Buenos días, perdón, se nos ha ido y se nos ha ido un poco
la hora de distraído, lo siento,
sobre todo la gente que está siguiendo en streaming,
la conferencia que les tenemos, que les tenemos un poco a la espera
buenos días hemos llegado, parece que rapidez,
hemos llegado ya al último día del del curso de verano,
y nos hemos reservado una buena píldora, un buen cartucho
para para el final, que es la presencia de Rodrigo Gutiérrez
-Viñuales, que es catedrático de la Universidad de Granada.
tiene una trayectoria larguísima de estudios en torno a Alarte
latinoamericano contemporáneo;
en fin, tiene tiene una experiencia investigadora y experiencia
a través de exposiciones muy, muy solvente.
Cuando estuvimos un poco hablando Rufino,
Ángeles y yo también, haciendo brainstorming pensando
en gente que podía venir justo en ese momento
teníamos reciente la exposición antes de América que tuvo lugar
en la Fundación Juan March.
Espero que muchos de ustedes tuvieron la ocasión de verla,
porque además se ha destacado entre las publicaciones
especializadas en fila la prensa, las la ha destacado
entre las mejores exposiciones del año en España
y muy especialmente en Madrid.
Así que precisamente por eso pensamos que con esta idea
de del viaje el exilio, la migración, que era muy oportuno
que viniera, que viniera Rodrigo,
un poco también hablarnos de de esa exposición,
pero también de de todos estos temas en los que él está especializado.
Así que no hablo más.
Sin más dilación le dejo con el gracias.
Bueno, muchas gracias.
Gracias a todos los que han venido a acompañarnos este día.
Agradecer fundamentalmente la invitación.
Iba a lcr Rufino por poder participar del este curso
en un poco en la línea de lo que de lo que decía,
que no beba se voy a hacer mi presentación,
no con el aquí para acceder al título.
Modernidad, Améry, India es el futuro del pasado
como destino de emigrantes que en cierta medida
toma como marco la exposición antes de América,
y lo que voy a incluir en la charla
es no solamente artistas,
que estuvieron presentes en esa exposición,
sino también diríamos en un proyecto mucho más amplio
que sigue digamos vigente.
Es decir, la exposición física se cerró en marzo de este año,
pero tiene su continuación en este proyecto.
Se llama Proyecto web la exposición expandida, donde en cierta medida
recogemos no solamente todo lo que fueron los contenidos
de la de la exposición física
sino también o muchísimo a otra información
que digamos formó parte del del proyecto de realización,
aunque luego no hubiera obras, digamos, en sala.
Entonces el la conferencia va a tratar justamente de más
de este proyecto precepto, amplio, el decir que en el proyecto
la el tema de los de los emigrantes o migrantes es muy numeroso,
es decir, es más, casi diría que es un una, una condición
Sinequanon para artistas que hacían este tipo de temas.
El viaje no el viaje en sí mismo, el viaje coyuntural,
pero en muchos casos también viajes pensado directamente.
Para radicarse también temporalmente o de manera definitiva
en otro en otro sitio, por supuesto,
muchísimas migraciones internas entre entre países europeos
o estadounidense que van a América Latina latinoamericanos
que van a Estados Unidos, que vienen también a Europa
y, en definitiva, digamos, todo esa.
Ese conjunto de relaciones que se va produciendo entre esos artistas
también son los que van armando en definitiva,
la red.
Casi diríamos temática conceptual de este de este tema.
La organización de la de la charla
tiene una un cierto recorrido cronológico también, un poco acorde
con lo que fueron las cuatro secciones de la de esa exposición,
que arrancaba a finales del siglo 18,
llegaba hasta nuestros días,
tanto que en la exposición hubo obras de el propio año 2000
veintitres, que fue el año en que se inauguró la la exposición.
Entonces, un poco de esas, sobre esa estructura
voy a ir eslabonando, diferentes temas,
diferentes, artistas y en realidad bueno,
la charla son poco.
Una, una una propuesta
de itinerar por América a lo largo del del siglo xx,
fundamentalmente se trata más de la parte moderno,
aunque realmente arrancó en el en el siglo xix siglo, xix,
caracterizado fundamentalmente por la acción de artistas,
viajeros fundamentalmente europeos
también en algunos casos norteamericano por México, por,
pero ir por los sitios donde estaban concentrada
en la mayor cantidad de conjuntos arqueológico
y que también marcó, digamos, una un aspecto que hoy está muy presente
en la discusión.
Es autoconsum con una por un carácter político
muy marcado como es el tema de la restitución de obras,
un cierto que fueron expoliadas.
Saqueadas.
Durante el siglo y en un momento que no había tampoco
un control este patrimonial y que realmente es también un tema
de que fue un tema de arranque en la exposición
y también el ya el tanto la exposición
como luego el la propia charla, vamos a llegar de nuevo
a ese punto con una reflexión desde el de nuestro momento.
Decirle.
Bueno, esa es la la cubierta del del catálogo, que fue coordinado
por María Toledo aquí acompañando y que y que fue además
el formamos parte del equipo curator Yal,
y el hay una edición también en inglés que también
con un gesto político se llama dijo América,
pero se América lleva la tilde.
Es decir, no es el es un poco recuperar
el término América para todo el continente
y no que digamos, hablemos de una universidad americana
pensando solamente en Estados Unidos dócil
también hay un poco ese efecto,
y es una exposición que nace desde un concepto latinoamericano
pero que incorpora a Estados Unidos y Europa dentro del relato
cosa que a veces no se hace al revés.
Arrancó entonces con el tema
justamente esbozando lo de los viajeros del del siglo xix.
Como el caso de los ingleses, Federica Ter,
but y de la Bretón Carter, but en torno a 1.840 a de la Breton,
en la última década del 19 principios
del del 20 donde fundamentalmente se dedican a hacer un registro
de tanto no es cierto, de conjuntos arqueológicos
de vistas digamos, panorámica de esos conjunto
con cierto tinte.
Por supuesto romántica está como en el caso de caterva
o el caso de Adela Breton,
que además fue la la primera artista -mujer que aparece
en el, en el la exposición que además se dedica a hacer en detalle
a dibujar en detalle piezas arqueológicas pero me su sus obras,
afectan mayoritariamente en ese moción
Bristol mix Arkale, herí de de Inglaterra.
Por supuesto, la, el, la aparición de la fotografía,
y sobre todo su desarrollo a finales del siglo decimonoveno
y principios del,
y del 20 fundamentalmente pongo el caso del alemán,
hubo breve otro emigrante, hacia México,
que además publicó en 1900 veintitres un importante foto
libro justamente sobre sobre México, donde buena parte
de la foto serán de temas precolombinas,
está de mi plaques fabulosa realmente como fotografía
se une también a el caso de bomba,
al de un viajero también del siglo decimonoveno,
que da un paso más allá; es decir,
ya no hace solamente la el registro de la del monumento arqueológico,
sino una reinterpretación, es decir,
casi una invención de una sena, una reconstrucción ideal,
como se llama de una ceremonia, donde digamos,
basándose en buena parte en testimonio gráfico de detalle,
que habían quedado más buena parte de imaginación, lógicamente,
una especie de lucha grecorromana sobre la piedra de Tycho
que hay en el centro de una reconstrucción, probable,
según el acierto,
de cómo habría sido la vida de los de los aztecas con allí
en el medio de las pirámides, el valle de México
y demás, no?
Que nos habla también en la primera sección
de la exposición se llamaba registro y reinterpretación;
es decir, la idea no cierto, de cómo se va produciendo ese cambio
desde lo que es el propio registro arqueológico a empezar
a utilizar esos registros para ser obra de nuevo cuño.
Por supuesto, se va ya a dar,
no solamente en obras pictóricas, como el caso de Valdés,
sino también en directamente lo cierto en arquitectura,
en buena medida expoliado por un fenómeno que conocen bien,
que es el de las exposiciones universales
que comienza en Londres en 1.851,
que comienza a plantear, sobre todo a partir de ese momento
la construcción de pabellones nacionales,
siguiendo algunos estilos entre comillas propios
de cada uno de esos países, el caso, por ejemplo, España,
a lo largo de Exposiciones Universales
en muchos casos participan con pabellones,
negar a veces por qué porque era algo que había
en territorio español,
pero a la vez lo distinguía de cualquier otro país europeo
no entonces el caso también los pabellones de países americano
comienzan a comparecer con pabellones negó precolombinas
decir reinterpretando en clave contemporánea
la la arquitectura precolombinas estos pabellones
generalmente eran de carácter posiciones, eran carácter efímero,
pero también comienzan a construirse algunos que digamos que van
a tener un carácter permanente y que todavía existen,
como el caso de estas dos obras, una de finales del 19,
otra de finales de la década del 20 realizadas, ambas por arquitectos,
de origen italiano también el caso de cierto
de otros emigrantes europeos en este caso que se van dedicando
a hacer este tipo de obra.
En el caso de la izquierda es muy significativo
porque estamos hablando de una obra neo
-azteca, en un cementerio, Santiago de Chile,
si eran miles de kilómetros de distancia al sur del continente
y que nos habla justamente de la circulación
de toda esta información muy tempranamente y a la vez a la vez.
Es cierto el hecho de demostrativo de que los estudios de arquitectura
debían estar preparados para cualquier tipo de encargos,
inclusive para proponer en este cementerio Santiago
-Chile te va al Douro Luñol y el arquitecto tiene también
un panteón leo -árabe y un panteón,
no egipcio con pirámide incluida además, ciertos este nuevo azteca
entonces, con lo cual, esa cuestión del eclecticismo propio
de la could Bozal de París nos cierto del siglo xix
y por supuesto, toda esa influencia de la arquitectura efímera
de la posesión emocione universales está bien presente.
