, también va a ser una salida profesional
bastante habitual.
Entonces, ante esta imposibilidad generalizada de poder acceder
a una educación artística en igualdad de condiciones,
surgirán como alternativa una serie de academias privadas,
generalmente dirigidas por hombres,
y en las que impartirán clase los grandes nombres
de la pintura académica.
Es decir, pintores que pertenecían a ese contexto académico
que estaba excluyendo a las mujeres.
Y la enseñanza consistía en que estos grandes maestros
del mundo de la pintura del momento acudían una o dos veces por semana
a estas academias.
Criticaban un poco, comentaban con las alumnas
los trabajos,
dejaban unas tareas y no volvían hasta la semana siguiente.
Y aquí simplemente he puesto una lista de algunas de las academias
más conocidas, hubo muchísimas más,
pero en París destacan la Academia Julián,
la Academia Polaros y la Academia Carmen,
ya una final desde el siglo XIX.
Y luego en Londres,
la Escuela de Días Artes Slade y la Academia de Luis Joplin,
que tiene la peculiaridad de que fue una de esas academias
fundada y dirigida por una mujer pintora.
¿Qué se me deja?
Avanzar.
Y bueno,
una vez estas alumnas eran admitidas en estas academias,
digamos que el momento que estaban siempre esperando
es que el maestro les dijera que estaban preparadas para exponer
en el Salón de París, que era el gran acontecimiento artístico
de la Europa del momento.
Y en cuanto a la procedencia de estas estudiantes,
las norteamericanas,
como Cecilia Bo, a la que veis en la pantalla,
Las norteamericanas fueron algunas de las más numerosas.
También les van a seguir las inglesas, como Wenjong,
de la que también se va a hablar en estas jornadas.
Y generalmente, estas jóvenes tenían que ir acompañadas de otra persona,
de la llamada carabina, que él solía ser la madre,
la hermana, la tía o algún pariente cercano.
Este viaje les permitía alejarse un poco del ambiente.
Opresor de sus ciudades de origen,
donde se esperaba de ellas que se comportasen, pues bueno,
de determinada manera.
Sin embargo,
también hay que tener en cuenta que muchas de estas mujeres,
cuando volvían, por ejemplo, a Estados Unidos y Inglaterra,
contraían matrimonio, de manera que esta estancia europea
se veía un poco como un ínterim en ese paso de niña a mujer
y, por tanto, asumir esos roles que de ellas
esperaba la sociedad europea.
Prueba de estas estancias y viajes es el texto que veis
a la derecha, que fue concebido precisamente como una guía
para esas jóvenes que iban solas a Europa en los años 70
y les da una serie de recomendaciones de dónde alojarse,
qué transporte coger,
en qué academias estudiar.
Y la autora es May Alcott,
que es la hermana pintora de Luisa May Alcott,
de la que hablaré después un poquito más.
Y en muchos casos,
como cabe suponer, estas mujeres que compartían espacio,
además por numerosas horas durante el día,
pues establecían relaciones entre ellas de amistad.
Muchas de ellas llegaron a compartir vivienda,
compartían estudio, posaban unas para otras,
como veis aquí en la pintura de la derecha,
en las caricaturas, etc. Establecían unas relaciones de sororidad.
Después está el tema de las exposiciones públicas,
que es uno de los grandes cambios en la educación artística.
Cómo las mujeres van a empezar a conquistar el espacio público,
no solo porque van a ir a los museos a copiar,
sino porque van a empezar a participar en exposiciones
nacionales e internacionales.
Sus nombres van a aparecer en catálogos de esas exposiciones,
como veis en la columna de la izquierda,
y en el caso de algunas exposiciones universales
llegaron a tener sus propios pabellones,
como fue el caso de la exposición colombina de Chicago,
En 1893, donde existía un pabellón que además fue proyectado
por la primera arquitecto estadounidense licenciada allí,
y pues bueno, proyectó este edificio y allí se reunían todas las obras
de las artistas que participaron.
Y ya hemos visto a grandes rasgos
este contexto en el que se mueven las artistas que es necesario
para poder después plantearse hasta qué punto en esa literatura
que empieza a surgir de manera tan numerosa
en la segunda mitad del siglo XIX,
hasta qué punto.
