Entre el pensamiento oriental y el budismo esotérico,
la obra artística del cineasta y pintor Arturo Prins
propone un fascinante viaje por algunos de los símbolos
y preocupaciones de las culturas occidental y asiática.
Nacido en Buenos Aires, pero madrileño de adopción,
Prins crea una pintura impregnada de simbolismos orientales,
arquitectura asiática, referencias mitológicas
y una abstracción con insinuaciones de trascendencia.
Entrar en su casa y estudio de pintura es adentrarse
en un mundo muy personal donde el arte y la filosofía
se entrelazan.
-Yo digo que una mujer puede querer a dos hombres o más.
-Daniel tiene razón.
Por ejemplo, justamente pensemos en mi caso.
Yo, por ejemplo, te quiero a vos, que sos mi marido,
pero también lo quiero a Daniel.
Ya sea en películas como "Estado impuro",
donde un pintor pone en jaque moral a sus amigos,
en miradas hacia el futuro como "Ser humano",
o en sus cuadros sobre Lilith, la pregunta siempre es la misma.
¿Estás preparado para abrir la mente?
-Arturo, gracias por abrirnos tu casa, tu estudio
y tu diario de viaje.
Lo primero que nos encontramos al enfrentarnos a algunos,
a muchos de tus cuadros, son elementos e influencias
de tus viajes por Asia.
Y en parte un gran eclecticismo con bóvedas coloridas de Moscú,
pagodas...
¿Cómo llegan todos esos elementos a tu creación?
-Muchas gracias, antes que nada, por tu mirada atenta a mi trabajo
y quiero enseñarlo como...
como un trabajo vinculado al conocimiento oriental
que nace en 1990 a través de las enseñanzas
de Paramahansa Yogananda, un yogui que vino a California,
a Occidente, y con su "Autobiografía de un yogui"
y Krishnamurti, comienza mi exploración hacia Asia.
A través de textos del Rig-veda, de la Upanishad,
del Canon Pali budista y de la India.
Empieza a entrar toda esa riqueza filosófica, espiritual,
y comienza a generar en mí una gran atención
a la estética y la arquitectura asiática,
que consta de pagodas, de minaretes, torres...
Miro también a la cultura musulmana,
que también en Samarcanda tiene edificios maravillosos, mezquitas...
y, sobre todo, una gran adoración hacia la abstracción
y a la idea de pináculos, pagodas, "chörtens"
y toda una cosa muy luminosa que tiene la cultura oriental
que me ha afectado profundamente a la obra.
Este cuadro representa mi amor por Asia,
por las arquitecturas asiáticas,
que son pináculos, "chörtens" o pagodas de oro
que se elevan en los cielos, tienen 100 metros,
se encuentran en Birmania, en Yangón,
y se llama "Shwedagon Zedi Daw" esta pagoda,
que me parece maravillosa, de oro, que está tocando el sol.
Y al lado unos minaretes y otras minipagodas chinescas
que lo acompañan con naves espaciales flotando.
Está todo pintado con ceras, debajo, de multicolores,
y luego cubierto con este oro,
que lo que he hecho es con una aguja ir rascando
para desentrañar todo el fondo, que sale con colorín.
Y la punta es la pluma final tocando el sol.
-Cuando contemplas esos escenarios en Asia,
cuando los recuerdas, ¿te sientes como un extranjero ante ellos?
¿Como un coleccionista de esas experiencias¿
¿O las vives como algo muy íntimo, como algo tuyo, que no está fuera?
-Yo pienso que soy un alma oriental reencarnada en Occidente.
Entonces, ahora estoy como un poco con la sensación de que...
estoy recuperando ese conocimiento
que ya lo llevo dentro, en mi esencia,
pero desde Occidente,
y creo que uno de mis esfuerzos y canales es eso,
traer esa belleza interior de Oriente,
y que el arte tiene esa misión para mí,
por eso también conecto con ellos,
porque la idea de que el arte embellece, energetiza,
hace vibrar y conecta con el yo superior
es para mí una de las fuerzas que tiene el arte.
Vamos a desentrañar otro cuadro abstracto
que representa un poco todas mis enseñanzas
sobre la ciencia de la meditación,
y que es la aspiración también a la elevación.