Damos un salto también en el tiempo
y nos vamos a la década de 1920 el viaje al revés,
es decir, no el europeo que va a América
sino el americano que viene a Europa.
Voy a dar algunos algunos casos relevantes
y con presencia en la exposición, como es el del brasileño Vicente dos
Rego, Monteros, radicado en París, a principio de los años 20,
el donde previamente es cierto realiza algunas.
Algunas obras,
como las escenografías para el una, una obra de teatro en Brasil;
colecciones que las las conserva el Museo de Arte contemporáneo
de la Universidad de San Pablo.
Esa obra de hecho estuvo físicamente en la exposición,
pero donde él digamos en París, comienza también a dejarse empapar
por todas esa huella que iba dejando desde principios de siglo
aquello que es todavía hace,
conocía con el nombre de primitivo, istmo un término que fue,
digamos perdiendo sustancia, valori además fue discutido,
pero que en ese momento estaba muy en boga en cierto todo el tema
de la reinterpretación de la aceptan paja.
Poner esa el tema de Brad Picasso Flamingo
con el, con el, con las máscaras africana,
los vales ruso es decir ese momento de París
donde están buscando fuentes por distintos lugares,
que no son justamente el centro neurálgico que era considerado
la la propia ciudad de París o digamos las capitales europeas
que pivotaban en torno a en torno a ello, no, entonces debo Montero,
realiza en los años 20 en París varias obras vinculadas
a su propia tierra, no Brasil y sobre todo la parte indígena
del del Amazonas en el año veintitres pública
desde la creencia cita alemanes de los indios del del Amazonas
en el año 25 bueno este con con lógicamente con ilustraciones
el muy contemporánea pero digamos basadas en los rifeños indígena
o el algunas vistas de París del año del año 25,
que es un relato que él mismo hace y luego ilustra con la idea,
era la idea no es cierto, de un indígena del Amazonas
que llegaba a París y que interpretaba su manera
los monumentos y los espacios públicos de de padrino Entonces,
ahí tienen, la Latorre Eiffel, pero lo cierto
con distintos elemento ornamentales que lógicamente provienen de esa.
Esa cultura amazónica no libro que son;
tuvieron también en la exposición muy largo
Zoido conseguir, existen si edició nefast similares
y que marcan también cierto ese momento tan significativo.
Lo mismo
pasa con la, que fue la artista más representada en Hernández América,
que es la peruana Elena y una artista multidisciplinar,
formada en arqueología que va a París
también en la en el primer lustro de la década del del 20,
que en 1925 pública estos dos tomos, el arte peruano en la escuela,
es decir, donde ya nos hablan nos habla también de una cuestión
de carácter pedagógico,
es decir, eran manuales que estaban pensado manuales,
que se integraban láminas, como cualquiera de 50,
60 láminas de este cariz con distintos este diseños,
la la, la izquierda, que era todo en blanco y negro,
es del volumen,
primero la segunda que mayoritariamente en color
desde el volumen segundo y la idea era.
Es cierto que en las escuelas
se pudiesen enseñar a la enseñanza del dibujo,
no viniera digamos del desde el punto de vista europeo occidental,
como era lo típico, sino que aprendieran los chicos
a dibujar a partir de la forma precolombinas
en muchos casos.
Como ven también, geometría, nada inclusive en el caso
de la derecha.
Realmente, casi estamos hablando de una obra tracta es decir,
una obra geométrica y abstracta.
Hemos también
ser no solamente oriental los hacia lo precolombinas,
sino también hacia una, hacia una modernidad.
Todo la idea era que los chicos reprodujeran la parte inferior
de esas hojas.
Copiaran, digamos el mismo.
Los mismos diseños.
Así eran todas las las hojas de esas de esas carpetas, no, lógicamente,
le nahiz que fue mucho más allá y se convirtió también en una.
Una importante diseñadora y fabricador,
también de textiles.
En muchos casos quedaron simplemente en los patrones.
En otros casos; si llegaron, digamos a a producirse.
Industrialmente manteles servilleta manta, otro tipo de de textiles,
pero siempre, en cierto recurriendo a esa idea de lo Precom,
vino o directamente en estos casos de caso;
la izquierda, sobre todo muy muy claramente
de reinterpretación moderna muy moderna muy vanguardista
podríamos decir de los textiles precolombinas
no obstante decirles también que la que, lógicamente,
cuando uno ve con una mirada moderna,
un textil, sobre todo este, o de para acá
cecir del antiguo pero antes de la de la llegada
de los europeos a América, si lo mira digo.
Conozco modernos puede advertir un un grado enorme de vanguardia?
No?
Cuando se habla?
Siempre de la del arte abstracto
y demás, pues hasta hace unos años -era Kandinsky o luego
fue filma Clint -la sueca?
pero si vamos más atrás en el tiempo la dged horas
del antiguo PV ya habían hecho este abstracción geométrica
muchos siglos antes y además con un añadido que era no solamente
una cuestión formal sino también una cuestión conceptual
es decir eran maneras también de comunicación
entonces tiene una un una extra un club que realmente
el el arte occidental durante mucho tiempo
supo gracias directe despreciar por una cuestión
hacia un análisis puramente formal y en muchos casos
-cuando está arte como pasa con las artes populares
que no solamente son la forma sino también la función que cumplen
para ese como que eso ya las convierte en artesanía
en otra cosa aparentemente menor cuando quizás debería
ser luego lo contrario en este tema de los de los textiles
tenemos por supuesto muchísimas más este muchísimo más testimonios
el caso por ejemplo de Frank Ray que muy tempranamente
cuando Cell el hotel imperial en Tokio
diseña también parece hotel unas unos tejidos unos tapices,
siguiendo la forma u ari del del antiguo,
pero o el caso más conocido en esta línea por supuesto
que es animal ver formada en la vau,
en los años 20 que comienza con todas yo
al ver su su marido en los años 30, los viajes a Latinoamérica,
que van a hacer 14 en total y donde ambos,
desde distintas perspectivas, ya luego incluidas 2,
ser también un poquito más adelante, hacen sus propias reinterpretaciones
y formulaciones modernas de lo que van viendo,
en esos viajes, muy orientados por cierto,
a los conjuntos arqueológico y a todo el arte,
precolombinas fundamentalmente y popular
también en algunos.
En algunos casos, no los nombres.
En este sentido,
y llegando al día de hoy, son muchísimos,
no del Rid también nos cierto hacia mediados de siglo.
Hay legis, que sigue activa,
sobre todo también formada con animal,
trabajando todavía en esta línea,
o la Chilena Cecilia Vicuña, que fue premiada en el año veintidos,
CSIRTs hace dos años, en el premio trayectoria de la Bienal de Venecia.
El año pasado tu exposición en la Britain
tuvo también en Google, ande de nuevas
y que, por supuesto en cierto continúan esa ese ese hilo conductor
de los de los festivales que, como saben también está más vivo
que nunca, muchísima artistas sobre todo que están trabajando
en esa línea artistas podrían ir del sistema de las artes,
pero también cada vez más la integración a esos sistemas
de las arte y al mercado de arte de artistas de directamente
este índice de comunidad indígena, que ha realizado
toda la vida este tipo de cosas
pero que ahora también están teniendo ese reconocimiento.
El caso, por ejemplo, de la actual bienal de Venecia,
que está hasta noviembre hay, hay unas,
una sección dentro de la exposición principal que trata de arte indígena
y donde hay
se puede ver justamente mucho ese tema de los de los textos,
no por poner una una nota de actualidad,
profesor de origen alemán
-carcas Mann que desarrolló sus su trayectoria docente
en la escuela de Artes aplicadas en Santiago de Chile,
realmente con alumnas mujeres.
También, la realización, sobre todo, de cerámicas,
con decoraciones también tomadas cierto de patrones indígena
y que nos habla también de una cuestión que a nosotros
nos pareció muy importante.
En ante de América, dejarlo muy, muy claro, que era que buena parte
de este este proyecto, de esta idea de proyecto
no, no fue algo tan originado.
Podría acudir a las academias de Bellas Artes,
que realmente le dan más importancia
las la llamada en aquel momento, 103,
Bellas Artes, que eran arquitectura pintura y escultura,
sino justamente en las escuelas de artes y oficios,
escuelas, arte de oficio,
que tienen un impulso a partir de finales del siglo xix
y, sobre todo, a principios del siglo xx,
en el caso de América, sobre todo a principio del siglo xx,
con el añadido no cierto de toda una cuestión identitaria
que está muy acorde con la celebración de los centenarios
de la independencia, con el modelo cultural europeo,
en declive con la Primera Guerra Mundial,
es decir, toda una activación de elementos autóctonos,
como pueden ver allí que realmente ahí se va a fraguar en buena medida
este tema.
Luego, por supuesto, había pintura, había cultura,
pero también había vitales textiles, como ya vivimos escenografía sine.
En fin, toda una una,
una serie de disciplinas casi día atraviesa todas las las disciplinas.
Diseño gráfico y lógicamente cambia un poco
la manera a veces de concebir ese tipo de proyectos que a veces
parte más de lo pictórico o escultórico,
y no tanto de estas otras manifestaciones donde, por cierto,
también las este.
Las mujeres tienen un papel absolutamente relevante.
