Ya estamos llegando al final,
y a mí siempre me pasa lo mismo, que empieza si nerviosa,
el miércoles.
Luego ya hablo contraposa otra, voy tranquilizando,
y cuando llego al viernes ya deba y yo estamos ya pensando
en el curso del año que viene, cansamos la, motivada y, y bueno,
cuando estábamos pensando en la programación de este curso,
Génova enseguida dijo: bueno, tenemos que hablar también
del viaje de la obra de arte.
Empezó a contar un montón de de anécdota y victoria.
Finalmente, que mira, ha quedado para el final.
Pero yo me siendo ahora la verdad que Rodrigo no ha dejado muy fresco,
yo creo con mucha idea, y pirado, ahora no estamos nada cansado
y terminamos, no sé con mucha energía,
yo creo entonces bueno, ajena o beba la conocer y porque, bueno,
hay gente, vosotros no que me estoy diciendo.
Yo he hecho las 12 ediciones de los cursos de verano.
No me ven en medalla de otra manera, que no tiene conocimiento.
Gracias.
Estamos un reconocimiento.
Cuando acabemos,
nos hacemos todos juntos una foto con los veteranos.
Pues claro que fue ajeno, viva, le pasa igual.
También ella habló de maría dolores antigüedad del Castillo Olivares,
pero yo recuerdo que va también en el museo desde siempre.
Entonces, bueno, nosotros sentimos también que trae su caja,
así que nada dejo paso a ella para que empiece su conferencia,
que interesantísima procurar hacerlo.
Gracias.
Muchas gracias a Ángeles.
Bueno, es un placer como cada año estar aquí
con todo el equipo del del museo, con los que trabajo también y bueno,
a esta vez me ha tocado así el momento final,
pero porque empezamos a repartir y me quedé para lo último,
y es verdad, cuando cuando hablábamos Rufino Ángeles y yo
y dábamos vueltas y ideas sobre sobre sobre temas posibles,
temas que teníamos para para las distintas conferencias,
pues claro, yo yo ahí reivindicaba digo,
pero muchas veces las obras de arte también viajan.
Las obras de arte también tienen un destino,
una historia propia.
Muchas veces las obras de arte abandonan a sus artistas
y luego tienen una vida propia al margen de esos artistas,
que las han creado, una vida propia
que muchas veces es se muy complicada.
Estos viajes muchas veces las llevan a lugares muy distintos,
donde a su bre son conocidas por otros artistas,
por otros espectadores que las hacen suyas,
y también es ahí donde tienen esa capacidad de influir,
llegando a un número mayor de espectadores.
En cuanto evidentemente cuanto una obra se exhibe más viaja más,
alcanza un mayor número de público,
un público además que sea de lo de lo más de lo más variado.
Entonces me interesaba un poco poner
o reflexionar un poco sobre eso.
Claro, cuando me puse a trabajar
se me fueron ocurriendo todo tipo de ideas, muchas,
muchísimas ideas, muchas, muchas obras que han viajado,
pero necesariamente he tenido que hacer un poquito, una,
una selección.
Entonces he querido seleccionar historias,
pues de lo más variado desde como por ejemplo ha insistido,
por supuesto siempre en coleccionismo relacionarlo un poco con eso,
un coleccionismo que a veces ha partido de artistas galeristas
como ha habido siempre un intercambio de de obras
y como ha habido historias de lo de lo más variado.
Desde obras de arte que se han perdido,
lamentablemente de las que quedan, a lo mejor alguna alguna referencia,
gracias a fotografías o gracias a documentos,
obras que felizmente se han recuperado después de
después de un sinfín de historias y de,
y de movimientos.
En fin, he tratado de hacer una selección,
una selección que ni mucho menos es absolutamente exhaustiva,
seguro que en el momento que termine la conferencia que termine de hablar
y nos pongamos un poco a charlar,
se nos ocurrirán un montón, un montón de un montón de ejemplos,
más de obras que viajan, un montón de historias más,
pero esto es tan solo una, una selección.
Ha habido algunas cosas que deriva ante que tenían cierta polémica,
que deliberadamente, querido dejar fuera, pero bueno,
hay otras que que irán saliendo a lo largo del del discurso,
lógicamente.
Bueno, he querido circunscribirme un poquito
también a la edad contemporánea,
porque, si no, era remontarnos un poco un poco, demasiado y quizás
como el el al final este curso ha resultado más en este periodo
a partir del siglo xix,
cuando este primer día hablamos de coca,
etc, etc. Pues creo que tenía más sentido.
Seguir un poco en ese ámbito, un ámbito en el que vamos a ver
que hay una gran circulación de de obras
y vemos que, por ejemplo, en el momento del impresionismo
y del poquito impresionismo pues ahí por ejemplo
un momento en el que hay una circulación de obras
que influyen de una manera decisiva en estos movimientos;
por ejemplo, como pueden ser obras procedentes de Japón,
hay una influencia de lo que es el arte oriental
de los grabados ukiyoe e de todas las obras
de arte japonesas que llegan en ese momento a Europa
y que tienen un extraordinario éxito yo me acuerdo todavía este retrato
de 1.000 sola que lo veíamos en cuando estaba ahí estudiando
la Complutense;
era como ese perfecto ejemplo de esas influencias
que recibió también el movimiento, el movimiento impresionista
he traído también la imagen, por ejemplo,
de evocar con esa estampa japonesa, detrás.
También, queriéndolo unir a ese maravilloso relato
que nos hizo, Patricia.
El primer día son piezas.
Ven veremos que son artistas galeristas, literatos,
que en un afán por comprender ellos
es un momento en el que en el que surge esa necesidad
de atesorar obras de arte de atesorar, también obras de arte
de otras culturas, entonces desconocidas
e que se valoran precisamente en una por una serie de rasgos,
pero principalmente por por esa,
por esa novedad, por quizás tienen ese carácter tan distinto
a lo que se está haciendo en ese momento en Europa,
y por eso esa es una de las virtudes que se eleve.
Hay muchos retratos, por ejemplo, no solamente estos que hemos visto,
pero hasta el propio banco también colección a obras de arte japonesas
hace este este este retrato,
y detrás es una manera también de referirse al personaje
y de referirse un poco a a todo el bagaje presenta distintas
distintas etapas.
Estampas y presenta, por ejemplo algunas páginas
de una revista ilustrada con con imágenes,
con imágenes japonesas.
Esa fue una de las ideas que nos quedó por ejemplo
en el tintero también pensando en las las conferencias
que íbamos a tener en este ciclo, pensando también un poco en esa idea
de de la influencia del arte japonés,
y la llegada y el intercambio entre entre Europa y y Japón.
Quizás lo dejaremos para para para otro año,
los galeristas también,
incluso muchas veces en el momento de de retratarse
pues también se dejan retratar con esas piezas que haces,
que atesoran piezas que pueden ser de algunos de los artistas
con los que estos galeristas comercian,
pero también con otras obras de arte traídas,
traídas de fuera.
Por ejemplo Abiertos está y muchas veces
se retrata en su casa.
Todas estas fotografías se retrata con su propio,
con su propio retrato, el retrato que le hace
Picasso que tuvimos la ocasión de verlo este año
en esta exposición que hubo en el Reina Sofía,
1906, se retrata también con algunas,
con algunas piezas de de su propia colección,
y el propio Picasso hay muchísimas fotografías
de del mismo se hizo hace hace hace unos años.
Una exposición.
Picasso primitivo donde se pudo documentar
toda esa riquísima colección que tuvo Picasso de máscaras africanas
de piezas procedentes de Oceanía,
se sabe que en 1906 visitó una exposición en el Trío Cavero,
una exposición que hubo con piezas traídas de de todas estas culturas
y que y fue un momento de fascinación,
no solamente para Picasso
sino también para otros muchos artistas que supieron apreciar
pues esos nuevos valores que venían de estas de estas culturas lejanas,
y todo eso marcó un poco lo que fue el comienzo
también de esa época que condujo a Picasso,
hacia la creación del del cubismo, y es muy curioso,
como hay muchísimas fotografías de el propio taller de Picasso,
de su casa, donde aparecen todas estas piezas.
Todas estas máscaras, que que el colección
o sea este catálogo de Picasso primitivo,
pues aparecen todas estas fotografías y están claramente identificadas
estas piezas están en el el quiere brandy en el Museo en en París,
y es que se sabe, bueno está esta foto,
no podemos dejar detraerla esta especie de fotomontaje
que se hace con Picasso digamos también
ataviado de esta manera.
Como si fuera casi una especie de tótem, que es que es fantástica,
los los artistas, en ese afán de coleccionar,
todas estas piezas, llegaban, incluso a rivalizar a la hora de la compra,
se sabe que Picasso y Mattis pelearon por alguna de estas máscaras,
por ejemplo, es, digamos, como que se enfrentaban un poco
a ver quién consiguiera comprar una pieza más interesante.
Muchas veces era muy frecuente que los artistas fueran a casa
de de otros compañeros artistas y, entonces, en grandes tertulias,
enseñaban cada uno las piezas que, que iban,
que iban coleccionando; es ese afán de entender culturas,
hasta entonces desconocidas, que además,
en ese momento en el que llegan van a van a ejercer una influencia
muy destacada ya digo esa influencia de, del arte negro,
del arte africano, de esas de esas máscaras de Oceanía,
es definitiva, por ejemplo, para la, para la creación
de del cubismo y para para todo el desarrollo del arte contemporáneo
bien bueno hay obras de arte por ejemplo que tienen historias
muy muy muy interesantes detrás,
que no es solamente hay esa idea de coleccionismo por parte
de los artistas, pero hay también.
Hay también obras de arte que, digamos,
enlazan de una manera muy potente a, por ejemplo, artistas,
con distintos intelectuales.
Esta obra se ha podido ver recientemente en España y digo
se ha podido ver porque está en la nacional galería anual,
sin tan y se ha podido ver en, en una de las últimas exposiciones
que se ha celebrado en torno a la celebración
del centenario del fallecimiento de Picasso.