Abajo, el triángulo inferior de la personalidad.
Aquí, el triángulo del centro, que sería el alma,
el elemento que nos conecta con la personalidad,
es el plano físico, astral y mental,
conectado con el plano del alma,
que sería "Atman", "buddhi" y "manas".
Y de allí conectando con la mónada,
que es el principio superior o espíritu.
En un centro de luz, que es como una fontana de energía
que nos conecta con nuestro "yo" superior
y el día que lo hagamos, tengamos línea directa con eso,
seremos todos verdaderos "arhats"
conectados con lo más elevado y por eso caminaremos por la tierra
e iluminaremos, juraremos y seremos casi dioses.
(RÍE)
Por eso, alrededor, capas de velo que tapan esa energía.
-Hay mucha divinidad en tu obra.
-Pienso que la divinidad somos nosotros, no está fuera.
Es el yo interior bien depurado y desnudado.
-O sea, es una divinidad mundana.
-Mundana y conectada con lo superior.
Puede ser mundana si está conectada con algo.
Mientras sea solo mundana, no hay conexión,
pero el tema es la parte de abajo y la parte de arriba, sí,
Tiene que ser un ascensor con vía directa.
En 2022 me fui caminando de Madrid hacia Mongolia en autostop,
yendo al desierto del Gobi,
en concreto al mítico reino de Shambhala,
que se dice que se encuentra allí, en Asia.
Y me fui en autostop pidiendo a la gente
a buena voluntad que me llevaran en su coche gratuitamente.
Lo cual lo hicieron.
120 personas me llevaron con un gran corazón,
abriéndome cada puerta de cada coche
que me trasladó desde Madrid a Mongolia durante 82 días
hasta llegar al desierto del Gobi.
Jamás he pagado nada por subir a un coche
y siempre me trasladaron con buen corazón,
y cada vez que me acercaba más a oriente,
la generosidad, la esplendidez, era mayor.
Me hice 2628 kilómetros cruzando 12 naciones
y fue fabuloso porque no tuve ningún problema en todo el trayecto.
Pero cuando digo ninguno, ninguno.
Y fue un camino de flores humanas.
Y la humanidad tiene esperanza, sin duda.
El hombre es bueno por naturaleza.
-¿En qué medida entonces es el viaje una parte de tu obra?
-Buena pregunta, Laura.
Pues es un viaje fundamental porque es un viaje...
Mi obra es una obra nómada, una obra ecléctica, gitana,
que cambia de estilos, de registros, de símbolos.
Puede pasar de una pintura naíf, casi de "emoji"s japoneses,
a una pintura neoclásica de "Las tres Gracias"
pintadas en 2024.
Pagodas orientales, islas aisladas, fragmentos del Kama-sutra...
Tengo una diversidad, una expansión, muy plural.
El hecho de ser muy heterogéneo, muy cambiante, muy gitano,
me condena a cierto ostracismo en el mundo de las galerías de arte
porque son realmente muy conservadoras.
Porque quieren la monoestética y el anillo monoparental
con una sola forma de pintar.
Un galerista viene a mi estudio y me dice: "¿Tú qué pintas?
¿Pintas pagodas orientales
o pintas a Matisse en la terraza, en la Promenade des Anglais?
Pintas un "emoji" gigantesco de la duda con acuarela
y luego pintas una Náyade flotando en una piscina.
¿Pero qué haces tú? Pintas luego...".
No saben cómo encajarlo.
Y sobre todo porque a veces falta cultura y conocimiento,
pero está lleno de simbología la obra mía.
Y sobre todo aspira a capas de lecturas más profundas
y en ese sentido muchas de mis obras son muy conceptuales.
Esta pieza, Laura, representa el huevo Fabergé de toda la vida.
Podríamos decir que del Fabergé viene el huevo Kinder,
con sorpresitas adentro.
Es una invención rusa de Gustav Fabergé,
que fue un decorador mágico
que tuvo el zar Alejandro II de Rusia ya por 1870,
y le quiso hacer un regalo a su zarina, a su esposa,
y resulta que este decorador de joyas
construyó el primer huevo, que era una caja mágica.