Recogen todos estos cambios que están teniendo lugar.
Y no solo si los reflejan, sino cómo los reflejan,
y todavía más.
Encontramos mujeres artistas tanto en novelas escritas por hombres
como por mujeres, si esos cambios tan importantes que se están dando
en el sistema artístico se reflejan de igual manera.
Entonces, yo lo que tengo aquí son cuatro autores,
dos hombres y dos mujeres,
y el primero de ellos, como podéis ver, es Nazaniel Pauzol,
quien en realidad ya ha explorado, he puesto aquí una novela de 1860,
pero él ya en algunos relatos cortos se acercó a la cuestión
de la figura del artista,
probablemente influido también por su propia esposa,
Sofía Pivodi, que era una pintora, ilustradora profesional
y que en algunos momentos de su vida pues llegó a ser el sostén económico
del matrimonio y de quien conservamos además varias obras.
Y también sin duda tuvo que ver mucho en su interés por el arte
su propia estancia en Italia.
Del matrimonio, porque también Sofía fue allí,
visitando talleres de sus amigos y amigas artistas,
sobre todo escultoras,
y por tanto conociendo de primera mano
el ambiente artístico de Florencia y Roma.
Y en concreto, la obra más interesante
y que da más juego desde este punto de vista
de estudiar cómo son representadas las mujeres artistas.
Y qué elementos de todo este contexto se están reflejando
es el fauno de mármol,
porque aparecen como protagonistas absolutas dos pintoras.
Se trata de una novela que tuvo una grandísima acogida
en su momento, no solo como novela,
sino también como guía de Roma,
porque incluye descripciones muy detalladas de lugares,
de monumentos, de esculturas.
Entonces, había gente que leía la novela
y después quería replicar un poco e identificar aquellos lugares
que aparecían descritos.
Y en cuanto a esas pintoras, la primera de ellas es Miriam,
de la que se insinúa que pueda tener orígenes judíos,
tiene un oscuro pasado y se alaba su creatividad.
Es una fuerza creadora y además siente preferencia,
y esto no es casual,
por representar mujeres fuertes de la Biblia,
como Yael, como Judith, que son personajes.
Que, sobre todo,
representaron a Artemisia Gentileschi o Elisabetta Sirani en el siglo XVII
y cuya obra quizá pudo conocer Mozart en esas estancias en Florencia
y en Roma.
Además, se nos dice que Miriam llegó a realizar un autorretrato,
un género que, según avance precisamente
esa segunda mitad del siglo XIX,
va a cobrar cada vez más fuerza entre las artistas.
Sin embargo, la segunda de las pintoras es Gilda
y es representada de una manera completamente opuesta.
Ella sabemos que es americana, que está allí en Roma,
pero ella no crea, sino que copia de manera aceptable
y copia detalles de grandes obras de arte
y se nos dice que copia en lugares públicos
y que atrae la atención.
La atención de los transeúntes.
Es cierto
que en ninguno de los dos casos se nos comenta nada de su formación,
aunque cabe pensar que como otras norteamericanas
que en esos años estaban empezando a ir a Estados Unidos,
estaría en Roma completando su formación,
conociendo la obra de los grandes maestros de primera mano
y quizá vendía sus copias,
por ejemplo, a turistas que solían comprar copias de obras de Rafael.
El siguiente autor, si quiere pasar.
Es Henry James, que va a incluir en varios casos artistas
en general en sus obras y en el caso particular
de las pintoras también van a aparecer
como personajes secundarios.
En el caso de Henry James no es sorprendente
las referencias artísticas en la presencia de artistas
porque él mismo era un gran conocedor de arte,
como demostró en varios de sus ensayos.
En su caso, interesan estas tres obras
que veis aquí, dos novelas,
Roderick Hudson y El americano, y después un relato,
La patina del tiempo,
que como veis abarcan en cuanto a publicación
toda la segunda mitad del libro.
Así, por ejemplo, en la novela
El americano encontramos como pintora a Noemí, que es una mujer joven
de la que se nos dice que se dedica a copiar en el luz
y a la que el protagonista precisamente va
a encargar varias copias.
Sin embargo, de ella se nos dice que es una copista poco habilidosa,
a pesar de que en el pasado parece que tomó clases particulares
de pintura.