Saben que se han organizado muchas muchas exposiciones.
Una de ellas ha sido ha terminado a comienzos de este año,
que fue Picasso Miró, se hizo conjuntamente
en el, en el museo picasso de Barcelona,
y también en el en la Fundación Miró de Barcelona,
y era una de estas ha sido la última ocasión
en la que se ha podido ver esta gran obra de Joan Miró;
quizás es, digamos, una de sus obras maestras o obras más
reconocidas de ese periodo, que es un poco un cierto realismo mágico,
un puesto un poco más a esa obra tan, tan conocida
por la que están conocida Miró y esta historia está esta pintura tiene.
Tiene una historia muy interesante detrás.
Está en esta obra.
Es Joan Miró plasma, un poco esta gran masía familiar
que tenían el Monroe al sur de la de la provincia de tarragona.
Era una casa, señorías, de principios del siglo xix
en la que la que Miró pasaba largas temporadas
y además, largas temporadas también pintando
el último verano que pasó en esta finca fue en 1976,
cuando tenía 83 años en esta.
Esta obra de la Masía fue pintada en 1921
llegó a considerarse una de las obras claves
en la carrera de de, de su admiro,
el contaba tarde, casi un año en acabarla
y no por ninguna dificultad de trabajo manual.
La causa de tanta lentitud era que aquello que veía experimentaba
una metamorfosis realice la obra de manera absolutamente realista.
Todo lo que aparece en el cuadro
estaba allí, estaba absolutamente convencido
de que realizaba un cuadro importante,
de que intentaba resumir el mundo que me que me rodeaba.
Bueno, pues esta obra, curiosamente,
llegó a parar a manos de Ernest Hemingway,
y ahí es donde me interesa un poco resaltar
toda esa historia Hemingway.
Quizás no era un gran experto en arte,
pero sí era un buen aficionado.
De hecho,
cuando cuando hablaba también de sus influencias literarias,
él citaba tanto a escritores
como a pintores que habían resultado claves,
también a la hora, a la hora de describirse,
sabe que él también atesoró una colección importante
con obras de de arte de arte contemporáneo
cuando Hemingway completo contempló el lienzo.
conocía de sobra ya España,
él había recorrido ya Castilla, había recorrido Navarra,
Andalucía y muchas veces había dicho que amaba España,
tanto como amaba a ir a jo agua.
Yo mi no a Montana,
o sea, casi la sentía, sentían nuestro país
como como suyo.
El caso es que yo admiro y Hemingway
coincidieron en en París en los años,
en los años 20, fue precisamente en París,
cuando, cuando Hemingway se se supo que el poeta estadounidense eban,
si van, había reservado este cuadro para comprarlo.
Hay una.
Hay una historia que no sabemos, y si realmente es cierta,
pero hay una, hay una especie de de historia,
o de, o de anécdota que dice que ambos escritores
sí many Hemingway y se se jugaron a los dados.
La futura propiedad de esta obra los dos estaban, digamos,
obsesionados con con su compra, hay otra.
Hay otra versión de esta historia que dice que tiraron una mano,
una moneda al aire que cayó de el lado de de Hemingway.
El caso es que es muy, es muy interesante,
como como esta obra se convierte también como en en 1,
en un objeto de deseo para para Hemingway.
El caso es que, bueno, miró, pues había realizado esta obra
y una vez terminada esta obra había realizado un recorrido
entre diferentes galeristas diferentes marchantes
para poderla vender, y se sabe que por Rose
en ver que era el marchante de de Picasso
había accedido a tenerla en depósito,
a guardarla.
Parla.
El caso es que, al cabo de un tiempo
y ante la, la ante la existencia de Miró
ante la existencia de por qué no se vendía esa obra,
el propio Rose en verles sugirió a Miró
dividir la obra e fraccionarla en distintos trozos,
más pequeños, de manera que su menta,
que su venta resultará más fácil.
Como es de imaginar, Miró enojaría y Simó.
Se la llevó para intentar sacar adelante
o intentar vender por por su cuenta, y es entonces, en ese momento,
cuando Hemingway la ve, cuando sucede toda esta historia,
con si man en la que se lo jugaron a los dados,
tiraron una moneda no se sabe bien, pero el caso es que en esa apuesta
o en ese intento de los dos por adquirir,
la obra salió ganando Hemingway
y se dice que esa noche Hemingway recorrió junto así mania ancho
en dos pasos los bares y restaurantes de París,
con la intención de pedir dinero a todos sus amigos
y conocidos con con la intención de reunir ese dinero
que le permitiera comprar esta esta obra
y acabó reuniendo los 3.500 francos que Miró pedía por ella,
y se se dice que el grupo se llevó la tela
en un taxi descubierto que con el aire iba inflando la tela,
como si se tratara de de una de una vela.
El caso es que él finalmente se salió, se salió con con la suya,
y esta obra se la regalo a su primera a su primera esposa,
Agirre.
Richar son, se habían casado, en septiembre de 2020, de 1921,
esta obra se la regalo Hemingway a su esposa,
hay que decir, hay muchas fotos del con la obra que la tenía colocada
en su casa.
Después,
cuando cuando se separaron hay que decir que en el reparto de bienes
la obra le tocó a ella pero claro el propio Hemingway
insistió insistió se la se la en un momento determinado
se la pidió prestada,
y pidiéndose la prestada al final no se la llegó nunca a devolver
y finalmente bueno pues tras tras la muerte de Hemingway,
esta obra fue, fue donada a la nacional galería, igual,
sientan que es donde actualmente está pero es esa.
Me gusta mucho esa idea de cómo Hemingway
y por esas raíces tan fuertes que le unen que le unen a España,
se propone esa compra de esa obra, y toda esa historia
de cómo intenta conseguir los fondos,
y todo para para, para llevar a cabo.
Finalmente, la compra.
En España también sucede, sucede algo parecido,
e hay muchos artistas que atesoran, digamos, una pequeña colección.
Todo esto coincide.
Por ejemplo, hay un momento
en el que se reivindica mucho la figura del greco
soy ya lo habrán oído ustedes muchas veces como El Greco,
en un momento determinado se reivindica un poco
como un artista moderno y hay toda una generación,
por ejemplo, de de artistas en España también,
pero también fuera de España, que reivindican al greco,
como el primer gran pintor moderno que que digamos avanza muchas cosas
de de lo que tendrá la pintura contemporánea ese uso del color.
Esa distorsión de las formas de esa manera de trabajar mucho más libre,
todo esto coincide ya digo en ese momento
en el que se pone muy de moda el greco,
y se pone muy de moda también coleccionar el Greco.
Entonces, si nos fijamos en la fotografía de la izquierda,
vemos que está Ignacio Zuluaga, con el escultor abuso rodal,
y con el coleccionista, y marchante ruso.
Iván Ivanov bits.
Estas fotos fue toma hacia 1905,
hay que pensar que hacen todos estos tres personajes
aquí pasando,
y en un momento en que están viajando a Córdoba.
Esta foto se hizo en un momento en que ellos viajaron a Córdoba
y el propósito de este viaje acordaba no era otro,
sino sino que habían llegado hasta Córdoba,
porque lo que querían era comprar o intentar comprar una pintura
del greco.
Era una pintura del greco,
que un médico de la ciudad poseía y que había puesto a la venta,
así que los tres se deciden a viajar a Córdoba
para ver si bueno hay ahí hay manera de de comprarla Ignacio Zuloaga.
Existe, es uno de los grandes artistas que,
que llevan a cabo esta recuperación de del greco, del greco,
que acaba convirtiéndose un poco también en un gran referente
para toda la generación del del 98 en esa generación del 98,
que lo reivindica como genio de la pintura
y que los sitúa como ese, gran pintor moderno
de moderno de la historia se sabe que lo haga.
Además, pudo rescatar otros muchos grecos
y llegó a tener hasta 12 en su colección privada en 1905.
Ya digo, tiene noticia de este cuadro.
En realidad este cuadro es medio cuadro,
es un fragmento de un cuadro, es un fragmento de un gran retablo
que se había encargado para la iglesia de San Juan Bautista
en Toledo,
que representaba un paisaje de la de la Biblia,
de tomado del Apocalipsis que describe
la apertura del quinto sello al final de los tiempos.
El caso es que durante el siglo xix esta obra
había permanecido el la colección de de de un tal Núñez del Prado
y después había pertenecido.
Antonio, cánovas del castillo.
En fin, bueno, esta obra había sido mutilada,
había sido desgajada en distintas piezas
y y bueno, esta era la que ahora se presentaba.
La venta se sabía que esta obra previamente,
un año antes, en 1904 Pío Baroja y Darío de Regoyos
habían visto esta obra ya en Córdoba y habían intentado comprarla,
pero entonces esta obra estaba a la venta en 2.500 pesetas,
un precio que para estos escritor y pintor,
digamos bohemios les les había hecho imposible comprarlo,
y en este momento en el que Zuloaga viaja a Córdoba con intención
de comprarla.
El cuadro estaba la venta por una cantidad notablemente inferior
que era de 1.000 pesetas.
El caso es que bueno finalmente compra, compra esta obra
y es muy bonito ver cómo luego esta obra
forma parte de su colección, pero tiene,
tiene un lugar muy preeminente en la colección de loa.
Es quizás la obra que digamos
se se aparece más representada en alguna de las obras
de de del propio Zuloaga.
Está esta obra titulada a mis amigos?
Vemos que tiene un periodo de realización entre 1920 1936.
Yo me atrevo a sugerir que es una obra que está
en continua transformación, pero es muy.
Es muy interesante
ver cómo claro el fondo de esta representación,
de esta reunión de literatos intelectuales está Gregorio Marañón.
Está Ortega y Gasset.