En la exposición contabilizamos 52 artistas,
mujeres en Norteamérica, en buena medida,
también produciendo en estas escuelas,
arte y oficio el caso también de una otra emigrante, que fue cocina pla,
un artista de las islas Canarias nació en Tenerife, que en los años 20
transforman, 12 como ceramista, en manifestem en Valencia,
donde conoce conoce, a Julián de la erraría,
un artista paraguayo que también estaba perfeccionando,
ze allí termina no cierto el matrimonio
y vuelven a Josefina Pla va también al al Paraguay
donde va a vivir toda su vida.
Se va a convertir en la más importante
historiadora del arte paraguaya del del siglo xx,
y ahí tienen la tiene nada ya cierto.
Trabajando justamente en los años 20 30,
produciendo este tipo de obras que luego en Paraguay
también fue continuado,
ya contemos más vinculados a las culturas.
Este guaraníes yo llegué a conocer la llamada muy mayor
por justamente por eso.
Congreso de Historia del Arte de los años.
Este 90 el esa en ese momento desconocía absolutamente
este tipo de obra
quedó un poco pactada justamente por su propia obra
también como historiadora de arte donde era más conocida,
pero en los últimos años sobre todo el trabajo
de María Blanco Conde de aquí de la aecid de Madrid,
que ha hecho el mayor trabajo sobre ella
y sobre Julián del erraría.
Lo han puesto de nuevo en el el tapete.
Hablaremos también de artistas y hablaremos de obras migrantes,
que es el tema que luego va a tomar Génova
iban la segunda parte de las de las charlas de hoy
y el caso también de un artista de origen colombiano,
Rómulo rozó que en 1900 veintitres viene a Madrid
el primero de forma a quien talleres de artes de forma,
no solamente, como como escultor,
o continúa sus estudios de cultura que había empezado en Colombia,
sino también de orfebrería; luego pasa en 1925 a París.
Se instaló allí y realiza una obra que va a hacer,
es fundamental la bat sue.
La batalla es esa escultura.
En granito debe el zika,
que, como dicen la foto y pozo,
puso en las comidas Rómulo rozó tachándola, Batlle,
porque realmente los pie de fotos se pone como si fuera el artista allí
y lo cierto es que la obra está terminada;
es decir, que esto realmente es una foto,
una pose fotográfica como si estuviera en ese momento
callando.
No, pero ni siquiera él se lo ve con la tensión que tendría
que tener, digamos, un escultor este,
detallando la piedra.
Pero bueno, esa esa fotografía circuló con profusión en revistas
y periódico colombiano significó un hito en esos años 20.
La en el año.
En torno al año 29 30 se crea un importante grupo
de artistas autóctonos en Bogotá se llamó justamente el Grupo Bach
fue un poco en homenaje y es una escultura que curiosamente
nunca regreso en estos en estos años,
por lo menos de décadas a a colombia.
De hecho Rómulo o nunca más volvió a Colombia
y hoy y es considerado, no obstante,
vamos a uno de los principales si no el principal escultor
colombiano de la primera mitad del del siglo del siglo xx,
Rómulo rozó, fue contratado a finales de los años 20
para ir a Sevilla a hacer toda la ornamentación del pabellón colombiano
de la exposición iberoamericana de Sevilla.
Como ven, está perfectamente este conservado desenlace
del consulado colombiano.
En la actualidad es un edificio que planteado a manera
un cierto de templo colonial había diseñado un arquitecto
andaluz, José Granados de La Vega, pero Colombia lo contrata Rómulo,
rozó para ir a darle una decoración, más autóctona más indígena,
no.
Entonces esa vez también esa especie de pabellón a la patria
podríamos decir es uno de sus de sus,
de sus grandes obras en esos años 20 allí a la derecha,
tienen la la bache que pertenecía a una colección privada,
fue pedida para gobernar el patio central del ese pabellón colombiano
y hoy día parecen Rómulo rozó entre dos militares
y con la bache colocada en el centro de la en el centro de la Fuente.
El estas cultura vuelve lógicamente a parir porque, como decía,
era de una colección privada;
se pierde completamente su rastro.
Aparece en una colección de Barranquilla a finales
de los años 90 que era la propia familia;
la vía de vamos a personas años, 50 o 60
de París de nuevo a Colombia, pero sin saber Cecir,
no dentro del mundo del arte que enseguida hubiera
si hubiera sabido es cierto que estaba allí
y en una exposición que organizó Álvaro,
Medina, que son un importante crítico historiador de arte colombiano,
que además escribió en el catálogo para el catálogo antes de América.
Sobre sobre cultura la rescata la, la, la localiza
y la ponen una importantísima exposición.
Que el comisario en el Museo de Arte moderno de Bogotá
sobre la la modernidad colombiana de los años 20 30,
ese rescate,
que luego nos cierto sirvió para que un coleccionista privado,
Okdiario Gutiérrez la comprara y formara en torno a ella
una una fundación que se llama fundación, proyecto, bacheo
e hizo, digamos-que se produjera una revalorización
y tuvo la generosidad de presentárnoslo a obtuvo justamente
expuesta antes de América.
En el caso de la izquierda, y actualmente,
si quieren ver el acta, justamente la bienal de Venecia,
también de Madrid, pasó directamente a Sevilla.
En esa una, una sección que hay en la exposición principal
sobre el retrato.
Otra otra obra que me parece bien importante,
tener en cuenta como obra migrante también vinculada a Sevilla,
también vinculada a antes de América,
es esta obra de de Guillermo Ruiz;
una escultor mexicano,
que realiza esta obra se llama fuente o raza,
a veces aparece con otro nombre que gárgolas tiene,
hay distintas denominaciones según el momento realizada en 1927
que se convierte y es un dato muy curioso
y muy poco conocido en la primera obra en la obra y inicial
de un museo de arte moderno americano,
que se refunda en 1927 en México, por por parte
impulsado por Gabriel Fernández, Ledezma,
Gabriel Fernández- Ledesma, un artista plástico,
pero también un lector que además es el que edita
la que consideraba la primera revista de arte moderno
dedicada exclusivamente a las artes plásticas.
En México, que es esta revista forma
de tuvo siete número y en el número 13
aparece justamente la, el, un número donde una parte está dedicada
a esa creación de este museo de arte moderno
americano que no llegó a cuajar, digamos.
No, no llegó a tener un edificio.
No llegó a incrementar sus.
Sus colecciones.
Pero se anticipa en 12 años tal que es considerado
el primer museo que se funda en América, que es el moma de nuevas
por emocionarnos, modernizar en México.
Esa idea de tuvo dos años antes y curiosamente esta obra
va a hacer la obra número uno de este museo de arte moderno.
Esta obra fotografiada en este caso
para estar revista por Agustín Jiménez
es uno de los más importantes fotógrafos
de la vanguardia mexicana, va a ser colocada en ese mismo año,
en el centro de la fuente, la foto de la derecha mala
porque no tengo una una versión este mejor,
pero se alcanza ver muy claramente en lo que fue el Convento de la Merced,
que fue la sede de otro emprendimiento del año 27,
impulsado por Gabriel Fernández y por el propio Guillermo Ruiz,
que fue una escuela de talla directa
para que enseñar a los chicos a callar como lo antiguo,
es decir a tallar la piedra como las culturas precolombinas,
no donde inclusiva.
El cartel que es un grabado justamente Fernández que era un siglo
Gafo de primer nivel es el que aparece aquí a la izquierda,
no hay.
Estuvo colocada esa obra,
se trajo a hace villa para la exposición del año 1929
lo que se puso en el pabellón mexicano.
También.
Estas pertenecen a la Universidad de Sevilla,
está en el parque, materializa es lo que se expuso aquí de arte,
eran obras escultóricas de la Escuela de talla directa y obras pictóricas,
de la Escuela de pintura al aire, libre,
que se habían creado a partir de 1913 que era también escuelas
donde los niños apuntaban a hacer pintura directamente del natural,
sin ningún tipo enseñanza.
Nuestra idea, que a veces estaba rondando la vanguardia,
de que no había de que querían desprenderse
de la academia de la enseñanza académica,
porque, eso, al final,
pervertía contaminaba lo que era la creación natural,
no aquello que decía, Miró, que toda la vida había;
lo que buscaba era volver a pintar,
como cuando era niño y no estaba contaminado
por las enseñanzas, y la Academia autónoma bueno,
está un poco en lo que se aplica en esas escuelas de pintura al aire.
Libre.
Bien, esta cultura abraza o gárgolas no se supo nada más y ahora
goza unos 10 o 15 años.
Apareció en el pabellón de Marruecos
allí totalmente deslocalizada; loce,
porque pero desde hace unos 20 años a máster de grado de la Universidad,
Pablo Olavide, Sevilla, doy visitas guiadas a los pabellones
y un día de llevo al de Marrueco,
dictaba aquella piedra que no tenía ni idea
siquiera de que era no prodigo bueno lo que yo ante una cultura americana
pensé enseguida o México, Ecuador porque también tenía en ese momento
de los años 20 este tipo de manifestaciones,
no ya los dos años y medio por ahí encontré esa foto que les mostraba
de la de la fuente, en el patio de la Merced
y ahí enseguida y le cabo.
Entonces esa esa obra también estuvo expuesta
en en antes de América.
Recuperamos esa idea, como ven,
de la de que era una fuente.
No colocándoles a esa este ese hilo,
este plástico de hecho hicimos.
Primero la prueba, contenía la la boca, el agujerito,
y entró fácilmente hasta hasta el final.
Entonces, como todos estos años, no se había obstruido,
ni ni nada de eso no.