Y se da a entender que la excusa,
o sea, que realmente copiar es una excusa para poder
estar en un lugar público, exhibirse y atraer público masculino.
Y, en último lugar, conseguir un marido
o un amante, que es lo que finalmente.
Va a ocurrir, como alguna autora ha apuntado,
para Henry James la visibilidad de Noemi en los museos
sería un poco un símbolo de su disponibilidad sexual,
porque de hecho cuando empieza a tener una relación
con un caballero, pues ya deja de copiar,
ya no frecuenta en los museos porque se va a entender
que no tiene esa necesidad de buscar esa excusa
de estar en este espacio público.
En el caso de la novela de Roderick Hudson,
encontramos una norteamericana que está de nuevo en Roma,
Augusta Blanchard, de la que se alaba su belleza,
pero de nuevo se nos dice que no tiene grandes habilidades
como pintora.
Se nos insiste en que ha viajado sola, ¿no?
Y en cuanto a los géneros pictóricos que va a cultivar,
se va a dedicar fundamentalmente a pintar flores para turistas
porque no se le daba demasiado bien pintar figuras,
algo que, como veis, está íntimamente relacionado
con esas limitaciones para acceder a una educación artística
y ella también al final acabará contrayendo matrimonio
con un yudo rico.
Y la última de las obras es el relato La
patina del tiempo y en este caso
encontramos una pintora profesional, Mary Juliana Tredy,
Pero ella es copista, pero copista profesional
y sin embargo, en lugar de un poco alabar
el haber conseguido ser profesional, vivir de esto,
se establece ahí una dicotomía y se nos viene a decir
que como se ha dedicado profesionalmente a esto del arte,
pues ha tenido que renunciar a contar el matrimonio, a tener una familia,
y se nos describe en términos un poco paternalistas,
diciendo que la pobrecita no va muy arreglada,
porque como está en su burbuja de copiar a los grandes maestros,
pues, en fin, es una imagen que contrasta bastante
con una de las otras jóvenes de las otras dos novelas.
Y el siguiente autor y la primera de las autoras
de las que me gustaría hablar es Elizabeth Stuart Phelps.
Es una autora bastante desconocida en nuestro país,
de la que no se ha traducido ninguna obra suya
de manera íntegra, a pesar de que desde los años 70
ha empezado a ser reivindicada debido a los temas que trata.
Va a hablar mucho de la cuestión del matrimonio, del sufragio femenino,
de la educación o los códigos de vestimenta para mujeres.
Y la novela que mejor trata este tema del artista
y es la que se suele considerar su mejor obra
es la historia de Avis, que fue publicada en 1877.
Y en este caso Avis no es un personaje secundario,
sino que es la absoluta protagonista.
Y además se traza todo el recorrido.
Desde que ella, siendo una adolescente,
tomara la decisión consciente, y así se lo expresa su padre,
de ser artista.
Y no solo ser artista,
sino que lo que ella quiere es pintar de verdad,
quedarse solamente en ese rol de copista que era
el que generalmente se esperaba o al que podía aspirar una mujer.
Y la novela tiene realmente un gran interés
para el tema que estamos tratando,
de cómo se refleja esa formación artística,
porque durante especialmente los primeros capítulos se nos cuenta
toda la formación de Avis I en América,
en su ciudad natal, y después en Europa,
en concreto en Florencia, en Nápoles y en París,
donde va a estudiar con diferentes maestros
hasta que regresa américa justo antes de poder conseguir
ese gran logro que era exponer en el salón de parís
y el problema es que al volver a américa pues le ocurre esto
que os comentaba que al final abandonar su carrera física
porque contra matrimonio y además pues tiene que ocuparse de su marido
que su marido enfermo también tiene también una hija etcétera.
¿Y qué nos cuenta Fer sobre la formación de Avis?
Pues la verdad es que nos da muchísimos detalles
de cómo se desarrollaría esa formación prototípica
de una aspirante artista norteamericana,
porque ella va a estudiar además con artistas reales que en la época
gozaban de gran prestigio.
Y aunque hoy uno de ellos, Francesco Sabrio Altamura,
es bastante desconocido,
pero fue un pintor bastante relevante en cuanto a la pintura de historia,
que era el gran género de la época
y era precisamente el género que les estaba vedado
a las mujeres por esas carencias formativas
que tenían.