Está ValleInclán, está bueno, está probar hoja,
hasta un montón de gente,
está el propio float aquí representado,
como gran pintor a la manera de ver la que, en fin,
a la manera también de Picasso aquí retratado pintando,
pues el fondo de esta gran reunión es esta obra de Zuloaga.
Entonces, es ver esa importancia, y como el propio futuro haga,
quiere hacer ver que El Greco está muy presente en esas reuniones
de intelectuales y artistas.
Es una obra que además se sabe que fue una obra de culto
para toda la generación de pintores que estaba,
digamos, de comienzos del siglo del siglo xx, Pablo Picasso,
que mantuvo una amistad con su lo hagas,
se sabe que visitando el estudio de París de Zuluaga
vio el cuadro y no y queda y queda muy claro
cómo esas figuras alargadas de de El Greco
pudieron influir en la la realización, por ejemplo,
de las de las señoritas, de Amiñón.
El caso es que lo haga luego, hay que decir
que el el la, la trayectoria de Zuloaga posterior fue,
fue muy, muy polémica, buena y luego luego, en fin,
cambio, cambió mucho más adelante, se sabe de esa cercanía
que tuvo también con con el régimen franquista.
Se sabe, por ejemplo, que pintó este gran retrato de Franco,
que forma parte de las colecciones del museo Reina Sofía, por ejemplo,
e hizo un retrato también de mi llanas,
trae, se convirtió un poco también en el gran retratistas
de toda esa de toda la alta sociedad,
también de de después de la guerra civil,
y tuvo esos momentos tan cuestionables,
y, tampoco afortunados como ese,
ese retrato tan absolutamente horroroso
de la duquesa de alba niña.
Poco afortunado con esos personajes,
smi quemados poseído, que tiene en el en el ángulo inferior,
el caso es que ya digo esa, esa bueno Zuluaga,
va cambiando, es un extraordinario pintor,
pero, pero bueno,
toda esa pintura de paisaje que tiene a comienzos de Segovia,
de ese paisaje de, por ejemplo, de la, la Castilla más profunda,
que sé que se ejemplifica un poco como como la raíz
de todo lo que es la Generación del 98,
pues luego tiene una trayectoria, una trayectoria posterior,
que le lleva, que le lleva a lugares a lugares muy diferentes.
Lo haga, por ejemplo, en ese momento también de cercanía en ese momento,
de la Guerra Civil.
Pues toma un poco parte más por por por el bando,
por el bando franquista.
Se sabe, por ejemplo, pinta una serie de de paisajes de Toledo,
pero uno de ellos
quizás el más importante es este Toledo en llamas,
es representar también todo ese, todo ese momento histórico
también de la guerra de la guerra civil,
y en ese momento de cercanía, por ejemplo,
Zuluaga es uno de los artistas que representa a España,
por ejemplo, en un en un gran evento internacional,
como es la Bienal de Venecia de 1938;
en la Bienal de Venecia de 1938.
Presenta un gran número de obras, es también hay que remarcar
que, por ejemplo, el comisario de esa bienales un generador,
entonces director general de Bellas Artes,
y entonces selecciona toda gran conjunto de obras
de, de, de Zuluaga entre ellas se sabe que ha habido,
había algún paisaje de Toledo, por ejemplo,
y, en fin, lo selecciona un poco,
porque, de acuerdo con lo que dice un generador,
se en el texto.
El arte de Zuluaga representa hoy por encima de cualquier otro,
un monumento a nuestra evolución.
En el caso es que Zuluaga acaba consiguiendo el gran premio
de la Bienal de Venecia,
que entonces es denominado el premio Mussolini.
El premio Mussolini es el premio más importante
y el régimen acuerda regalar una serie de tres
de las obras que están ahí expuestas de Zuluaga
las sacabas regalando a Mussolini.
Es ahí esa historia de cómo estas pinturas,
de repente salen de España, cómo estas pintura
sirven para representar, por ejemplo,
lo que lo que el régimen quiere hacer ver
como el arte que se está haciendo en ese momento en nuestro país
y cómo, por circunstancias dobles tino,
estas obras acaban en Alemania, en en Italia,
y acaban engrosando las colecciones italianas,
porque son un regalo, un regalo vamos hori
ni yo al principio tenía noticias de según la documentación del archivo
de exteriores.
La primera idea fue regalarle un paisaje de Toledo a a Mussolini,
pero después parece ser que debió de haber algún tipo de cambio
y recientemente bueno, he encontrado publicado.
Se hizo una exposición recientemente en el Museo de Bellas Artes de Bilbao
una antológica de Zuloaga
y se sacó un poco a la luz.
También toda esta historia
y se sacó a la luz este recorte de prensa,
este recorte de prensa en que las tres obras de arte
son presentadas,
son presentadas para para para, como regalo entonces, bueno,
las las obras para muchas veces historias que las unen
las acercas historias muy muy digamos muy muy intrincadas
y muy curiosas por eso he querido traer estas dos historias de Fu
lo haga primero como coleccionista,
pero su lo haga también como representante también
del régimen;
una obra que a mí me parece una de las obras más destacadas
de todas las culturas del siglo xx, nos hicieran conocerán,
es este circo de Calder y el circo de Calder
es la imagen de una obra de arte que viaja.
Este circo de Calder es un, es un gran proyecto
que hizo el escultor norteamericano Alexander Calder,
que creó en París entre 1900 veintiseis y 1931,
es toda una serie de obras y representan ni más ni menos
que un circo, son una serie de esculturas.
Es un conjunto que al principio era cerca de 70 piezas
y que luego se fue incrementando y llegó casi hasta las doscientas,
y son una serie de esculturas de alambre montadas
que representan cada uno de los personajes
de los animales que intervienen en las funciones de circo ya digo,
están hechas con alambre, están hechas también con con con tela
con anda con muy diferentes objetos cartón cuero cuerdas tubos de goma
son por supuesto figuritas que tienen movimiento que se pueden accionar
y era toda una serie de figuras que se contenían en unos maletines;
los vemos aquí aquí vemos solo 2,
pero parece ser que llegaron a ocupar nada menos.
Que cinco maletas, cinco maletas que Alexander Calder,
trasladaba para realizar distintas funciones
de lo que era este teatro en este teatro,
que esas, esas funciones, al principio duraban unos minutos,
y se sabe que hubo algunas representaciones de este
de este circo de Calder,
que llegaron a durar hasta dos horas,
pero son un poco la la perfecta ejemplificación
de lo que sería la obra de Calder Calder,
que, como saben,
inicialmente se inicie, se interesó por la ingeniería mecánica.
Es claro, perfectamente comprensible esa formación
también como como ingeniero que después en 1900 veintitres,
tomó tomo esa, esa decisión de dedicarse Alarte que, bueno,
primero hice una serie de ilustraciones, por ejemplo,
hizo en el campo de ilustrado de como ilustrador
hizo ilustraciones al principio también que le unieron inmediatamente
con el mundo del circo
y que, bueno, se sabe que a mediados de los 20
llegó a París, en París,
conoció a un vendedor de juguete serbio que le aseguro
que podía vivir construyendo juguetes, mecánicos,
y a partir del otoño de 1900 veintiseis empezó a construir
una serie de figuritas de animales, caballos-pactos serpientes, en fin,
un montón de de de pequeñas figuritas estas figuritas,
por ejemplo, por sugerencia del escultor español José Decret,
se exhibieron ya en París en la primavera de 1927
todas estas figuritas.
Esta serie de obras hicieron que el propio Calder
llegar a ser conocido como el rey del alambre
en montarlas bueno, él también exhibió diferentes obras,
por ejemplo en Nueva York,
y aquí vemos por ejemplo desde el propio Alexander Calder,
le vemos aquí con todas las figuras que componían este circo,
dispuestas aquí en este lugar de exposición.
Hay que decir que este circo actualmente se puede.
Se puede ver, está conservado en el Museo uy, ni de Nueva York;
todas estas piezas no sé si están exhibición permanente,
pero pero bueno forma parte de la colección de Wilde
y son este tipo de figuritas figuritas.
Algunas son un poquito de mayor tamaño,
otras son un poco más más pequeñas lo que decía,
por ejemplo de de la vaca.
Este es el gran maestro de de ceremonias, que va,
que va ataviado con con sus chistera.
Ya digo que todas ellas son móviles, los los forzudo,
el forzudo, que que hace una serie de figuras con mujeres que van,
que van escalando en León, que es una de las figuras más maravillosas,
donde con la cola pela la lana y las distintas figuritas.
El caballo, esta especie de de payaso ataviado
con con la trompeta, por ejemplo, y para que veamos un poco
cómo, cómo se Acciona lava y cómo eran un poco
estas funciones.
Tenemos desde vídeo que son de cinco minutos,
el que vemos al propio Calder accionando, el teatro.
La música está un poquito distorsionada,
pero pero creo que es buena dejar la música
porque nos hace ver un poco
como cómo debía ser la representación.
Aunque no sé si no fue así y aquí viene el consejo,
no hay nada más, la duda alguna sí y a la manera figura.
Elegante.
Y gobernante?
La campaña.
Contamos con.
El maestro de patrimonio, señores y señoras.
Tenemos como el propio cal de emociones.
Cada año a.
Las drogas sobre el tamaño, desestime etcétera,
de caballo.
De.
Un año.
Muchas veces habéis difundimos inicial.
Van sangre.
No, no, no.
Un simple transmetre,
al del que es una figura muy turbulenta, muy grande,
estimuladas pequeñita.
Sacado Antangil.
Capaces de.
Hacer una serie de columpio en una serie de.
Se mueven en.
La lona se caen cualquier ganando.
Las primeras las van pasando de un lado y.
Me fascinan que no se cae.
Hay nuestra permítanme acción algún.
Método.
Cinco que se precie.
Y si no se come?
.
Como.
Un.
León, está supeditada a.
Un año.
No No No.