No, caja no, un huevo mágico,
que se abría y salía una gallina de oro.
-¿Y qué representaría el lujo en tu vida?
-Muy bien, buena pregunta.
Me ha desarmado, no sé qué decir.
¿Qué representa el lujo?
Pues mis obras de arte,
porque mi vida a nivel económico no es lujosa,
pero a nivel interno sí.
Hay mucho brillo, muchas cosas que contar,
mucha energía, mucha vibración...
Es como... sí, el lujo de la pintura.
-Me ha resultado muy interesante cómo plasmas este enfrentamiento
entre diversos modos de vida en tu obra "From L.A. to New York".
Aún sin conocer esa ciudad,
sin haber estado en esa ciudad que aparece en esa imagen,
el imaginario colectivo nos dice que es Nueva York
y ese imaginario nos dice que esas montañas no pertenecen
a esa imagen, por lo que sufrimos una especie de dislocamiento.
¿Qué quieres mostrar?
¿Es el enfrentamiento entre dos bellezas?
¿Tenemos que elegir?
-Uf, me has dado un buen repaso al trabajo
y a lo que me pasa con todos estos elementos.
Estoy de acuerdo con Rousseau, por supuesto,
en la idea de caminar.
Decía Nietzsche que pensar es caminar,
porque él fue un gran paseante, un gran caminante.
Y, a oposición, Blaise Pascal
decía que el gran problema de la infelicidad del hombre
es su incapacidad para quedarse quieto en una habitación.
Por eso no se resuelve en la habitación.
Tiene que salir afuera para eyectar y marearse
y constantemente postergar el vacío de encontrarse uno mismo.
Porque, claro, una introspección sincera
no es fácil para hacer en la soledad.
Enfrentarse a los propios monstruos
y descubrir la bestia interior en la soledad es acojonante.
Da mucho miedo explorar los propios abismos,
eso Nietzsche lo sabía muy bien,
por eso él camina, y caminando en la naturaleza
se reencuentra
y salen grandes inspiraciones para su pensamiento filosófico.
Y, en mi caso, tengo una doble forma de trabajar.
En el aislamiento, yo me concentro.
Como el "dictum" que dice: "quien se margina, se centra".
Eso ocurre en mi trabajo.
Tengo dos formas de trabajar.
Voy hacia afuera a través de mi soledad.
El aislamiento conecta conmigo mismo,
ergo, saco piezas muy locas, muy divertidas...
además de cada lugar.
El clima de la Riviera Maya con el sol de las Filipinas,
con la fuerza de la costa azul francesa,
con la magia de la mitología griega.
Estoy pintando en Grecia y me sale pintar diosas.
Estoy en Niza y estoy pintando "Los fuegos del tratado cósmico",
que es un libro que me lo he leído de cabo a rabo cuatro veces
donde imágenes esotéricas hablan sobre el alma,
el dibujo abstracto de la luz, de la superación del yo inferior
hacia el yo superior, que es la mónada,
y me conecta con cosas alucinatorias,
y no estoy pintando la mar de Niza necesariamente.
Estoy pintando otras cosas.
O sea que no voy a pintar para ser un copista, pintor clásico.
Todo eso enriquece la obra en energías muy vibrantes.
Necesito ese giro, pero cuando llego allí, me aíslo.
-¿Qué comunidad creas con los espectadores?
Por ejemplo, hablabas del motín de Bounty
y has comentado que la artista se transforma en un dios,
pero cuando contemplamos esa isla,
al contemplarla, simplemente, sin saber ni siquiera cómo
y cuándo se ha pintado,
el espectador se convierte también en un dios que no ha creado,
pero que está viendo todo lo que pasa.
Estamos ahí encima de la islam es como un Google Maps.
-El contemplador tiene que recibir toda la información de la obra
y yo intento facilitársela.
Creo que es importante reconocer los símbolos
porque si no, nos quedamos fuera de juego.
Por eso el arte ahora mismo es tan banal,
porque ha perdido conexión con la simbología,
con la profundidad de los iconos, y no sabe leer arquetipos.