Y después en París va a estudiar con el gran pope
de la pintura académica, Thomas Couture.
Un detalle a tener en cuenta es que durante la estancia de Avis
ella sí que va a estar siempre acompañada por una carabina
y después también
son interesantes algunas de esas frases que os comentaba,
es decir, cómo desde el principio tiene muy claro
que quiere ser pintora y su insistencia
en que no se quiere dedicar a realizar copias bonitas,
se refiere a ello como algo de forma despectiva.
Y a su regreso de América, antes de contraer matrimonio,
tiene que dedicarse a su pesar al retrato, que es otro género habitual
entre las mujeres artistas,
pero que no gozaba del mismo prestigio
que la pintura de historia, que es el que a ella le gustaría poder
dedicarse.
Y finalmente, dada la mala situación económica de su familia,
pues tiene que dedicarse también a la enseñanza,
que era otra de las salidas típicas de las aspirantes artistas,
e incluso a defender sus pinturas, que es visto
en la novela como algo un poco despectivo,
el tener que desprenderse de sus obras de arte
y en concreto de una obra que es muy icónica
dentro de la novela, una pintura de tema mitológico,
que es otro de esos temas que en principio
estaba vedado a las mujeres, una pintura que se llamaba La Esfinge
y que por tanto estaba desafiando un poco
esos temas habituales de las mujeres artistas,
que como os he dicho,
pues fundamentalmente se van a centrar en pintura de flores,
en copia, algo de pintura religiosa y pintura en miniatura.
Y además este propio proceso creativo de la esfinge,
por eso es tan simbólica la pintura, está lleno de simbolismo
porque esta pintura comienza antes de casarse,
en cuanto se casa la abandona porque no se siente capaz
de continuarla y solo muy a marchas forzadas se obliga
un poco a concluirla y finalmente tendrá que desprenderse de ella
para poder sacar adelante a su familia.
Y llegamos a la segunda y última de las autoras,
a la que conocemos, por supuesto, por su novela Mujercitas
y sus correspondientes adaptaciones al cine.
Y efectivamente, una de las hermanas March,
Amy, como recordaréis, también fue pintora,
marchó a Europa a completar su formación.
Pero en este caso no me preferiría hablar de otras de esas obras
porque ya os digo que aunque la figura de Amy
es muy interesante y también está muy basada en la figura de su hermana,
hay rasgos autobiográficos bastante evidentes,
realmente escribió una obra que aunque no ha sido editada
en castellano y tardó muchísimo tiempo
en editarse incluso en inglés,
es probablemente una obra que tiene más interés.
Y se trata de una novela corta.
Que se llama Diana y Persis,
que quedó además inconclusa en 1879, que es un año muy simbólico
porque es el año de la muerte de su hermana.
Como veis, es una novela que desde este punto
de vista puedes tener muy en cuenta.
Y esta novela, como os digo, se editó solamente por primera vez
en la década de 1970, 1978, y diez años después volvió a ser reeditada.
Y merece un poco la pena hablar de la hermana,
porque en la novela se empiezan a reconocer rasgos de la propia May,
como por ejemplo el haber estudiado en Londres y París,
que yo vas a poner en el salón un bodegón,
también Persis va a estudiar en París,
vas a poner un bodegón, ambas se van a casar,
van a tener un hijo,
sin embargo la realidad es que la hermana de Luisa
falleció por complicaciones del parto poco después.
En el caso de la novela, el final es un poco más feliz
porque sobrevive al parto y se da a entender que es posible
ser artista y desarrollar una vida personal.
En definitiva,
se trata de una novela que aporta muchísima información que sin duda
Luisa conocía de primera mano a través de su propia hermana,
de las cartas que se intercambiaban, por ejemplo,
información sobre cómo funcionaban esas academias privadas en París,
la Academia Julián, la Academia Colarossi
o el propio Salón de París.
Y hasta aquí, sin pasar de diapositiva,
este breve recorrido en el que he intentado traeros.
Aquí veis este bodegón que es el que presentó May al Salón de París
de 1877.
En la novela Persis también presenta un bodegón que se describe,
o sea, hace un ejercicio de extrasis
y que probablemente tuviese en mente este bodegón de su hermana.