Bueno, desde el primer vi, este están en Youtube,
que lo pueden ver en cualquier;
en cualquier momento es muy curioso,
como el incluso daca, civilidad a las a las figuras
y entonces ahí les pone nombre y todo por ejemplo,
el jefe de pistas que veíamos el maestro de ceremonia
será me siendo Yal vestido, con Franquis sombrero de, copa.
El éxito era trampa, Petín, que es el que tenía el globo;
en la boca, por ejemplo, había una dama Barbuda,
también había el elefante con la, con la trompa,
una bailarina del danza, que bailaba la danza del vientre se llamaba
afano, y nos tenemos que poner la presentación.
El león, hecho con alambre
y con la y con la cabeza, con la cola tela sacro batas
a ver si puedo puedo cazar ya la la la imagen
pues los croatas entre los a croatas, por ejemplo,
había también un traga sables el trazables,
se hacía llamar el sultán de Senegal,
envia y, bueno, se sabe que hubo grandes leyendas del circo
que inspiraron todas estas figuras de Calder Caldera
era un gran conocedor de lo que era el mundo del circo
y, lógicamente, se dejó inspirar por por todo esto.
Ya digo que entre 1900 veintiseis y 1931 la colección fue creciendo,
hasta llegar a tener hasta unas doscientas piezas
que se guardó.
Eráis entonces el pues el hacia-esta primera.
Esta.
Esta primera representación duraba aproximadamente 20 minutos,
con la música del gramo fauno, al mismo tiempo que era esa música
un poco
Víctor semanada por la grabación que que podemos oír,
y se sabe que a medida que fue incorporando más piezas,
pues claro, la el espectáculo se iba haciendo cada vez más largo
y llegó a durar hasta casi dos horas.
Hay muchos carteles,
por ejemplo, anunciador, que anunciaban estos espectáculos,
incluso se conservan algunas de las invitaciones que él mismo enviaba.
Querido señor, tal tal invitaba a esas funciones del del circo
que iban a tener lugar en París.
Hay una investigación muy, muy bonita de una amiga y compañera mía,
de la universidad oberta de catalunya, de Murie Gómez Pradas,
que ha sacado toda esta documentación,
pero sobre todo ha sacado la documentación de.
Es un artículo que está publicado en archivo español de arte,
ha sacado toda la información de las funciones que hace también
Calder de su circo en España, porque también lo trajo a España.
Ya saben ustedes que Calder tuvo una,
una relación de amistad muy estrecha, con su admiro,
y de hecho, la primera representación del circo de Calder
fue en esa masía de Monroe, que estábamos viendo antes,
acude a ver a Miró, a Monroy,
si alguien Monroe hace esa primera esa primera función
del circo en en casa de de de Miró en 1932,
más tarde, después de Monroe hacia una,
hacia una primera, hace una primera función
en Barcelona, en los locales,
en los locales de capaz de este grupo de arquitectos,
de este grupo, tan tan innovador.
Pero en 1932 Calder vuelve otra vez a España
y vuelve a hacer representaciones de sus circo.
Vuelve en febrero de 1933 se sabe que Joan Miró y Ramón Gómez de la Serna
organizan una función de este circo, la Residencia de Estudiantes,
aquí en Madrid y se conservan algunas fotografías que muy bien
con mezcladas ha encontrado en distintas archivos en
la Biblioteca Nacional de de Calder, con su mujer.
Esta fotografía que.
En el álbum de conferenciantes de la residencia,
alguna fotografía del momento de esta función que se presentó
como el circo más pequeño del mundo y también una fotografía,
él llevó también una una escultura móvil,
una fotografía que se tomó del propio
Calder en la Residencia de Estudiantes,
después de Madrid.
Este la las funciones del circo fueron también a Barcelona,
a la galería Sira;
ahí hay un grupo que es el grupo hablan también que es un grupo
ese es un grupo que lo que promueve el arte de vanguardia,
un grupo muy activo que realiza 1, toda una serie de actividades
y entonces entre estas actividades organiza, por ejemplo,
la representación del circo, de Calder en las galerías,
si ira de de Barcelona, que que además tuvieron su eco
también por ejemplo en la prensa de aquellos años
y fue como un gran un gran espectáculo que se recuerda
por mucha de la gente que que pudo asistir,
y no solamente en España.
Ya digo que en París como hemos visto antes,
hicieron un gran número de defunciones del circo de Calders.
Se sabe, por ejemplo,
que entre los asistentes a estas funciones
que pudieron ver el circo estaba Jean copto.
Por ejemplo, estaba artistas como ley,
se pies moldre han propicio admiro por supuesto cansar Marcel
de usa súbdita fotógrafos man rey incluso
Le Corbusier el arquitecto en fin
pues será era un poco uno de los grandes espectáculos
que podía haber también en el en el París
de la vanguardia está la he traído un poco por esa idea de esa,
de esa obra de arte que puede moverse tanto
y que se puede mover, digamos, fácilmente el propio Calder.
Nos enlaza también con con ese momento 1937 del pabellón
de la República española en la exposición internacional de París,
porque Calder es el único artista no español,
que participa en este pabellón.
Fue esa gran obra también de la vanguardia.
Es el momento en el que la república española,
pues a través de este pabellón da un poco
a conocer todo lo que está sucediendo en España
en ese momento de el estallido de la Guerra Civil.
Pues ya digo que Calder para ese pabellón
hace esta fuente de Mercurio.
El original.
Se se ha perdido, es verdad que con el tiempo claro sabemos
ya que el mercurio es absolutamente tóxico
porque era una una fuente donde en una serie de tubos
y una serie de piezas móviles y va cayendo las gotas de mercurio,
pero es una obra que está reproducida y una reproducción en Barcelona
y otra no museo Reina Sofía.
El caso es que este pabellón unió a grandes artistas
y fue de nuevo un poco esa idea
también de cómo hay también obras de arte que se pierden.
Hay grandes obras que forman parte de este pabellón,
como puede ser la de la derecha.
La obra de Alberto Sánchez, el pueblo español,
tiene un camino que conduce a una estrella,
que está que esta gran obra encargada,
Alberto Sánchez para para estarán en la entrada del pabellón.
Esta obra se perdió cuando se cuando se cerró
la exposición de París se devolvieron las obras a sus artistas,
y esta obra no se sabe de qué manera acabó perdida.
Actualmente tenemos esa reproducción de la obra en la entrada del museo
Reina Sofía, pero eso es una reproducción.
Otra obra que se perdió por ejemplo de ese gran pabellón
fue este gran fresco monumental de.
Yo a aquí le vemos pintándolo en el propio pabellón fresco,
de del senador.
En esta obra también se perdió actualmente.
No sabemos cuál es su localización.
Muchas veces estas obras que viajan lamentablemente se pierden
y se pierden por estos momentos convulsos
pues en un momento en el que había estalló
la Guerra Civil en España,
etc, etc. Pues lógicamente pues las obras pudieron sufrir
todo toda clase de infortunios y terminar pérdidas,
en cambio, por ejemplo, una obra que no se perdió
pero que fue que circuló muchísimo fue otra obra que hizo Miró
para este pabellón, que fue este posar, está este,
este cartel hecho hecho como con extensible
con con plantilla, que era un cártel que de hecho
se vendía en el el pabellón y se vendía por un Franco.
Entonces estén cambio, circuló muchísimo
porque precisamente lo que hacía era venderse para, para captar fondos
también para las tropas de la de la República.
Entonces estén cambio, a diferencia del morales cegador.
Sí que sí que fue una obra que que circuló muchísimo y claro,
ya que nos ponemos a hablar de obras que viajan,
y me temo que yo parece que no se debe hablar de otra cosa.
Pero, claro, la obra que más ha viajado
en toda la historia reciente del arte es el guernica.
Eso es perfectamente perfectamente conocido.
Es una obra que en un espacio aproximado de 80 años,
pues ha viajado a 11 países, ha participado en 40 exposiciones.
Bueno, no me he detenido a contarlo,
pero ha estado prácticamente hasta Europa,
ha estado en Estados Unidos y ha estado en Brasil, por ejemplo,
es una de las obras que más ha viajado
y que finalmente cuando llegó a España en 1961,
pues ya se decidió que las condiciones de conservación
no eran óptimas, para seguirla seguir la prestando,
pero es la obra, digamos, de la que tenemos memoria.
Porque además todas estas,
todos estos viajes, están documentados,
es la obra que más ha viajado,
porque es una obra que inmediatamente,
cuando se clausura esa exposición ya digo
que se devuelven las obras a los artistas,
y gracias a que Picasso está en París,
pues se devuelve a casi llega a manos de Picasso,
y el propio Picasso entiende la importancia
que puede tener esta obra como objeto de propaganda,
y de esta manera comienza a prestarla a distintos lugares
que se la solicitan y la presta precisamente
para recaudar fondos para para la República.
Entonces hay historias muy curiosas.
Bueno, primero va a Oslo ya Copenhague en 1938,
luego va, por ejemplo, a Londres en Londres se dice, por ejemplo,
que está en las lupa Clinton, galerías de la Whatsap
-Polk al hori, y entonces se dice que, por ejemplo,
en la entrada la entrada una de estas exposiciones
era un de botas en buen estado para las tropas de la República,
o, por ejemplo, cuando se inaugura la exposición,
en guanche polka al hori, el líder del Partido Laborista Clemente,
a pli, da una gran discurso.
Pues hablando de todo lo que estaba sucediendo en España,
defendiendo la república, la república española
y hay un montón de historias que hablan de esos viajes de,
del guernica historias muy curiosas,
porque es que cuando Picasso decidió enviarlo a Estados Unidos
es también con esa intención de que de de lo de captar fondos
para para los refugiados y captar fondos
para la República española así se lo piden,
pero es que cuando lo envía lo envía en un barco en un barco,
en el buque Normandía,
que parte que parte desde Francia y llega a Nueva York,
que cuando llegue a Nueva York de madrugada está una estudiante
Blanch Mahler.