Yo, por ejemplo, con la isla del Bounty,
estamos hablando de un motín del siglo XVIII,
donde unos marinos se rebelan a su capitán,
que era un sádico, que los tenía machacados,
se liberan de él tirando al capitán
en un barco de salvamento,
lo dejan en medio del Océano Pacífico con 18 marinos.
Y estos se van con un barco a buscarse una isla
para alejarse de su dominio,
para que no venga el Reino Unido a buscarlos.
Ese aislamiento allí, cuando llegan con un barco
a la isla Pitcairn, pues deciden quemar el barco
y olvidarse de su patria.
Se han alejado del sistema, del trabajo, del deber.
(PELÍCULA) Por ello te busqué en Argentina,
porque supe que allí habías reencarnado
en un pequeño niño que no sabe que eres tú.
-Estar al margen por elección no es lo mismo que ser marginado.
¿Cuál es la función de los márgenes y el lugar que ocupan en tu obra?
¿Cómo los has transitado, habitado, cómo los has sufrido?
Hablabas de ese peligro que tienen las islas.
Tan pronto son utopías como distopías.
Y eso tiene bastante que ver
con la forma de habitar en esos márgenes.
-Bueno, voy a recurrir a Jean-Luc Godard,
que fue un maestro para mí del cine, donde dice que el margen
es donde se sostienen las hojas de un cuaderno.
O sea que ahí se une todo, en el margen final de la hoja.
Por lo cual, de alguna forma, el margen es el límite
entre el más allá y el más acá.
Y es un sitio donde se encuadernan las dos realidades.
Yo creo que salir del margen
permite descubrir nuevos universos, nuevos mundos
y volver a él es conectar con el mundo.
No podemos pintar para mí mismo.
Yo no pinto estos cuadros para yo,
aunque me encantaría que salieran de aquí.
Están todos aquí porque algún día saldrán,
pero, de momento, el margen, yo cada vez que cambio de país,
de ciudad,
me expongo a sitios incómodos, con calor, con mosquitos,
que se pegan a los cuadros,
a que me rajen los cuadros con llaves o con cúteres
y me los rompan en medio de sitios, a que me los roben,
a que un vendaval me los saque volando y se llene
el óleo de arena y se joda todo el cuadro,
o me lo transforme para otra cosa.
Es decir, me rompo...
O sea, prefiero los jardines
que las bibliotecas.
Prefiero un estudio nómada
que un estudio sedentario, donde está todo controlado,
todo bajo control.
Quiero esa especie de esfuerzo, de tensión,
que me genera unas obras únicas.
(PELÍCULA) ¿Por qué las mujeres y los hombres no se pueden amar?
-Considero que sí que se pueden amar,
pero el problema está en cómo cada uno entiende el amor.
-No, de lo que estamos hablando acá no es de eso.
Es del egoísmo.
Cuando nos queremos apropiar del placer de nuestra pareja,
eso nos convierte en egoístas.
No podemos ver que otra persona le dé placer.
(LAURA) La mujer tiene que realizar un esfuerzo extra
para la satisfacción y liberación,
incluso el conocimiento de sus propios deseos.
Un esfuerzo debido, en gran medida, a las cargas e imposiciones
sociales y familiares
que aún pesan sobre nosotras.
En la historia del arte, la mujer muchas veces,
estoy pensando tanto en películas, en la historia del cine,
como en la historia de las representaciones pictóricas,
la mujer muchas veces se ha representado
como un objeto de consumo y un objeto de deseo,
que no deseante.
En tu corto "Humano, demasiado humano",
dedicado a Nietzsche, como no podía ser de otra forma,
y a Lou Andrea Salomé,
el gran protagonista es el cuerpo desnudo de una mujer.
¿Cómo seguir representando el cuerpo de la mujer
sin que sea un mero objeto de deseo,
sin que sea solamente y exclusivamente
un objeto de deseo, sino también un cuerpo que desea?
¿Qué máscaras existen y de qué máscaras
nos tenemos que seguir liberando?
-Yo, para empezar,
considero que el grado de libertad de las mujeres
es indicador del grado de libertad y de civilización de una sociedad.