Entonces, esa fue un poco la esa recuperación,
no?
Que pusimos punto además a una una silla que aparece
la derecha.
Qué es este?
Que estuvo también en el pabellón mexicano
del de Sevilla del 29 fue hecha expresamente para ese parece pabellón
a la derecha.
Así medio lateral está un vital diseñado por Francho Rail
y luego un una obra de Leonardo algo de un pintor inglés
y una obra de finales de los años 20, pero muy curiosa,
porque es una obra que tendría hoy un sentido este,
digamos, en todas estas discusiones de el tema de la localización
de la de las obras de arte
no, porque es un Chamorro uno de los grandes símbolo escultórico mayas.
Perdón, bueno, yo me querría aquí el tramo
y la obra se llama el destino de chaqué
Moll no porque se llama el destino al mármol totalmente.
Pone en tela de juicio el hecho de que el moll que son
una obra digamos con un carácter sacar hay tal tenga
que estar en la zona de un museo.
Entonces aparece aquí.
No se ve mucho por una como la pared rota ya atrás,
una pirámide más ya no como diciendo.
Esto ahora tendría que estar vinculado a aquello
y no aquí nos cierto con el eco ovillo ni en fin toda la esta.
Otra cuestión que aparece aquí
no por eso digo que es una obra de hace casi un ciclo,
pero que tendría digamos mucho, mucho, mucha carga conceptual.
En la actualidad más cuestiones de migración es decir
les pongo al izquierda el pabellón mexicano a la derecha.
El pabellón colombiano están cruzando una avenida
la avenida de las palmeras.
En Sevilla, porque necesite hoy
en hacer en esos trabajos que estaban realizando tanto
Manuel amabilitat, arquitecto de Yucatán,
que fue el encargado del pabellón mexicano
y Rómulo Rojo, que fue encargado como saben,
de la de la decoración del pabellón colombiano, se electa
de estar allí pues terminaron haciéndose, muy amigo,
Manuel Hamabi dedicó tendría que venir a México,
lo conoció también allí a Guillermo Ruiz
y al Gabriel Fernández; Ledezma,
Rómulo rozó y cuando vuelve a París en el año 31,
decide irse a México, primero a la ciudad,
México hasta el año 40 luego a Mérida Yucatán,
que era donde donde vivía y trabajaba.
Hamabi.
Que un poco lo lo contrata y Rómulo
rozó terminó siendo también un emigrante,
si de Colombia a París, de París,
a Ciudad de México y de México a Mérida,
donde murió en el año 64
sigue sin haber vuelto nunca a a Colombia
y donde también Rómulo rozó.
Va a continuar esa idea de entre comillas lo primitivo es decir,
ese trabajo sobre lo precolombinas pero ya digamos vinculado
a la cultura más ya no el arco de retícula de finales de los años 30
en casi de las primeras que hace para para Yucatán
y lo que va a hacer el la gran obra de Rómulo Ros en el último periodo
-subida que es el monumento a la patria, en Mérida,
educando vivamente a la patria más ya que aparece allí y entonces
este migrante también tiene casi diríamos dos monumentos a la patria,
es decir, su trabajo en el pabellón colombiano de Sevilla
del 29 este monumento a la patria.
Ya lo que entre el de Colombia
era la cultura chicha, las culturas originarias,
en actual territorio colombiano y en caso el monumento;
la patria ya de su tierra de definitiva,
de acogida.
Otro artista migrante y fundamental en todo este trayecto
es el uruguayo Joaquín Torres García de familia catalana,
que nace en Montevideo pero juventud bastar en este.
En Cataluña.
Forma parte del del sentir catalán realiza varias pinturas,
en clave clasista, algunas de ellas en la los murales que están
en la generalitat de cataluña, libro ilustrado,
tiene también un trabajo muy muy versátil en cuestiones de disciplina
y que para el desde el punto de vista de lo precolombinas va a hacer
fundamental no solamente un viaje que realiza Nueva York
en 1920 le tenía uno uno de esos objetivos era
comercializar unos juguetes que había realizado de carácter constructivo,
es ir también como una especie de de mecano de madera,
con lo cual no le va bien o hizo, empiezan muy codiciados
porque lo que existieron los prototipos en algún caso
llegaron a a fabricarse pero hay también
entra en contacto con Walter pac un un norteamericano estudios
sobre las culturas precolombinas mexicana,
donde también asisten un cierto a recuperaciones
de culturas originarias,
que se está produciendo en la modernidad neoyorquinas
y el regresa a París en el año veintiseis
y en el año 28 paralelo hacer definitivo la.
La una exposición que se realiza en París
sobre las artes antiguas de América.
Qué va?
Es digamos, un un hito,
un punto clave digamos en esa modernidad parisina
esa.
Esa exposición Torres García
a partir de allí él estaba vinculado a los neoplasia visita
a todo el tema del constructivismo y muy paulatinamente va a empezar
a pensar en la idea de conectar ese constructivismo europeo,
en el cual él estaba formado, con justamente el constructivismo,
que empezaba a advertir en lo que eran los conjuntos arqueológico
-americanos sin calco, particularmente en el año 34
pasa por Madrid,
donde organiza un efímero grupo de arte constructivo
y realiza una exposición en la Biblioteca Nacional
en el Centro, tal el catálogo, y en ese mismo año
retorna a Montevideo, donde al año siguiente va a crear la Asociación
de arte constructivo que a principios de los años 40
la va a convertir en lo que te dan vuelta al señor
Torres García.
Digamos que es la misma idea,
pero con algunos algunos cambios y con un fuerte componente,
sobre todo pedagógico, que marcó y sigue marcando,
inclusive a varias generaciones de artistas uruguayos
el.
Se va a dedicar no solamente a lo que era la obra plástica
y a la parte pedagógica, sino también a esta parte pedagógica
plasmarla en publicaciones.
En conferencia hay un libro, por ejemplo,
se van a quinientas conferencia Torres García
y para decirles simplemente
el volumen de trabajo teórico cierto que realizó es indudablemente,
hasta la diría la la llegada de César patronos
porque quien hablaré más adelante, que consideramos casi el segundo gran
teórico cierto de este de este tema que estamos hablando Torres García,
es un poco el que sientan las bases de esa conexión definitiva
entre la modernidad de lo precolombinas
entre lo precolombinas y la propia modernidad,
rescatando ya no solamente, como veíamos en los años, 20,
la forma,
sino también intentando recuperar el espíritu constructivo
que radicaba, digamos, en esas, en esa conjuntos arqueológicos
y también en el tema de los textiles,
que va a ser bien importante.
Por tanto, no hay una de sus de sus obras,
la metafísica de la prehistoria americana,
que lógicamente divaga dentro de la de esa desafinamientos publicada,
además por la supresión de arte constructivo de Montevideo
en sus propias obras.
La construcción en blanco y negro,
una especie de como llamó alguien una geometría sucia
tienen una geometría perfecta;
este digamos de líneas esté muy muy definida
sino así un poco más esté más difuminadas,
pero también es cierto, con la introducción de elementos
como la palabra hindú a América,
como un lagarto como una máscara,
como la referencia limpia al sol,
este inca y coincidir donde se ve claramente ya en su propia producción
esa conexión entre lo que el bagaje europeo y la inclusión de elementos
o de signos americanos,
que va a tener uno a su punto culminante
en ese mismo año en el monumento cómico que está en las afueras
del Museo Nacional de Arte visuales, en el parque rodado de Montevideo,
donde además nos cierto él no solamente es esa recuperación
de los signos, de la de la antigüedad,
sino también la conexión con los signos,
el mundo actual es decir porque allí hay básicas
hay máscaras allí limpie el sol Colibi dfi varios elementos
signo que vienen del del mundo precolombinas,
pero también hay barcos, hay trenes,
hay llaves.
Hay este bueno bueno, si es que también estaban presenten
el, lo precolombinas.
Si vehículos
que forman parte del mundo relojes que también forman,
forman parte del mundo contemporáneos,
ir era esa idea de recuperar, de ir al antiguo recuperarlo,
pero relanzarlo desde la propia modernidad,
muchas de sus de los artistas,
que se forman con conecte con Torres García,
tanto en la selección de arte constructivo como luego en el taller
Torres García van a hacer también emigrantes,
como el caso de Gonzalo Fonseca,
que va a erradicar durante muchos años en Nueva York.
Va a vivir también un tiempo, tenía taller en el norte de Italia,
les pongo alguna obra en Nueva York de a principio de los años
60 Torres García murió en el 49,
pero como digo, su discípulo siguieron y hay
varias generaciones de ese taller -Torres García hubo otro que sí llegó
bueno.
Los dos llegaron a formarse directamente con con Torres
como al seu Ribeiro, que vivió y falleció hace algunos años
por la los últimos años, subirán en Palma de Mallorca,
donde también continúa produciendo dentro de los lineamientos
de la de la, del cáncer Torres García,
otro caso de artista emigrante
que además trajo la la huella directamente a España y al revés,
es decir, España y españoles en América,
artista del conocen sobradamente, Jorge Oteiza,
escultor que en el año 35
viaja por primera vez a a Sudamérica
el a Santiago Xylella y a Buenos Aires,
sobre todo donde va erradicar allí esta obra.
Es del año 35, realizada en Buenos Aires
estuvo en la exposición en antes de América,
en el cemento coloreado,
pero donde digamos hay una remisión muy clara al tema
de las culturas autóctonas americana,
idea, aunque es cemento coloreado, aprobada la idea de obra
un poco la la idea de lo que de lo que transmite
y, sobre todo, pues ese carácter primitivo que lógicamente
ya se había empapado de ello en Europa,
pero que continúa en América.