Está ahí esperándolo, esperando a que llegue a la caja
con el guernica.
Una joven estudiante norteamericana, que está implicada en esos grupos
de apoyo a la República española, se tiene incluso
hasta el recibo de lo que cuesta trasladarlo desde Francia
hasta hasta Estados Unidos apenas 200 dólares en 200 dólares,
que luego intentan encajar les a museo de arte moderno
de Nueva York.
Hay toda una disputa a ver quién va a pagar la factura,
pero es que en el el el barco donde viajaba el guernica iba,
iba Juan Negrín del presidente de la República,
en el exilio, incluso hay un momento en el que firma.
Por ejemplo, esta es la firma de Negrín en el catálogo
de la primera exposición, en la valenta,
en galería y en la primera exposición, donde se muestra
el guernica entonces en torno a todos estos viajes claros.
Son muchos viajes y ahí muchísimas anécdotas vamos
a pasar un poco por encima de ellas y por encima de todos los lugares
donde donde se exhibe en esta inauguración,
primero Nueva York, pues el propio Juan Negrín,
acude Julio Álvarez del Balló.
Bueno, todos los grandes,
las grandes cabezas de la de la República española,
pues pues se acuden a esta a esta inauguración,
luego está también en diferentes lugares
de Estados Unidos.
Es muy curioso desde la perspectiva actual ver
la que consideramos una de las obras maestras del arte contemporáneo,
ver cómo se manipulan también las obras de arte.
Ahora que estamos en un museo, los conservadores de museos
se llevan las manos a la cabeza y se llevaría a las manos a la cabeza
de ver cómo entonces él en los años 40
se manipula las obras, las obras de arte apoyadas contra la pared etc
etc el guernica como saben están depósito en el museo de arte moderno
de de Nueva York desde 1939 el motivo es circunstancial.
La idea era que, después de ser exhibido en una gran retrospectiva,
Nueva York, dedicada a Picasso, titulada 40 años de su arte,
la idea era que se iba a volver a devolver a Picasso,
pero se desencadena la Segunda Guerra Mundial,
y es entonces,
cuando Picasso piensa, que no es oportuno,
que vuelva otra vez a atravesar el océano
para para para volver a a Francia,
y así se inicia un depósito que dura hasta 1981,
durante ese depósito, sin embargo, no permanece,
es continuamente en Nueva York,
sino que viaja a otras localizaciones.
En 1953 vuelve a salir de las salas del moma
y está por ejemplo en Milán, en Milán.
Son muy bonitas las las imágenes porque se exhibe
en este Palacio Real de Milán, en esta sala,
que además había sido bombardeada y que deliberadamente se deja,
se deja en este estado
y se exhibe además casi casi en el aire
como en una especie como con estas piezas,
así que lo que lo que lo sostienen pero no está,
digamos, anclado a la pared igual se les vino abajo y todo,
pero pero pero es muy bonita esa, esa,
esa idea de este Salón destrozado
y ver este este cuadro porque esa temática tan potente
que alude a la guerra son fotografías muy bonitas.
Este año, por ejemplo, se ha hecho un seminario en Milán
para conmemorar esa gran exposición del guernica,
ese viaje que hizo el guernica Milán en 1953 se expone después de Milán.
Por ejemplo, vas a un Paulo Hombre, hay un momento
que los conservadores del moma se echa las manos a la cabeza.
Dice en este señor Picasso como lo siga prestando a más sitios,
a lo mejor no vuelve, porque cuando llega a San Pablo
llega para exhibirse en la Bienal de Artesa o Paulo.
Es un momento que cuenta las historias que estaba lloviendo.
La Bienal de arte de San Pablo se desarrolla dentro
del recinto del parque.
Vivir afuera en un pabellón fantástico
diseñado por porros, cambie, Meyer, pero estaba lloviendo,
y cuando yo llueve comenzado, Pablo son lluvias torrenciales.
Entonces ahí hay una serie de historias que cuentan
pues que casi lo sacaron en volandas al irónica,
para que no se llenara de todo el barro que había
en el suelo de del parque,
y ya digo son fotografías que son muy curiosas,
de ver cómo se manipulaban entonces las las obras de arte,
ni ni atisbo de guante ni nada de nada.
Lo vamos colocando y lo vamos desarrollando
como podemos, porque además con el tamaño que tiene,
pues pues es difícil.
En 1955 vuelve otra vez a Europa
y se exhibe por ejemplo.
En París se exhibe también en muy fotos,
a mí me resulta muy curiosas La monja viendo el o esta señora
maravillosamente arreglada.
En colonia en Ámsterdam también en fin,
no es de extrañar.
Yo hace unos años tuve la suerte de que el jefe de restauración
del del Reino, Jorge García,
pues me estuvo enseñando un poco nos acercamos al cuadro
y me estuvo enseñando, claro, al final todos estos viajes
enrollar.
La desarrollarlo al final, tienen consecuencias sobre la obra,
me enseñó que hay un pliegue no exactamente en el centro,
que hubo un momento,
que se dobló casi como un sándwich para para para empaquetarlo
y llevarlo y estas son fantásticas.
En Estocolmo.
Todos estos, usted sosteniéndola,
no tenemos ni guantes ni nada de nada.
Apoyamos el tema de la caja,
hacemos lo que podemos para que no se nos caiga.
Hay que pensar que no se les cayó pero saber.
Hay un momento que incluso esa idea del viaje,
cuando ya se comienzan a iniciar las negociaciones,
la idea del viaje de ese eventual viaje
que puede hacer el guernica aparece,
por ejemplo, en obras de arte de otros artistas españoles.
El Equipo Crónica,
ya lo representa embalado envuelto en papel con las cuerdas,
como si ya fuera viajara a España.
Ojalá hubiera sido en el 69 no en el 81.
Todavía tardaría mucho y luego hay imágenes fantásticas
cuando por fin se acaba toda la negociación
y cuando por fin se desmonta en Nueva York
y nuevamente se tiene que enrollarse,
se fabrica un un rulo de madera a medida para poderlo enrollar.
En ese ese rulo de madera
pero todavía hay cosas que nos chocan desde el punto de vista actual
y es ese momento en el que le quitan el bastidores
y tienen que pasarle.
La la aspiradora para quitarle el polvo
cuando llega a Madrid como el guernica,
tiene una capa de cera
como preventiva que se le aplicó en el en el moma,
pues cuando llegué a Madrid, cuando lo deseen, Rollán,
después de un montón de tiempo enrollar,
lo que hacen es aplicarle calor y lo aplican con secadores.
Entonces ahí desde el punto de vista actual,
pues claro, es muy curioso ver esa manera de viajar
y de manipular las obras.
Ya digo.
Es un rulo de maderas en Roya
y se mete dentro de de una caja hasta que finalmente
y felizmente llega a España.
En ese ese último viaje,
ese último viaje, que es en un avión de línea regular
y que encima viajar sin seguro, sin seguro,
porque es una obra,
tiene un cierto sentido que viaje sin seguro
es una obra que pertenece ya al estado español;
y qué sentido tiene que el estado español se asegure a sí mismo
y pague un dinero por asegurarse asimismo.
Así que, bueno, esta es la obra que más ha viajado
y que más anécdotas, evidentemente, ha creado en ese viaje,
y luego también los viajes llegan a hacer tan polémicos
que hasta el último viaje, que es el viaje de traslado
de del Museo del Prado al Reina Sofía,
es también un viaje polémico.
Es un viaje en el que, además, la obra,
en este momento se decide no enrollar para no para no causarle ningún daño
y tal cual, pues, se saca con una grúa
y se cortó todo.
Todo el paseo de la castellana se cortó un día de verano
para que fuera el camión con la hora,
hasta hasta el Reina Sofía.
Bueno, esto es, esto es bastante conocido,
pero no podíamos dejar de aludir un poco a toda esta historia.
Entonces, antes hablábamos de algunas obras
que permanecen perdidas.
Están como en el olvido,
pero es que luego también hay obras que milagrosamente acaban
siendo rescatadas.
Después de un montón de historias de lo más variado está esta obra
a la que nos vamos a referir es esta realizada,
no es exactamente, está la obra.
Voy a introducir un poco
al personaje a Luis Quintanilla de Luis Quintanilla
realidad León Gerardo Luis Quintanilla Isasi
es un artista nacido en Santander en 1.893 artista plástico,
también fue escritor.
Fue un artista que además desarrolló trabajo diferentes técnicas
ingenieros plásticos dibujo grabado fresco ilustración
también y él es reconocido por un por por toda la serie de, frescos,
que va a ser el objeto ahora de de nuestra historia
titulada ama la paz.
Odia la guerra que recibió que hizo por encargo
de el gobierno de la República para representar a España
en la exposición universal de 1939, que tuvo lugar en Nueva York,
es decir, fue, digamos, una exposición que aconteció
después de la del 37 en en París, así que toda esta historia de luz
Quintanilla también tiene una cierta relación
también con esa historia también, del guernica.
Son dos grandes obras, que retratan la Guerra Civil española,
que tienen una serie de historias, de cambios y de viajes,
pero es que encima estos dos personajes
están están también muy unidos porque Luis Quintanilla,
uno de sus sobrinos, Rafael Fernández Quintanilla,
fue un diplomático que se encargó también de localizar
la documentación,
que permitió probar que el Guernica era propiedad española,
que había sido encargado por parte del gobierno de la República.
En fin, está Luis Quintanilla.
Es un artista muy interesante que había nacido
en el seno de una familia burguesa,
de de Santander, el intento,
pues la familia, como todos,
intentó que estudiara derecho que, emprendiera,
otras caminos, hasta que el decide, decide,
decide tirar por el mundo del arte decidirse a París en 1912,
él está primero en 1912, en París,
luego vuelve otra vez a España transitoriamente, y en 1920
vuelve a París,
donde sabemos que inició una amistad muy estrecha con Hemingway
del que hemos hablado, del que hemos hablado antes,
y tras esos años.