Y como digo, llegamos aquí al final de este breve recorrido
por estos cuatro autores,
estos dos hombres,
estas dos mujeres,
que seleccioné un poco para ver cómo se había planteado esta cuestión
de la educación artística,
hasta qué punto se había reflejado, cómo se había reflejado
y si realmente había alguna diferencia
en cómo lo habían tratado hombres y mujeres.
A Hawthorne ya hemos visto que tiene en su novela
El Fono de Mármol a dos pintoras, Gilda y Miriam,
que suponen una interesante oposición entre la copia
o la labor del copista, que es un buen pintor,
pero no deja de ser una labor servil,
y después la creatividad.
Sin embargo, resulta asintomático que el personaje de Miriam,
la que es la fuerza creativa,
es la que sale peor parada en la historia.
Sin embargo, desde el punto de vista que nos interesa,
de la plasmoción de toda esta profesionalización
y contexto de las artistas, es cierto que la novela de Husserl
no nos aporta demasiada información, no es muy realista,
porque esta contraposición entre Miriam
y Hitler le sirve un poco para disquisiciones estéticas,
entre lo original, la idea de la copia.
Entonces, no se centra tanto en lo que podrían
ser las aspiraciones de estas mujeres,
los dilemas que les van surgiendo, ese dilema entre vida pública,
vida privada.
Y en el caso de Henry James ya hemos visto
que las pintoras que aparecen en sus novelas
son personajes completamente diferentes.
De los que se nos dicen que son poco dotadas artísticamente
y que están encajonadas en esos géneros que se consideraban menores,
la propia copia, la pintura de flores
y en el caso de la única pintura profesional que él incluye
en uno de sus relatos,
pues es de nuevo una copista y de la que se nos viene a decir
que por ser simplemente una copista y dedicarse profesionalmente a eso
ha tenido que renunciar a desarrollarse como mujer,
a tener una familia, etcétera.
Sin duda, la historia de Avis y Diana y Persis
son los textos que mejor van a transmitir esa realidad,
ese contexto del que hablaba al principio y que más información
aportan.
Y además lo tratan de una forma muy humana
porque recogen todas esas dudas,
todos esos dilemas que sin duda tuvieron estas mujeres artistas
que estaban intentando abrirse camino en una situación bastante hostil
en la que les estaban cerrando las puertas a recibir una educación
en las academias de bellas artes.
En igualdad de condiciones.
Es cierto que la historia de Avis es un poco anómala en el sentido
de que la protagonista estudia en Florencia y Nápoles,
que eran ciudades no muy habituales para estudiar frente a París,
que será la gran capital de las artes y también será la gran capital
que atraerá a estudiantes internacionales que mencionaba.
Y también es un poco anómala
porque esta protagonista se va a acercar a géneros pictóricos
que nadie esperaba que una mujer cultivase en la época.
O sea, pintura mitológica cuando se esperaba
que lo que tenías que pintar eran bodegones con animales muertos
o pintura de flores.
Pero en cualquier caso, en ambas novelas
se nos refleja de manera muy fiel esa situación
de las academias privadas, del día a día en la academia,
las relaciones.
Con otras pintoras,
la gran aspiración que es exponer en el Salón de París
para empezar a hacerse un hueco en el mundo artístico.
Y también se puede entrever un poquito esa sororidad que existirá
entre todas estas artistas que, como os comentaba,
con mucha frecuencia no solo
van a compartir el espacio del estudio durante muchas horas,
sino que van a vivir juntas, van a compartir estudio,
van a posar, etcétera.
Y en definitiva, en el caso de la historia de Avis,
es una novela que a pesar de su tono pesimista,
porque un poco la conclusión a la que llega la protagonista
es que todavía no llega el momento de las mujeres,
sino que todavía tiene quizás su hija, si lo puede haber,
pero ella asume que no es su momento.
Pero esta novela empieza a plasmar todo este contexto,
toda esta situación que van a comenzar a recorrer tantas jóvenes
en estos momentos.
Jóvenes que en muchos casos hoy día
las estamos recuperando y las estamos incluyendo
en un nuevo canon de la historia del arte que estamos creando.
Y nada, eso es todo.
Espero que os haya gustado y gracias por vuestra atención.