Su labor a más importante de Oteiza
la va a realizar tanto teórica como como práctica en Colombia,
y fundamentalmente en una ciudad que es popa
en una ciudad del del valle del Cauca,
que él donde él va a no solamente realizar obras,
sino también a ejercer como maestro y sobre todo va a dedicar celo
a continuar en este tema de la de las culturas autóctonas
americana, haciendo un estudio muy den una visión muy moderna
de la interpretación estética de la estatuaria.
Megalítico americana, con particular enfoque
en la cultura, agustina.
Gana la cultura San Agustín que es una,
digamos de las culturas originarias de de Colombia en en popa.
Jean va a tener, como discípulo a Garnet dret que comienza, digamos,
a formarse con él, también dentro de estos lineamientos,
pero en un momento determinado corrupción final,
en los 50 principios,
de los 60, los 50 no va a marcharse a Nueva York
y entrar digamos en otra, en otras dinámicas,
pero siempre manteniendo el tema de las culturas, precolombinas,
pero ya con otras estética,
como el caso del del trono de Atahualpa
tras una o una obra.
Como ven, este tardía 1998,
que estuvo a punto venir antes de América,
pero finalmente debemos desistir por la por,
de donde provenía de Colombia,
justamente no podíamos traer obra de allí y al final eta
no obstante, presente en todo lo que es el electe,
el proyecto, está el puzle, esta obra particularmente porque el diola
entrevisté a al en su casa en el año 98,
esta obra en la que estaba haciendo en ese momento,
y me hizo un relato muy grande de todo lo que significaba
el hacer esta obra para el entonces.
decía que se imaginaba cómo el conquistador español que va llega
y que se va acercando a Atahualpa,
y que de pronto llega a un cierto a Atahualpa
asentado en un trono.
Entonces, él toda esta interpretación,
es lo que quería volcar en esa obra,
que por supuesto una obra muy, muy contemporánea,
que tiene estos detalle, cierto tejió Métrico
que en pocos remiten a esa esa idea de lo de lo precolombinas,
como ocurre también con otro artista del del metal, otro otras cultos
del metal colombianos casi cuando se nombra Negrete.
Nombra también a Eduardo Ramírez islamizar los años 80 90.
Realiza también varias obras,
como este recuerdo, de Machu piche, en vinculado también
de una manera absolutamente moderna y abstracta
a las culturas originarios in caigas en su caso particularmente.
Dentro.
De elogio de lo geométrico.
Indudablemente.
El personaje que yo había mencionado Joseph Albert
es esencial desde el punto de vista cierto
de conectar la geometría precolombinas con él
con la abstracción geométrica moderna.
No pongo esta obra de esta idea de la mirada que en buena medida
tiene al ver no solamente de la mirada vista
de deferente.
Es.
Decir la idea de una pirámide sino la idea también
de intentar verla como si fuera un dron.
No cierto.
Perfectamente.
Desde arriba esa idea de los de los cuadrados
este concéntricos en caso de Chicho.
Inicia uno de los sitios que visitó junto también a a mí la Montalbán
se irá.
Tenga Lluc avaria de los conjuntos arqueológicos
los albert el matrimonio realizaron.
Creo que lo dije.
14 viajes en total a Latinoamérica
en todos sus años a partir de los años 30
también es cierto la el bueno los diseños
el estudio se dedicaba a monte al van justamente al principio
de los años 40 o por supuesto.
Mucho.
Tiene que ver.
También a lo que fue la serie más.
Longeva.
Y más conocida de Albert.
Como es.
El el homenaje al al cuadrado.
Gandhi.
por supuesto, continuó con la idea de los textiles a lo largo
no cierto del tiempo.
Les pongo uno de los ya de los años 50,
Tihkal también la referencia a la conjunto arqueológico
más de acatan en territorio guatemalteco
o también el tapiz que realiza para el hotel Camino Real;
un hotel que se inaugura con motivo de la, de la acepte, olimpiadas,
que se realizan en México, en este año que fueron un tape,
y que en un momento determinado fue quitado de allí
desaparecido por completo y aparecido de nuevo hace tres o cuatro años
enrollado en el sótano de del propio hotel,
donde había lo típico de este tracto que se dejan
y problemas de pronto.
Había algo tal.
Lo sacaron, y era el tapiz de de animal en los restauraron,
y creo que finalmente lo terminó comprando un coleccionista privado
o alguna calle ahora en este en Estados Unidos
tengo entendido no no no la certeza total bien otro emigrante
en este caso alemán que también muy vinculado a las vanguardias españolas
de mediados de siglo,
como Mathias adherits, que es uno de los impulsores miembros del grupo
de de la Escuela Altamira en Santander a finales de los años 41
poco antes ya de viajar de manera definitiva,
lógicamente seguirá itinerando, pero 11 a finca, en México,
y donde, entre otras obras que nosotros en la exposición
tuvimos una maqueta de esa de esa obra de la serpiente.
El eco, como ven es principio en los años 50
una obra que tranquilamente podríamos caracterizar
de minimalista, no muchos años,
muchos años antes de el movimiento minimalista internacional realizado,
pues lo que antes, una, una,
este la idea de una, una serpiente al final la la cabeza,
la serpiente es una coacción de que marca justamente
esa conexión,
también ser todo una ser moderno pero arraigado con lo
con lo precolombinas de una manera, da por mal,
o sea, ya está en la exposición
La la primera sección se llama registro de interpretación.
Lo siguiente.
La interpretación e identidad,
que hablaba un poco de los años 20 30,
la tercera sección se llamaba identidad de invención en.
Sirve como ya los artistas comienzan libremente
un cierto inventarse historia,
a tener, digamos, no tener que tomar lo puramente formal,
sino encontrar también su manera de inventar los nuevos,
los nuevos lenguajes en caso también Becker.
Estuvimos exposición este mensaje dorado en el año 60.
Lo pongo al lado de una recreación de un muro de oro.
Este del antiguo Perú, que conocimos en el Museo del oro
de de de Lima tiene digamos una relación también formal
pero podríamos inclusive darle un tono más contemporáneo al mensaje
Dorado de cariz y conectarlo, digamos,
con el espacio al ritmo de el argentino.
Lusió Fontana, milana que tiene, digamos, esta misma esta misma idea
no cierto de crear la dimensionalidad dentro de la obra plana,
victorina Durán española vinculada al a los surrealistas de los años
de los años 30.
Formada en este, en escenografía y diseño teatral
en general, en los años 20 31 artista que nos descubrió
Carmen gaita, Anza,
Lina investigadora de aquí de de Madrid malagueña.
En realidad,
pero que trabaja en el secipic, en Madrid
y que va a terminar exiliada en Buenos Aires,
va a llegar a hacer, inclusive y directora del teatro
Colón en Buenos Aires, y rescatamos.
Tuvimos una exposición, dos diseños trozos de él,
de una de sus, de sus obras, vinculadas a Lope.
Reconvino más concretamente al mundo.
Este andino Fortum en el caso de las de Tejedor,
a la de la derecha, el teatro de Indias,
de el año 63, como se va,
vemos esa prolongación también en el tiempo,
pero siempre con modernidad, magra franca,
una ilustres conocida ya ahora.
Por suerte, algo menos.
Es una una artista que, de origen húngaro,
que toda su familia va a hacer terminada
en la Segunda Guerra Mundial, solo ella hay un hermano de salvan;
ella hace, va, digamos, Argentina comienza digamos un una especie más
sobre todo de regeneración personal y encuentra un sentido justamente
en lo más lo demás raigambre en América,
que era justamente lo precolombinas y comienza,
sobre todo, interesarse por la cultura precolombinas,
y sus realizaciones comienzan también a desarrollarse en ese mismo sentido
en los años.
Va a vivir un tiempo en Buenos Aires,
luego va a París, luego vuelvo a Buenos Aires
y es una emigrante entre entre Europa y América.
En los finales de los 50 principios de los 60 entre marró,
cuando era ministro de Cultura en París,
le encarga la realización de cerca de 30 culturas
en distintos puntos de de, de Francia, en París,
en plazas en rotondas, en escuela, todas ellas la talla,
mano y siempre siguiendo el tema de lo precolombinas.
Prácticamente todas esas culturas
se siguen conservando en su sitio original.
En exposición tuvimos esta bueno toda su,
lo que quedó su taller y sus obras.
Están en Buenos Aires, en manos privada
y ellas nos prestaron para la.
Para la exposición.
Esta cultura que aparece la izquierda,
que la pueden ver en la foto de la de la derecha
hay una exposición acompaña.
La.
Acompañando al Agen,
primor y aquí a la izquierda tiene un de espaldas la obra de Oteiza
que le mostraba este anteriormente, no allí al fondo.
Una obra de Rosa en ver dónde están las dos mujeres.
Mirando la misión Saura y a la izquierda
de otro artista que les voy a hablar en seguida,
que es Alejandro puente.
Otras artistas y esta es muy importante
no solamente magra Frank, sino también la Chilena,
Martha Cool Bin la boliviana que emigrante Bolivia
y este y pero hubo decir y tiene hay un museo
Marina anónima del Prado en la paella y museo de Marina Nuño del Prado,
en Lima.
Casi la la Mónica artista,
que conozco que tenga museos en dos países distintos
o la peruana lamente de origen holandés, li camo tal.