En París, vuelve de nuevo a España,
está durante unos años yendo y yendo, y viniendo,
y se sabe que, bueno, comienza ya a hacer sus sus primeras obras,
y habla también de un encargo que le hacen
y que le ponen compacto, por ejemplo,
con los frescos de San Isidoro de León.
Es el momento en el que él destaca como descubre
o el impacto que produce sobre la pintura al fresco,
cuando de ese magnífico conjunto
que está en la cripta de San Isidoro de León,
entonces, él decide comenzar a pintar al fresco,
y gracias a la ayuda de Bartolomé Cosío,
consigue una beca de la Junta de Ampliación de Estudios.
Para viajar a Italia en 1924 se traslada a Italia y en Italia
permanece por espacio de un año.
Entonces, en Italia, recibe distintos distintos encargos
a su vuelta también Morán, Italia, conoce de primera mano que me
qué mejor lugar
que Italia, para conocer la pintura Alfresco,
y a la vuelta comienzan a lloverle distintos cargos
para realizar pinturas Alfresco se sabe, por ejemplo,
que hace unos frescos para los lunes de la sala de grabados
del Palacio de Liria,
que lamentablemente están perdidos bueno,
hacia una serie de frescos yo,
que sé para el Museo de Arte moderno de Madrid,
para la Ciudad Universitaria,
etc, etc. Y paralelamente en él se despierta toda una conciencia
social y política que le hace ser testigo?
Un poco de esos momentos tan convulsos en la España de esa época
se sabe que Luis Quintanilla ingresó en el Partido Socialista
en 1929 que tuvo una estrecha amistad con Luis
franquista en Luis ahora que está en es otra persona que le une también
a toda esa historia del guernica Luis ahora que está en fue embajador
de la República española en París y como tal visitó también a Picasso
en el momento de hacerle el encargo de del guernica,
pero esa amistad de Luis Quintanilla Luis
ahora que está en permanecerá a lo largo de los años
y se sabe que en el año 34, Luis Quintanilla,
fue encarcelado, encarcelado por toda esta implicación política,
porque se sabe que formaba parte de un comité revolucionario
y que estaba en comité revolucionario.
En fin, que participaba de todas las actividades que tenían
que ver con la causa republicana en ese,
en ese momento de de de la cárcel.
hace toda una serie de dibujos que son realmente muy impresionantes.
He traído alguno que otro aquí
que se es toda una serie de dibujos titulada La Kafer
por dentro en el que el pues, por ejemplo,
retrata a muchos personajes con los que con los coincide coincide
por ejemplo en la cárcel,
el hacer retratos, por ejemplo, de Santiago Carrillo,
de largo Caballer o en fin,
entonces hay toda una serie de de de dibujos que son realmente
que captan un poco.
Ese, ese panorama que había en ese momento en España
y que realmente son, son maravillosas y están muy relacionados
con esta obra, que es a la que nos vamos a referir,
y que vamos a hablar narrar esta, esta historia de Luis Quintanilla,
que además es un personaje interesantísimo ídolo,
más variadas, que se sabe que tuvo un trabajo,
digamos muy novelesco porque es que Luis Quintanilla
fue también espía.
Fue encargado de organizar la primera red de espionaje republicano
en la zona vasco francesa
y esta red llegó a ser conocida como la Red Quintanilla
se sabe que en 1937 abandonó este trabajo
por expreso deseo del presidente de gobierno,
Juan Negrín al que hemos visto hace un momento.
Las fotos ha abandonado ese trabajo de la red de espías
y Negrín le encargó recorrer los frentes
y captar imágenes de la contienda.
En 1938, el gobierno de la República
le encarga realizar una serie de frescos
para representar a España.
En la exposición universal de Nueva York,
que se celebraría en 1939,
entonces Luis Quintanilla, coge las maletas,
y a finales de 1938,
parte hacia Nueva York el llega a Nueva York.
El 11 de enero de 1939 es un momento muy próximo, 11 de enero de 1939;
en mayo del 39 llegaba al guernica,
así que estas historias discurren muy muy a la paz
y en Nueva York le reciben un poco
como una suerte de héroe antifascista.
El ahí pues se casa y hay un momento que,
tal y como termina la guerra civil,
pues él acaba siendo un exiliado en Nueva York.
Hay que decir que, en fin,
mientras está pintando todos estos morales
estos murales finalmente no serán expuestos en la exposición universal
de Nueva York porque termina.
La guerra civil
y, evidentemente, no con el triunfo del bando republicano,
lo que sí que él continua durante unos años todavía
en Estados Unidos es muy curiosa toda la historia de su vida,
porque es que se sabe que al final en Estados Unidos,
en 1940, cada viajando a Joly but y acaba,
por ejemplo, haciendo bocetos de diferentes escenografías
para películas, por ejemplo,
como hombres, intrépido, lechón fort entonces,
él está en tabla, por ejemplo, amistad;
con grandes personalidades del cine, el también; en Estados Unidos,
en tabla amistad, con muchos de los españoles;
hay exiliados.
Luego, pues también se sabe que viaja a Puerto Rico,
que luego vuelve a París.
En fin, bueno, tiene una serie de historias muy curiosas,
pero lo que nos interesa es la historia de este conjunto
de de de frescos que él realiza, en principio como encargo
para para esta, para esta, para esta exposición de Nueva York,
que finalmente nos exponen el realizar cinco enormes obras,
con una dimensión muy grande, de 11 metros y medio
de largo por dos de alto que se expusieron en dos ocasiones
y que él se sabe que en estos cinco grandes paneles
él emplea la cal mezclada con polvo de mármol.
Es el mismo material, es la misma técnica
que emplea, por ejemplo, Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.
No en vano había estado Quintanilla en Italia
estudiando toda la técnica de los grabados,
y es esta serie que se titula.
Ama la paz y odia la guerra,
al parecer no fue el resultado.
No fue bueno en recibido porque se esperaban quizás
que una serie de de de pinturas con un tema
como la guerra se esperaba,
que quise que quizás tuvieran un mayor patetismo que fueran
escenas, donde se mostrara un poco más la la brutalidad,
y lo cierto es que, como vemos Quintanilla,
no narra un hecho concreto de la guerra,
sino que lo que hace es denunciar el dolor,
la destrucción y el horror que causa que causa la guerra, quizás también
por este también por este colorido,
que lo entronca tanto con Italia a lo mejor por eso
quizás fueron recibidas con con extrañeza.
He traído un poco imágenes de cada uno de los de los frescos,
el de la huida, estas madres, con sus hijos,
que huyen de la guerra.
Esta escena claro,
solamente con ver los títulos o ese aclaro dolor,
o por ejemplo esta escena titulada.
El hambre con estas figuras,
casi cada víricas que se enmarcan los huesos;
la destrucción, por ejemplo, tienen un colorido tan bonito
y tienen esta idea también de lo de lo italiano digamos,
tan presente o esta escena de los soldados,
que es la única escena que está protagonizada
por entero por por estas figuras masculinas.
Luego hay otro pequeño fragmento también que pertenece
a este conjunto,
que es este este pequeño burro.
El caso es que sabemos que ya decimos no se llegó a exponer en la feria,
en la feria en la feria de Nueva York y entonces, claro, es muy curioso ver
el devenir de la historia que tienen detrás todas estas pinturas
se sabe que se expusieron en solamente dos ocasiones,
pero hubo un momento en el que Luis Quintanilla
quiso un poco esconder al mundo la existencia de estos frescos
que hizo, digamos, un poco alimentar al enigma
en torno a estas obras se sabe que en una conversación con su,
con un sobrino suyo, le explicó.
Le dijo alquile un almacén con tan mal afortuna
que con las primeras lluvias fuertes el techo se desplomó
se inundó todo y los frescos se fueron.
Al garete, no sabemos por qué motivo
Luis Quintanilla quiere hacer pensar que los frescos se destruyeron.
Evidentemente, no debía de ser fácil
guardar en su estudio estos frescos de estas dimensiones.
El caso no sabemos porque mintió,
pero el caso es que nadie volvió a ver estas obras
y todo el mundo que yo un poco en el testimonio de Quintanilla
y pensó que estas obras estaban perdidas,
y tan solo quedaban pues una serie de fotografías,
digamos para fotografías, además de los bocetos
un poco como prueba de vida de estas obras.
El caso es que.
En un momento determinado
Luis Quintanilla acababa no sabiendo qué hacer con ellos, ya digo,
no debía de ser fácil, almacenarlos.
Los acaba cediendo a la Freud.
Igual Hawks que en 1949
ocupaba el local donde fueron descubiertos ese este local,
que durante un tiempo fue restaurante en fin,
este restaurante luego se acabó convirtiendo en un cine.
El caso es que acaba acaba dejando depositadas en 1946.
En este local,
estos estos estos frescos, este inmueble,
después se convirtió en un restaurante
restaurante Montparnasse,
y es entonces cuando el dueño del restaurante quiso repintar,
los frescos le debían de molestar un poco en cierta manera,
o debía de pensar que en un restaurante
unos frescos con un tema de guerra, no tenían nada que hacer.
Quizás para darle otro aspecto al restaurante pensó en pintarlos,
pero el pintor sin Desai Mont -al,
que se lo encargó se negó en rotundo.
Dijo que eran obra de un gran pintor español.
En el caso es que este cine con el tiempo,
este cine está restaurante con el tiempo y en estas historias,
que a veces son la mar de curiosas.
Este restaurantes acabó convirtiendo en un cine por no
en un cine por no gay, y el caso es que claro, este cine,
pues continúe, ese legado y este cine continuó conservando esos frescos,
es decirle por no gay en la calle.
Flickr entonces llamado Riquér
sine maastricht, estos frescos seguían ahí con tan mala fortuna,
que claro, sin medio cuidado ni nada,
con la palabra éxito señaliza,
señalizando la salida pintada directamente sobre los frescos
y en un estado de conservación bastante deplorable.