Es decir, esto lo dice Charles Fourier,
que era un lúcido del siglo XVIII que decía
que sin emancipación sexual no hay emancipación social.
Y que las mujeres son el estandarte de la libertad
que gozan de cómo es una sociedad.
Cuando una sociedad equilibra a la mujer con el hombre,
esa sociedad está muy avanzada y liberada.
Te presento una reversión de "Las tres Gracias"
que son las Cárites,
las tres gracias griegas de la mitología
que acompañan a Venus en su corte,
en un cuadro famoso de "La primavera" de Botticelli.
aparecen las tres: Aglaya, Eufrosina y Thalía.
Abundancia, amor y júbilo.
Entonces, están representadas en un copón
de una de las piezas de los Tesoros del Delfín,
copiado de allí, del Museo del Prado,
un aguamanil y un cupido montando un dragón marino,
siendo testigo y padrino de estas bellezas
que se unen en una simbiosis
trinitaria muy feliz y gozosa.
La he hecho más un poco erótica, festiva,
más, diríamos, conectadas que casi todas las que se han hecho.
Creo que es la última versión que se ha hecho
de "Las tres Gracias" en la historia de la humanidad.
Ahora te voy a enseñar una obra que es una...
¿donde todo el mundo siempre es retratado o no?
Nunca te retratan ahí.
He decidido hacer un retrato de una mujer sentada en un váter.
Es el sitio donde todos nos tenemos que sentar varias veces al día
y rendir tributo a lo terrestre.
Se llama "Lo profundo ama la máscara".
Es decir, la máscara sería la piel, el cuerpo.
Lo profundo es el yo interior, esa especie de espíritu blanco
que la contiene y que a la vez está leyendo un libro
de conocimiento metafísico,
se llama "El tratado del fuego cósmico".
Aparece un fuego blanco, pero conectado con el erotismo
de cliché que puede ser de cierto fetiche,
ya que hablábamos de objetos de deseo, ahí lo tienes:
una minifalda, unos taconazos...
Que yo descubrí años después que era una fotografía de mi madre.
Mi madre me llevaba al colegio así, con tacones y minifalda.
Descubrí la foto y digo: "joder, si he pintado a mi madre".
Era una novia esta vasca que tenía.
Pero la vestí como cuando era niño.
Bueno, pues ahora, Laura, te quería comentar mi última obra
que estoy ya terminando.
Me queda poquito para acabar las alas.
Es una fotografía que nace de mi hermana embarazada.
Hace dos años que ya parió,
pero esta foto me impactó mucho
porque en esa imagen está el dolor,
el dolor de la encarnación,
el dolor de llevar un cuerpo que no es el tuyo,
la pesadez de bajar a la carne,
el esfuerzo gigantesco que toda madre hace
por mantener en vida esos nueve meses,
que es una carga realmente pesada.
A todos los niveles: testosterona, hormonas que se movilizan...
la carga de peso, de alimentación...
Y todo esto me parece tremendo.
Y, por otro lado, es la idea del ángel
que esconde todo ser humano.
-Ese fragmento es de una anunciación, ¿no?
-Sí, de Fra Angelico.
Me encantan esas alas,
siempre me han fascinado esas alas de oro de un pavo real.
Parece eso, ¿no?
Parecen como ojos y, a la vez, también son los circulitos
de los diseños de los propios pavos reales.
Pero sí, he puesto ojos como idea también de la visión.
Y de oro porque representa el ángel caído
que, en el fondo, también podemos recordar que es Lucifer.
El primer ángel que ha caído...
Estaba cansado de la inercia del cielo y el paraíso
Y decide: "vamos a sacudir esto, "vamos a bajar a la materia
y a sacudir todo y a ver qué pasa, y ese es el juego de la existencia.
Yo pinto mujeres Lilith,
que es, para mí, la primera mujer de la historia.
Mujeres poderosas, libres, fuertes, enérgicas, independientes.
Pueden estar solteras o casadas, me da igual.
Mujeres que no están vinculadas a la sumisión, al sufrimiento.
Las hijas de Lilith son todas las mujeres rebeldes.
Y los pintores las han pintado muchas veces.
Y creo en ellas.