Es decir, también actúan en exposición,
que marcan un ligeramente acuciante de artistas dedicados
a la talla en piedra en todos esos años.
En la fotografía, también dos estadounidenses,
una más antigua, laborali pin,
otra actual, que sigue por supuesto trabajando,
que es Marilyn brick, donde vemos a cierto tanto
los conjuntos arqueológico en el caso Marilyn
-Ingrid, todo ese trabajo en las líneas
de nazca, que fue tan muy importante para los Landa artistas como Richard
como Michael Alcer, como Roberto Vito, es decir,
artistas que tuvieron muy en cuenta el lo ver Morris,
que tuvieron muy en cuenta el el tema de la línea de nazca casi tomándola
como un referente o como un antecedente
de lo que era el propio.
La andar, no sea un reconocimiento también a a esas,
a eso cept a esos testimonios que cada tanto uno ve en la en el canal
de la historia de Estados Unidos que hablan
de que, bueno, nos tiene que haber sido hecho por extraterrestes,
porque nunca la mano humana pudo haber hecho esto que claro,
esta cuestión.
Si hubiera estado en Estados Unidos, seguramente era nuestro antepasado.
Pero como hem perdut ha dado en haber sido,
los extraterrestres no, pero que lógicamente ahí tiene
esa esa, ese reconocimiento por parte
de quienes eran un grupo de creció momento.
Era puramente vanguardia en fotografía
también otros dos emigrantes, uno italiano Graziano Gaspar,
y ni qué va a emigrar a venezuela, a finales de los años 40
formado como arquitecto, con Carlos carpa en Venecia,
que además va a hacer el que va a promover
de que el pabellón venezolano en Venecia,
lo construya con los carpa, va a crear un un premio,
el premio Graciano de pintura,
en en Venecia, en los años 50,
en un momento que todos sus compañeros artistas estaban,
digamos, en la ruina después de la Segunda Guerra Mundial,
y él empieza a tener mucho éxito como arquitecto en el momento
del desarrollismo venezolano.
Yo tenía 28 años y crea ese premio sin un chico muy joven
y que también tiene, digamos, nacer y es fotográfica,
sobre todo en el, pero a principios de los años 60,
o el chileno con apellido, catalán nekazal,
que va a radicarse en el Lima y que también es cierto
en ambos casos.
Recuperan esa idea de la mirada moderna, geométrica, casi abstracta,
de lo que eran los conjuntos.
Este arqueológico del antiguo.
Pero fundamentalmente y artistas que trabajan en el fotografiado
de la edificios ya modernos, casi poco diría no tanto,
el neo-precolombinas, que también es un neo de neo,
podríamos decir que también.
Mario Silva, si él tuvo en exposición optativo
aquí mío un bueno, Mario Silvana, es un peruano,
pero no ha sido en Chicago,
que luego viendo Frankl,
que pasa Lima, artistas como muchos de hoy,
que están moviéndose permanentemente o el fotógrafo de origen japonés,
esta tregua Quini o que vive en San Paulo
y que realizó hace muy pocos años una serie en el Alto
en Bolivia lo ha dicho dos meses allí para fotografiar las obras,
el arquitecto Fredi Manning -silvestre, ambos y José Manuel va
Lecter lunes, Grover y el mexicano, Pablo, Lope.
Luz van a estar todas sus obras en esta línea,
en una exposición que vamos a inaugurar en casa de américa
el 19 de septiembre, que se llama del nuevo
al poco arquitectura contemporánea y al rey precolombinas,
tomando justamente como referente.
Hay alguna fotografía de los pabellones de Sevilla
del 29 acta edificios actuales,
así que sirve también de de invitación
a ese proyecto nuevas.
Ahora va a seguir siendo un centro neurálgico
también no es cierto lo que es la producción de artistas
del de los otros países de América,
que se erradican allí y que siguen trabajando,
tema de la geometría, el tema de la abstracción
o el tema de los referentes también ancestral ica
como el caso del chileno,
Ricardo ira, raza, val o el menos también poco conocido
por lo menos fuera de su de su ámbito nacional,
Rodolfo Emisan, que en los años 60 están produciendo también
y exponiendo en distintas galerías de nuevas obras
vinculada como es el rostro de,
y que permite claramente una máscara,
o esta barca de la serie y la codicia poco vinculado a la conquista.
Con el tema del la presencia del pan de oro en el medio cierto
o como como elemento destacado en la obra que muestran también Eza,
continúa vuestra presencia, clave y en Eza,
siempre con lenguaje moderna,
de modernidad y también muy personales por parte
de los artistas.
El caso de guatemalteco
Alfred llancem Chiva,
ubicado definitivamente en Estados Unidos,
y esa estructura mafia o otro, también emigrante,
un guatemalteco pero que vivió prácticamente toda su vida.
En México, como es Carlos Mérida en esa obra,
que sí estuvo expuesto, un tapiz en la en antes de la media,
como ven lenguajes absolutamente diferente,
pero siempre con esa remisión a lo antiguo Enrique Tábara
también presenten con adivinación en la exposición autor,
a finales del perdón, a principio de los finales,
de los 50 principios, de los 60,
también de varias obras dentro de esta línea ancestral,
pero radicado curiosamente en otro sitio impensados,
que era Barcelona,
en un artista que estuvo muy vinculado a mode Escúzar,
a a Tapias y a todo ese conjunto artista donde él digamos,
toma la la cuestión,
materia rica y la cuestión abstracta, mata Érika junto a ellos,
pero comienza a desarrollar también
una línea vinculándolo al pasado precolombinas,
como en el caso de esta zozobra.
Caso de Tapies que les mencionaba, también es presencial,
digamos en la consolidación de este tema.
Ahí tiene una obra del Reina Sofía
de mediados de los 50 que da la exposición actual.
En la retrospectiva
y Tapies va a tener mucho tirón en el Sudamérica,
porque finales de los 50 principios de los 60 se realizan
no solamente algunas posiciones de pintura moderna, española,
donde otra toda la escuela catalana tiene una presencia importante,
sino también exposiciones individuales del propio Tapia,
que van a marcar también a toda una generación,
fundamentalmente en sau Paulo, en Montevideo y en Buenos Aires.
El caso de Buenos Aires lo va a marcar a se estar patronos artista
que mencione este anteriormente
un artista vinculado también al dicen, porque en el año 2018
su una una exposición individual aquí y que pero que al principio
un artista que lo conocemos más por su abstracción geométrica
pero que al principio de los años 60
el mismo reconoce la influencia de Tapia no decir esa cuestión,
materia pero vinculada a él al a la forma precolombinas
no, este es el acto, como digo, de principio de los años 60
ya luego verán lo que es en los años en la década siguiente,
aquí justamente para él va a hacer definitivo un viaje que realiza
en el año 77.
Primero y otro más fundamental, en el año 79,
a los conjuntos arqueológicos de Cuzco,
es decir,
a la ciudad de Cuzco amateur, bicho apis, a pizá, caballo anta y tambor,
es decir, todo el circuito arqueológico de esta zona,
y comienza, digamos, a pensar de otra manera.
Es decir, esa esta piedra, esculpidas de Cuzco,
generalmente cuando se estudiaba hace estudiado dentro de lo arquitectónico
y el empresas, si no, esto es cultura.
Todas las culturas de gran formato, si son rocas talladas,
no es una obra habitable.
Aunque pueda hacer un trono donde uno se pueda centrar,
pero no son ahora habitable, no hay que ver la arquitectura,
hay que verla, digamos, dentro de la de la cultura,
y comienza también a pensar en el tema de los textiles
y también esa gramáticas geométrica no este es el, la tapa que él diseña
por un diario de viaje que estuvo en exposición
y alguna de las fotos que él toma justamente en esos, en Sofía y obra
que realiza prácticamente a la vuelta.
Es decir, comienza a pensar en, sobre todo en una en una,
en el tema del color.
Es decir, el color,
este mafia ente rozo de, de que ve o advierte, digamos,
en esos conjuntos arqueológicos Nazaret aguantin,
que en realidad eran cuatro papeles distintos que él para la expulsión;
antes de América
decidió que se iban a convertir en una única obra uniéndolos 4,
los 4.
Este pedazos, por así decirlo,
y ya digamos el la parte de su obra teórica
conectaba con con Torres García,
y fundamentalmente esa esa piedra abstracta, se publica en el año 89,
donde justamente formula esa cuestión cierto
de entender esos conjuntos como grandes esculturas,
sino como arquitectura y, por supuesto,
también hablando del tejido,
hablando de los álbert, hablando de Torres García;
en fin una de;
y de Henry humor de muchos artistas que en definitiva,
habían trabajado y que para nosotros este libro
y otros que realizó posteriormente, fueron un avance importantísima
para también diseñar nuestro propio proyecto,
Alejandro puente, que les mostraba en la la la foto donde se veía
la exposición allí al fondo con el;
los un artista que también empieza siendo minimalista, en Buenos Aires,
en a finales de los años de los años 60.
Qué pasa?
El pasa a Nueva York, que va a exponer
lo que es la exposición fundamental del minimalismo,
que informáis o no en el moma, en el año 1970,
pero que en el año 71
decide regresar a a Buenos Aires y mantener la idea de lo geométrico,
pero de lo abstracto,
pero vinculado directamente a las culturas originaria.
El día 19 de septiembre.
Además, esa exposición del nuevo al poco de fotografía en la casa.
América se va
a inaugurar una exposición con una 10 o 12 obras,
entre ellas esa que ven allí hubo inculquen ahora de bastante.