Este cine cerró en 1990 fue a su cierre
cuando un grupo de intelectuales acabo recordando
que en el pasillo de emergencias de dichos fines
existían cinco frescos, cinco frescos
y alertaron a los corresponsales del arpa ens
tienen advirtieron de la necesidad de conservar estas obras.
Es entonces en 1990,
cuando se redes cubren estos frescos,
que se creían perdidos de Quintanilla en este este cine?
En este cine por no es ese momento en el que además se intenta
que el Ministerio de Cultura comprara las obras,
pero el dueño pidió una firma desmesura.
Una, una, una cantidad desmesurada de dinero en el momento
en el que no, los conservas te las quieres quitar, de en medio,
pero al final, cuando ves que hay alguien interesado,
intentas hacer negocio.
Con con todo esto, al final, bueno, con la venta del inmueble al final
se consiguió solucionar un poco.
Esto es más o menos una imagen más o menos actual
y se consiguió solucionar un poco el, el, el panorama,
porque las obras finalmente las compró
la Universidad de Cantabria y habíamos dicho
que Luis Quintanilla,
un artista nacido en Santander y la Universidad de Cantabria
con buena afortuna las compró y actualmente están en el edificio
del paraninfo, de la Universidad de Santander,
en el centro de Santander, en El río de la pila.
Yo me acuerdo cuando fui a verlos, a empezar a coger la calle,
que va, hay encuesta,
pero merece todo la pena.
Gracias a Dios, la universidad de cantabria
los ha restaurado y les ha dado un emplazamiento,
digamos mucho más destacado, pero es esa idea de cómo muchas veces
ni el propio artista quiere hacerse cargo de las obras.
Es muy difícil almacenar una obra y acaba dejándolo depositado,
y con el tiempo esas obras acaban, digamos pérdidas
como son de intrincadas esas historias
y acaban ilustrando el pasillo de emergencia
de un cine por no, en fin, gracias a Dios,
son historias que acaban bien y acaban siendo recuperadas
y, como no podía yo hablar de obras que viajan.
Sin poner el broche final
a esta historia que está todavía en la prensa,
hay otras obras que no tienen tanta fortuna,
que no consiguen se recuperadas, y no solamente no lo consiguen,
sino que es que ni siquiera se llega a saber cómo demonios desaparecen.
Habrán ustedes le ayudó a la prensa más reciente toda esta historia
de esta gran escultura de Richard Serra,
de las colecciones del del Reina Sofía.
Tampoco me voy a detener mucho más porque en la prensa pueden encontrar
toda la información.
Es esta gran obra realizada en acero de 38 toneladas de peso,
y, repito, 38 toneladas de peso,
como se puede perder una obra de 38 toneladas,
pues bueno, se acaba perdiendo y ha sido uno de los grandes
escándalos de la de la prensa especializada de la prensa cultural
especializada en los últimos años,
y en este sentido les recomienda también que ahora,
que llegue al verano a su nivel de vacaciones en verano,
porque ha sido objeto de una novela de Juan Tallon.
Obra maestra,
que habla un poco de toda, de toda esta historia,
de esta gran obra.
Sí que se sabe que, en un momento determinado,
el Reina Sofía la depositó en un almacén,
en un almacén de la de la empresa macarrón
durante estuvo la dejaron ahí almacenada y no se sabe exactamente
en qué momento desapareció.
Es verdad que la empresa Macarrón
llevó a un momento de suspensión de pagos, etc.
Etc. Pero no se sabe bien en qué momento
y de repente, en octubre del 2005, de repente la echan de menos
en un momento en el que se está otra vez repasando
todo el registro de obras, etc, etc,
y lógicamente no solamente de las obras en exposición,
sino de lo que se guardan los almacenes de.
Hay un momento que se ponen a buscarla y no se sabe exactamente
lo que se pasa, lo que pasa con ella.
Es verdad que en la actualidad el propio artista
realizó una réplica un poco como para restituir un poco
la la obra al museo,
pero es un poco el cierre de cómo muchas veces
estas historias, de estos viajes, de estas obras,
pues no finalizan siempre de una manera feliz.
Muchas gracias.
Bueno, pues llegan a ser,
se estamos a viernes última sesión y ya estamos agotados,
pero yo, por si acaso, habrá turno de preguntas,
un segundito, que está ángeles ahí con el micrófono,
pero para que lo oigan,
para que lo oigan también nuestros compañeros, los que están,
los que están en siguiéndolo en directo
a un segundo llega a ángeles.
Lo puede bajar más rápido que se nos cae?
Me oye, si no, la pregunta hablando de esta obra de Richard Serra,
si se sabe fehacientemente que llegó a macarrón a los almacenes de,
está certificado Sí, sí?
Sí claro que estaba ahí depositada lo que pasa que claro,
luego la empresa cierra, suspende pagos.
Tal pues no lo sabe, habrá acabado fundida
y ya está eso es lo más seguro.
Pero claro, hubo todo un escándalo porque se descubrió a posteriori
era de 0.
Sí y lo curioso es que todo el escándalo
se destapó lo cuenta lo cuenta muy bien:
la novela, la novela.
Es verdad que luego está claro está está novelado evidentemente
pero pero se descubrió o sea el salto a la prensa toda la toda la noticia.
Fue un gran escándalo que encima salpicó realmente a la persona
que estaba en ese momento la dirección del museo,
que no era responsable de esa desaparición exacta.
En fin, que hay toda una serie.
Hay una historia y tremenda detrás,
pero que se puede seguir por la prensa,
pero es que a veces pasa y pensar una obra de ese tamaño
y ese peso que desaparezca, pues hoy a veces pasa;
a veces uno cree que por una pieza sea pequeña,
es más fácil que desaparezca,
pero es que hasta las piezas grandes desaparecen un buen bueno.
Fantástico pregunta es muy fácil,
y cuando he puesto las fotografías de la inauguración
de la Expo de Nueva York en la que se le Juan Negrín y alba del Bayo,
en qué fechas exactamente esa exposición, bueno la inauguración
es en Nueva York en 1939,
pues yo creo que es en el mes de mayo de 1936.
De sorprende, porque en ese momento
ya había perdido la guerra de la República,
y visto Juan Negrín,
sonriendo como si fuera que yo hubo una fiesta en una inauguración.
También hay que pensar
que la inauguración tampoco va a ser con carácter general,
pero es que acabo de perder una guerra ya, lógicamente,
pero claro, el acaba y en el exilio
y y todo también hay que pensar que hay en la balanza en galería
y se expone precisamente en relación a todo ese grupo de apoyo
que hay al gobierno de la República.
No?
Entonces es un ambiente también de apoyo a la causa republicana.
Entonces, bueno, tampoco va a estar el pobre,
pero es verdad que se sabe que firma catálogos.
Ese catálogo está firmado por el y tal,
y cual y y bueno en su momento es fiesta también.
Hay que decir que es que también la vida de las obras,
cuando llega a Nueva señor claro, el Guernica al final
ejerce un poder tremendo en Nueva York,
todos estos jóvenes artistas del expresionismo abstracto americano
polo, entre ellos, por ejemplo, lo ve en Nueva York,
en el moma.
Entonces, estos viajes de estas obras
también marcan también lo que cerraba fortuna crítica
de esta de estas obras.
Quizás si no hubiera estado en Nueva York
no hubiera acabado de Nueva York,
no hubiera tenido digamos esa influencia tan notable
en el expresionismo abstracto norteamericano.
No sé si al final todas estas historias
realmente marcan, tienen toda toda unas consecuencias.
Bueno, muchas gracias Genovés, me encantó la el recorrido
y las y los casos que helegite quería pedirte voz
para la primera pantalla, donde está gran
hay una pequeña historia vinculada que vincula nuestras dos charlas
tenía que me parece
que los bisabuelos derogan gran peruano de Arequipa
padres de la escritora flora Tristán,
ya nacida en Francia, la madre de Gogoan,
era hija de flora Tristán y en la época de Napoleón tercero,
decidan volver a viajar a Perú gracias a Cogam,
pasa a parte de su niñez en lima una familia muy acomodada
y la madre de Gogoan se interesa muchísimo en este momento
por el arte precolombinas,
y se lo empiece inculcar también a boga.
Solamente cuando hablamos del primitivo gogoan
nos acordamos de las pinturas de ti y de las tareas de madera
también detalle, ti en torno a 1.888 89 demás.
Pero la cuestión en cerámica fueron muy importantes
para abogan los guapos noches y cuando hace cerámica claro, claro,
no solo adaptat y la estampa japonesa está también;
se trata el guapo, ocho decir respecto antes de América
que tuvimos en aquel montaje del final con las cerámicas,
una cerámica de Gogoan que prestó el Thyssen,
seriedad decirlo también.
Seis es ese y de hechas, que una de las primeras conferencias
hace pasarelas, grabaciones, tuvimos el primer día
Patricia, Marta, que también había colaborado aquí en el.
Dicen.
Una adquisición que lo que se hizo sobre cómo y precisamente ya hablo
de esto hablo de de pv,
y todas esas que yo por ejemplo yo ese dato lo desconocía,
debo de botes reconocerlo y entonces ella nos estuvo hablando de esto
y de que es verdad que esa preferencia y tal que le viene
de esos años en pero sí sí sí totalmente,
o sea que que muy bien ha apuntado.
Gracias, Rodrigo sí;
y eso lo apuntamos también.
Lo educadores que trabajamos aquí para cuando vuelva la para contarlo
al público piano, al final, está todo esto.
Estamos todos metidos en un círculo e.