Era formato el mismo dos por dos medio,
en la, también, en la la caza.
América esto es este.
Estos artistas, no para hacernos to
Alejandro puentes.
Están trabajando nuevas yo lo mismo que la cubana
Ana Mendieta, que también va a entrar en esa serie de esculturas.
Rupestre cuando realiza un viaje a cuba
y otras otras cuestiones muy vinculadas al al cuerpo femenino,
o el caso también de la Chilena Cecilia, Vicuña,
que ya les mencioné anteriormente, que llega a nuevas
de honor a principio de los años 80.
Sigue viviendo este allí
y produciendo dentro de la cuestión de los de los textiles,
fundamentalmente y casi para para terminar
2; hubo algunos artistas más también emigrantes dos peruanas,
pero que viven en Estados Unidos, cuc un nivelar de ganador bego, zoo,
también estuvieron presentes en este en antes de América.
Realizan una parte de su, de sus obras,
las realizan también vinculadas a las culturas precolombinas
en el caso de ambas, también de la,
digamos del pasado colonial.
Este peruano mezclándolo a veces con el feminismo,
es decir, haciendo un utilizando estas obras
también con un carácter conceptual de fondo,
como también la peruana empiezan dramas, pero peruana,
como digo, pero radicada aquí en Madrid,
que es la representantes este año de España, en la Bienal de Venecia,
que en la exposición tuvimos rojo indio,
una obra de hace cuatro o cinco años donde él habla también
es cierto y por eso digo era un poco volver al volver al principio,
es ir a empezar a hablar de ese acopio de esa acumulación
en bodega, sobre todo en bodegas, no tanto en salas de museo,
de las obras de arte precolombinas y su amontona amianto.
Entonces, esto es un montaje que hay en el Museo Alarcos,
moción en el Lima, que es una zona donde una entrevista
prácticamente un horror Vaco y de de de obras de cerámica,
y donde trata también o cierto
de el tema de la, de la colonialidad,
el tema del expolio a sin esas son un poco
los temas que ella desarrollada en estas obras
y también el sentido que tiene el pabellón español de Venecia
de este de este año o gala porras de origen colombiano
aunque con madre
Corellana que viven los ángeles y también esa cuestión
de de circulación, de casi de identidades
en una misma persona.
Obra también que estuvo en nuestra exposición
y que son artista que una, una de sus de sus línea
ha sido la, la reivindicación.
León, Trajano almorzado vivo
y fundamentalmente de la necesidad de de estas obras,
también que están allí en Estados Unidos de vuelta
a sus lugares de origen, a Yucatán fundamentalmente
por unas obras que fueron quitadas de fenol, grandes piscinas naturales,
que hayan Yucatán y decía no solamente que realizaran
a México, que fueron devueltas a los propios buenotes,
hundidas al agua para recuperar su sentido simbólico, lógicamente;
mandaba carta, sale directora del museo para escritor más,
que era lo que antes, sabiendo que iba a ser imposible,
pero al menos digamos como una especie de acción artística
de de reivindicación,
y con esto termino esta fue la el cierre
de esa exposición donde se ve, en estas dos últimas obras que le mostré
a la izquierda, la de san dramas, rodeada de no solamente piezas
precolombinas originales de cerámica peruana,
sino también de artistas como Amador,
gozó como cúpula nivelar de, como Susana Torres rodeando.
Esta obra y la otra que está más vinculada a México,
también es cierto,
con obras de artistas mexicanos también,
reinterpretando reinterpretando dado una forma
absolutamente contemporánea, hasta por ejemplo,
era muy entretenida, está está ahí, está que tiene un código.
En vez de cara a tiene un código qr,
donde uno escanea va y los llevaba al proyecto,
que se llamaba palio, futurista como un nombre ací tenía
el por parte del artista y lo llevaba, digamos,
a su proyecto artístico vinculado a este tema de la cerámica.
Como digo, desaparece
y esas dos últimas secciones que realmente eran,
como en el izquierda textiles detectives
y luego cerámica tenían, sobre todo la cerámica,
tenía dos motivos para nosotros fundamentales.
Bueno pensamos mucho cuál debía ser el final de esa
de esa exposición se recorrido, y lo pensamos.
Primero, como un homenaje a las escuelas, arte y oficio,
el signo, terminar con pintura de escultura,
sino con textiles, y cerámicas,
con siendo bueno este marcando cierto el territorio de que este,
este tema realmente fue originado, fue potenciado,
no la grandes academias sino la secuela.
Perfil solo se tenían generalmente como menores,
pero también recuperar esa idea cierto de de un montaje
como un almacén de museo,
que está donde están en buena medida,
confinada esas obras, luego de esos, este expolio cierto del siglo xix.
Muchísimas gracias por la atención y al centro.
La mera activos.
Todavía.
Ahora parece que sí sí, gracias y bueno mi nombres Luz
y quería agradecer al museo, al área de educación
y a la UNED por por por los temas, por la oportunidad
y a Rodrigo por su enorme trabajo que como decía, que como latinoamericana
pues escucharle y visualizar estos artistas es estupendo
y no sólo como en una enumeración y no y no de forma apartada,
sino creo que lo el gran aporte.
Todo este trabajo es construir hilos
y que estén un entramado no entender que hay relaciones,
que esta idea del viaje y la migración
lo que hace es tocarnos y que eso transforma,
y quizás identidades se van transformando y van van,
van creando nuevas cosas muy en relación todo,
pero que hay que hay eso que hay unión que hay que ahí urdimbre,
que nos tocamos unos a otros
y que está presente de un lado
y del otro en un como en un en un balance no y pues ir rompiendo
e ir abriendo esa brecha de una mirada,
no desde un punto de vista como superior inferior
o uno que le da o uno que enseña al otro.
Uno que tomás unilateralmente del otro,
sino como cómo esto se van nivelando
y como como estamos dentro de las diferentes
y las particularidades, aportándonos y constituyéndonos
unos a otros.
Así que nada, gracias.
Nada.
Muchas gracias, luz, y, la verdad que qué?
Tu comentario ha dado en el la tecla,
digamos, de una de las cuestiones que para nosotros
fue muy, muy este relevantes y un poco lo deje entrever
en algún momento dijese comentario de De qué a veces el el arte bueno
hubo esa separación o ciertos a esta cuestión
de Estados Unidos de apropiarse del término
América que en buena medida era para que el resto
fuéramos latinoamericanos, pero para hacer digamos,
una diferenciación y esa recuperación tan importante del del término
América para todo el continente no.
Y qué es, digamos, un una,
una cuestión que luego uno la la ha visto,
la ve todavía que funciona en el sistema del arte no, es decir,
el el arte latinoamericano como una etiqueta,
que no se la sacó ni mata viviendo no sé cuántas décadas en París,
es decir, siempre era el artista chileno,
el artista tiene,
o sea, esa cuestión que decía Luis Felipe no del pasaporte,
no la exigencia del del pasaporte, cuando nadie, este o Luis Carnicer,
decía.
Dice.
Parece que si uno dijera y esto lo decía ya en los años 60,
que si 1.
Hablara de Ferlosio como un gran pintor neoyorquino.
Este parecería una,
una herejía no porque tiene que ser necesariamente universal,
porque desde Nueva York es decir entonces la cuestión comedor
de generar una especie de hegemonía,
que al final convierte al latinoamericano
en el hermano pobre del sistema.
Así por qué?
Porque si si no hace lo que hace, se hacen nuevas your,
o en Europa está fuera del relato,
porque hace algo distinto, en cambio,
si este sí hace algo de lo que se hace en Europa nuevas,
yo entra sistema, pero entra como subalterno cielo.
El hermano pobre del sistema.
Entonces esta para nosotros era muy importante
el hacer una lectura donde coexistiera Frank rey con más
da Frank donde consistiera lo hacen ver con Alejandro puente,
y donde no hiciéramos en este sentido ningún tipo de diferenciación,
que es viera,
de que digamos, las creaciones pueden ser buena,
no importa el lugar donde provengan, y no importa si tu obra vale,
no sé cuántos millones de euros y la y te puedes comprar una obra
de uno de ellos por 3.000 euros.
Entonces esta era una cuestión a diríamos,
democratización que para nosotros fue muy importante dentro del proyecto,
sino una, un proyecto que nace como un proyecto latinoamericano.
Una idea latinoamericana podríamos decir
pero que incorpora a Estados Unidos, a Canadá a Inglaterra,
a Francia y al ya que cea.
Es decir, no nos importaba la procedencia geográfica
y digamos mostrar que era un tema que se había tratado universalmente.
Se oyen.
Vale, yo me llamo Carmen, soy canaria,
sé perfectamente lo que son las Migraciones,
y vamos y hoy visité tres veces la posición esta que nos ha expuesto
ahora y hoy la entiendo mejor.
Muchas gracias.
Muchísimas gracias y muy interesante en el caso de las canarias,
además, dudable de Josefina Pla.
Sí Sí.
Por qué ese concepto que ha estado durante mucho tiempo
y hasta hace poco de centro periferia,
por qué?
Porque periferia periferia de que centro y el Centro,
porque el centro es es decir, innegablemente,
que hay cosas por Europa que han pasado ya
sea, nos ha influido y nos ha marcado mucho
las propias trayectoria, indudablemente,
y eso no, no hay que no hay que negarlo, digamos.
Pero la importancia de pensar, de nosotros mismos
no Gerardo Mosquera,
el el reivindican océanos arte latinoamericano,
arte 13 en Latinoamérica,
decir qué es lo que proponemos desde nosotros mismos
y sobre todo también no solamente como una cuestión
para sacar hacia fuera, sino también para tener un desarrollo interno,
es decir, sin los condicionantes económicos
del gran macrosistema internacional muchas veces,
pero donde también es muy importante lo que lo que se produce
para uno mismo y vinculado a la comunidad donde se desarrolló
y decía lo de lo de las Canarias.
Pues no solamente el caso de, de Josefina Pla,
está también el caso Antonio Padrón, por ejemplo,
a porque se se ha olvidado su memoria.
Dña, digo soy, yo soy tinerfeña,
y cuando te lo oí decir Dios dio quienes escéptica,
que tiene un apellido catalán, yo tengo un apellido.
Casariego totalmente del norte y del norte de España.
Pero mi padre, nación Tenerife, mi madre era madrileña
y como mi padre lo destinaron a Tenerife,
pues ya ella se tuvo que ir, vivían aquí en Madrid,
pero sacó unas oposiciones y se fue a Tenerife,
y entonces claro, yo ya han así ya hermano mayor nació
quien Madrid, pero ya yo ya la siguiente me dice.
Estudien tener Erice
y después, cuando vine a estudiar a Madrid,
porque mis abuelos seguían viviendo aquí en Madrid
y ya eran mayores.
Entonces para ello estamos cuidaban a nosotros
y nosotras no éramos cinco hermano.
Mi madre desolada allí en Tenerife
porque databa totalmente de su, muy cada,
con un montón de niño y, bueno, pues así nos tocó vivir la época
que nuestros bóvidos.
No iba a decir
que la la de lo que era la influencia de Torres García.
Cuando uno ve las primeras obras de Manolo Millares
antes de la obra más conocida,
él empieza ya yo hablo Millares canalla.
Bermán Riqué si no prodigo que las primeras horas
manolo millares están muy marcados por el por Torre García,
porque su libro universalismo constructivo.
Se conocía.
Buenos días, un crecen un comentario este hilo,
y es que de los autores que han mostrado el 99 por 100
para mí han desconocidos los que si eran
conocidos curiosamente siempre he hecho referencia a Nueva York,
o sea siempre porque nos conocemos a través de esa gran potenciando
que nos gracias a distribuidos existe aparte de esta experiencia
alguna otra redes, algún otro centro
que esté potenciando el arte arte latinoamericano
o aparte de Nueva York.
Bueno, uno puede hacer genealogía de todo ello, es decir,
Nueva York es un centro claro, pero también lo es París,
es decir, París continúa inclusive el fenómeno Nueva York
como destino esto lo que me lo ha contado paterno,
actos, me lo ha comprado otro artista, hablo, a mí lo escriben
o lo comentan ente en entrevistas.
Para ello, hasta principios de los años 60
seguía siendo el destino, parece decir,
el sueño de ellos era ir a París no, no a nuevas dolor.
Lógicamente, si uno ve, por ejemplo,
todo el tema del arte, cinética o no, los venezolanos Crucis
que su Rafael Soto, Julio, le que sigue trabajando,
tiene 96 años me parece y sigue viviendo
en entre París y Carboneras, en Almería García Rocío;
en fin, toda una una serie artista que continuaron digamos en París,
pero también hay y hoy, por ejemplo, particularmente muchos Madrid
-Madrid es un centro este increíble si uno hiciera un mapeo hoy
de los talleres de artistas latinoamericanos,
que están trabajando acá; sumado a coleccionistas
que han venido también a instalar parte de su corrección
o toda su colección a España, y a Madrid
con particularmente una cosa también o cierto Barcelona.
En algún momento.
Si hay hay distintos, distintos focos,
hoy está claro mucho más expandido y sobre todo,
hay un nivel de información mucho más grande,
sea una circulación de información y de gente,
y el tema de la Bienal,
el tema de la feria este pues al final termina también
creando una red donde casi ya está no es tan importante donde están,
no?
En parte sí;
pero en general,
pues ahora es gente que va de un lado.
Para otro, y que que casi
esa idea del pasaporte, digamos como los a la vida
y tal, ya casi también se va perdiendo, no, y casi hay veces
como que da igual de dónde viene nota.
Hacen el sistema y y punto no.
Bueno, en primer lugar, mi nombre prístina,
y gracias por acercarnos esta exposición,
porque yo no tuve la oportunidad de ir a la Fundación
y me ha parecido una síntesis muy interesante.
Mi cuestión, más bien
es un planteamiento más teórico sobre la historia del arte en.
Sí me ha llamado la atención las referencias a la abstracción
y al tema de los textiles,
porque además, recientemente he tenido
la oportunidad de visitar la bienales de Venecia la semana pasada,
y lo pude ver en primera persona.
Entonces, claro, yo me pregunto, yo soy secundaria
cuando abrimos un libro y estudiamos la atracción,
se presenta pues, como casi que la última de las vanguardias
y el primer nombre que aparece es Kandinsky, no?
Entonces deberíamos quizá plantearnos una reestructuración
de la historia del arte en el sentido de a mí me hace pensar
que si la abstracción realmente es una evolución última
del arte en el siglo xx,
o si realmente sigo una trayectoria circular
y de alguna manera nos engancha a lo más primitivo,
no.
Bueno, pues es.
No sé si es una pregunta o una reflexión pero en fin gracias
entonces estás diciendo tú es que quiero añadir una cosa
sobre lo que está diciendo ella.
Yo creo que estamos como un poco vendidos
a una historiografía creada en el siglo xix
a partir del siglo decimonoveno, donde ni se nos tenía en cuenta
las mujeres, por ejemplo; o sea, es decir,
los catálogos y las formas y entonces, es decir,
tampoco se tenía en cuenta el comentario que has hecho tú
de la extracción, y no solamente una abstracción
sino una abstracción, que es en diálogo,
que me parece todavía mucho más interesante,
y de eso ni se toman y se dice.
Porque, claro, los istorio grafos eran.
Estaban aquí en occidente estos como era el ombligo.
Aquí no Entonces yo un poco quería unirme a esa mismo concepto
de por qué estamos, es decir,
por qué se tiene tanto en cuenta a estos historiadores
y no se tiene que empezar a hacer como una nueva historiografía
sobre una nueva valoración en este sentido del arte.
No, indudablemente, que la uniendo las 2,
los dos comentarios, indudablemente, si tiene que pensarse de otra manera
definitivamente definitivamente es decir por qué?
Porque vamos a ver, yo siempre yo doy en Granada
la de arte contemporáneo en la primera placer,
ya le le tiro al tema no fina anestesia,
y quedan así claro, pues tiene más o menos
un un esquema.
Este armado no, pero le digo que en definitiva
no hay nunca que olvidar esta inclusive en lo que le digo.
Es una historia construida,
es decir, en el fondo los historiadores del arte
lo que hacemos es construir historia,
pon elemento, los cuales tomamos una y descartamos otros muchos.
Por qué lo hacemos?
Bueno, cada uno tenemos nuestra historia de cómo hacerlo
y cómo, y de cómo pensarlo, pero si ustedes,
por ejemplo ven una historia del arte contemporáneo, universal,
no ya este tema universal es difícil de creérselo;
no dramas pluri-berzal es decir,
de varios versos, no un único verso no es decir,
y sobre todo cuando uno ve
y por ejemplo ve toda la historia de la vanguardia cierto
París París París bueno por supuesto los futurista italiano
los expresionismo alemán elevan las vanguardias rusas
y hay como otro centro, como decía,
pilotando en torno a París.
Pero qué ocurre en la historia del arte del siglo xx
en cualquier manual, cuando llega la Segunda Guerra Mundial.
París, punto aparte,
y empezamos con el expresionismo abstracto Nueva York.
Eso que historias es una historia falaz,
lógicamente, es una cuestión de una estrategia
que se arma nueva terror, eso que decía hacer de modo cierto
como nueva doble robo, el relato del arte contemporáneo a París.
Hay ahí como que comienza a pasar, y todo pasa en Nueva York,
y después las disputas en los años 60 de París,
que quiere recuperar ese terreno perdido.
Historia de esta, que en el fondo son invenciones,
es decir, mucho, mucha digo, es una una historia de inclusiones,
pero sobre todo son historias de exclusiones,
con lo cual yo dejé desde hace mucho tiempo de creer
en que tiene que existir un relato El arte universal.
No tiene sentido decir, porque cada uno tiene su, cada 1.
Tiene su historia
y, como es la misma idea del centro periferia, porque uno se dentro
y porque es periferias.
Argentina puede ser periferia, pero yo lo puedo tomar como centros
y pensarlo más en Argentina.
Conductas pillan, una historia del arte argentino.
Es lo que pasaba en Buenos Aires, yo soy del interior de Argentina
y quedamos fuera del relato que se creó en Buenos Aires,
es decir, que esos modelos hegemónico subalterno hegemonía
y subalternidad se crean en los propios países,
es decir, los sistemas que criticamos también;
a veces los producimos en escala menor.
No, como puede pasar también acan en España, no, es decir entonces,
eso al final termina invalidando esa idea del del relato universal.
Por supuesto, hay clave que uno puede dar mar
y tal y comenzar, pero bueno, yo todos los años
en esas clases de arte contemporáneo quitó cinco pantallas europea
y meto cinco de una de hacia otra, de África.
Se ha pedido que voy intentando aprender cosas,
las voy cambiando intentando dar otra otra visión,
por eso creo que sí que me decía.
Tú que hay que pensar la otra manera es importante.
Muy bien, ninguna pregunta más.