Bueno muchas gracias muy muy interesante
y una delicia escuchar tenemos siempre quería hacer
un apunte por algo que ya hemos comentado antes
hay una obra que ahora está en este museo que ha hecho
un pequeño viaje del Reina Sofía aquí al Thyssen que es
la Nieva de Rosario de Velasco no va a ir a Valencia
también o sea que va a seguir viajando un poco
pero que en su día también fue muy viajero el año 32
recibe la segunda medalla de las Bellas Artes
porque todos pensaban que tenía que recibir la primera medalla
pero ver algo que no se había dado entonces pues decidieron que venga
éramos la segunda en el año 42
viajó ahora a la Bienal de Venecia
y luego estuve en el 47 en la famosa exposición,
de arte español en Buenos Aires de ahí viajó,
a Pichs sur y creo que anduvo,
por ahí empecé huracanes sino también efectivamente
y y nada luego volvió sí medio olvido ahí en el Museo de Arte modernos
se recuperó, en el 92 para el Reina Sofía
y a esta otra vez viajando Bueno su verás fantástico
Pepa gracias por contarlo
que antes estaba comentando el hecho prepago es cuenta lo luego porque,
como vais a ir a ver ahora la exposición temporal
tras a Ángeles entrada para las temporales,
pues sí claro, es que para las obras tienen una una historia,
una historia detrás, y claro que es ahora de rosario,
velasco estuviera fuera, y es y esa exposición
que hubo en Buenos Aires en el año 47 fue como una.
La primera, una de las primeras grandes exposiciones
que se hizo fuera del arte español y por cerrar de esto de los viajes.
Con el dinero que ya no Rosario, con esta segunda medalla,
se fue de viaje con una amiga suya
al emigrado.
A dónde, al denigrado al leer en grado desorden,
fantástica historias, es que todas las obras de arte
guardan una historia detrás, interesantísima fantástico.
Gracias.
Algo más, pensaba que iba a mencionar,
cuando me han mirado por lo de la obra del discente.
Pensaba que iba a mencionar la, de Julio Romero,
de Torné,
que no sé si le habéis visto que está en la sala
a arreglar la ahora invitada claro hay de verdad no sé.
Muchas gracias por la presentación, que ha sido muy interesante.
Bueno, quería añadir un poco más a las obras, viajeras.
Bueno, no se puede hablar aquí de todo, no y historias más,
quizá más tristes.
Una es la de las obras confiscadas por los nazis,
que han tenido también una, unos viajes y unas historias muy,
muy variadas, no, y la otra es el contrario.
Las las obras encerradas no las que están ahora en los depósitos
de las de las zonas francas, de los aeropuertos de Zúrich
y Singapur no que están no se sabe
cómo un viajado no se sabe nada de ellas
y que, bueno, pues es una sugerencia más a la imaginación
y a los viajes de estas obras de arte.
Ese sandach,
sugerencias muy bien apuntadas amigo del expolio nazi se me ocurría,
lo pensée, pero deliberadamente quise apartarlo estar en este museo,
y todo preferí o ir un poco de la polémica,
la verdad, sinceramente, preferir y bueno a veces
por todos conocido y todo no voy a contar nada que no sepamos,
entonces preferido dejarlo aula.
Se me ocurrieron, otras historias,
pero y luego lo del tema de los almacenes
y de todos es que sí es verdad; o sea, hemos llegado ya
a un momento que ese afán por coleccionar
y todas esas cosas a veces hace que solamente
esa idea de posesión no he conseguido esta pieza,
pero ahora tengo cerrada que nadie se entere
que yo la tengo que tal que cuál, y que a final desvirtúa totalmente
lo que es el arte que tiene que estar un poco que tiene
que haber alguien que lo vea que interactúe con ello.
Entonces al final lo lo desvirtúa por por completo,
de la misma manera que yo, por ejemplo,
en la actualidad lo acabaré entendiendo o no,
pero todo este toda esta las efectes,
por ejemplo, no todo.
Yo toda esta idea, ahora de las efectes,
y todo esto, no la obra de arte que no se puede reproducir,
que no sé que lleva a hacer un pendrive, qué tal?
No se lo acabaré entendiendo, si no, pero pero todo ese comienzo
que hay cuando cuando tú te comprase una obra de arte,
cuando tú coleccionan, lo que te apetece
es disfrutarla y verla, y tenerla en casa y enseñar Ortega,
tus amigos, y estas cosas.
Entonces, tener algo para tener un pendrive
o tenerlo metido en un almacén no, no le veo ese disfrute,
de lo que es coleccionar, pero bueno, no sé si son estas cosas
que van pasando en en tal y luego.
Bueno, también hay muchos casos,
hay un hay un caso que yo tuve la oportunidad de conocer hace
unos años en un congreso que estuve en el museo picasso, de Málaga,
y que entran ahí, que entronca también con esto,
que es en torno también al Guernica.
Ahí coincidí con un artista vasco, José Ramón Amón, de ahora,
en que él hizo, por encargo de de Artium,
de Vitoria.
Hicieron una exposición en torno
al guernica y entonces Artium le encargó una serie,
le encargó que hiciera una obra reflexionando sobre el guernica,
y entonces a donde ahora en se le ocurrió tomar
las fotografías que hizo dora,
mar de los diferentes estadios del guernica de los que representan,
como fue evolucionando el guernica.
Entonces el propio abundaran para comprender cómo Picasso
fue pintando el guernica el reprodujo.
Cada uno de esos estadios que están fotografiados por drama
no, y esas obras expusieron en se en artium,
en vitoria.
El caso es que la sucesión Picasso, los herederos de Picasso,
le plantearon una una demanda judicial,
pues por por derechos de autor, por tal,
y este artistas se se vio envuelto en todo un proceso judicial
que duró un montón de años y que desgraciadamente,
finalizó con una, con una decisión que fue
que esta pista tiene prohibido exhibir esas obras,
tanto pública como privadamente,
y esas obras están almacenadas en un en un almacén.
En Vitoria no, ya digo exponerla una exposición
es que no las puede exhibir privadamente,
o sea, no puedo decir a sus amigos.
Mire aquello que hice que me encargó Artium.
Entonces, llegamos a casos a casos, así como una hora de arte,
con una decisión judicial.
No se puede ni mostrar está metido en un almacén bueno en fin así
que bueno historias había un montón yo por eso decía
al principio que ni mucho menos he tratado de.
Era imposible para verlo.
Todo lo que he tratado es, digo.
Bueno, en algunos casos, que a lo mejor son más desconocidos
o qué tal.
Pues bueno, hacer una serie de pinceladas
o de recorridos que resultasen curiosos,
pero pero casos podían surgir un montón más.
Claro que sí.
Gracias.
Enhorabuena Genovés acció apasionante.
Yo voy a preguntar algo mucho más sencillito
en una de las transparencia edicto que entre la colecciones de que tenía
Picasso aparece una botella verde de vidrio comprada en Granada
matís a de matiz se comprada en Granada;
marcasen tuvo en Granada.
Rodrigo dice sí.
Moraleja 100 por 100 seguro.
Si vale.
Hombre Rodrigo dice si es menos mal que tengo a rodrigo
para apuntarme aquí como veréis, en el libro de visita del Alhambra
hay una firma, además pensa nada año 10,
hace como unos 15 años el Museo de la nombra hice
una una exposición, pero va matiz,
y la Alhambra es verdad, a partir de ese álbum
y con la presencia de matís y de iturri
no es verdad que le acompañado por varios periplo
-Andalucía y norte.
Es verdad que viajaron en esa época tiene que ser gracias.
Fantástico.
Cada que hubiera ocurrido.
Gracias por el apunte, pero ahora me suena.
Me alegro como un granadino que soy.
Mira que bien, bueno, es una pieza, es una pieza preciosa
y ese color es que están matiz el color del vidrio,
verdad tiene todo el sentido que la quisiera comprar
y todo esto a mí me gustan muchísimo estas fotografías
de los interiores, de los talleres,
de los artistas, ver qué colección haban que guardaban este.
Este está bastante ordenado.
Luego hay muchas fotos yo, que sé a Picasso,
que es el inmediatamente anterior,
que casa, donde esa orden lo guardaba todo.
Todo ello en papel eso, lleno de todo.
Pero me encantan estas fotografías como de los estudios
de los artistas.
Bueno, yo creo que ya sé si alguna pregunta
más vamos yo también, más negro, como granadina por Granada.
Ha pasado mucha gente y sale mucha gente también de allí.
No sé bueno, pues sin más creo que llegamos al fin de este curso.
De esta nueva edición, sí; bueno, sí una serie de avisos.
La semana que viene van a mandar desde el Centro Asociado de Madrid
y le van a mandar un enlace donde van a encontrar todas las grabaciones,
a nosotros ya nos lo han ido enviando,
pero sólo están las de la del primer día,
entonces de les unos días a intecca de la UNED,
que ya hemos visto que trabajan maravillosamente bien.
Entonces mandarán a todos los que están matriculados
en el curso, les mandan un enlace y ahí pueden volver a ver otra vez
las conferencias, pero yo esperaría a lo mejor
lunes, martes de la semana que viene,
también gente que ha podido faltar a lo que sea o lo que comentábamos.
El otro día, la conferencia de Juan Manuel Bonet,
que fue tan densa pues viene muy bien verla,
2, tres veces las que hagan falta,
y lo bueno es que a nosotros también nos queda un poco de archivo,
tanto al pisen como como a la UNED.
Yo utilizo muchísimo en mis asignaturas polvo
un montón de la Ceza a todos estos videos
de todas estas conferencias interesantísimas sí que son,
son fantásticas.
Bueno, voy a entender, decidir, no si quería agradecer
a lo técnico en cabina y al técnico en remoto,
que no lo vista en ningún momento y a Rafael Gutiérrez,
de audio y vamos del equipo de media de la UNED
porque gracias a ello,
que se puede hacer este curso en esa modalidad online,
tanto en diferido como indirecto, sea el o un esfuerzo.
Han enviado equipos,
van a todo el personal, también del Centro Asociado de Madrid.
La verdad es que cuando la tecnología falla,
todo el mundo se entera,
pero cuando todos bien se nos olvida que están ahí entonces,
bueno, desde aquí.
Muchas gracias.