Escuchad la música con vuestra alma y ahora, mientras escucháis,
¿no sentís dentro de vosotros mismos
a un ser interior que se despierta y os hace levantar la cabeza,
elevar los brazos y marchar lentamente hacia la luz?
Así expresaba Isadora Duncan lo que sentía al danzar.
Isadora fue la primera bailarina
que sube a un escenario para bailar descalza, sin maquillaje,
con el pelo suelto y vestida únicamente con una túnica.
Su forma de presentarse en escena rompía con el ballet clásico.
Da comienzo la modernidad
y aparecen nuevas propuestas de entender la danza.
-Esa danza moderna, que no se puede desligar del contexto
en el que sucede, que es la Segunda Revolución Industrial,
en la que va a haber la implantación del trabajo en cadena,
con lo cual hay una alienación de los cuerpos,
una mecanización de los cuerpos,
y una corriente que se genera en la sociedad de antipositivismo.
En este contexto va a haber una serie de bailarinas,
y digo bailarinas porque también va a emerger la mujer
como gran protagonista de la danza en el siglo XX,
que van a presentar propuestas diferentes,
desde otro lugar.
No han estudiado ballet clásico, no tienen esa técnica,
no tienen ese virtuosismo.
Entonces, en lugar de la palabra "técnica",
tenemos que poner
el foco y la atención en la palabra "expresión".
Esas mujeres lo que van a querer es expresarse,
expresarse fundamentalmente a sí mismas y su mundo.
La espontaneidad de estas bailarinas
se aleja de otras formas de vivir la danza a lo largo de la historia.
En las cortes renacentistas,
la danza se aprendía como parte del protocolo,
se practicaba en las fiestas cortesanas
de la aristocracia.
El concepto de estas fiestas
era mucho más amplio que la danza,
incluía banquetes, conciertos o paseos.
-Se estructuraba, fundamentalmente, en dos formas.
Una forma era lo que se conoce como el "ball" en Francia,
para nosotros sería el baile de sociedad,
un grupo de aristócratas que se reúnen en un salón
y bailan el repertorio aprendido con su maestro de danzar,
porque la danza formaba parte de la educación nobiliaria
y nadie que no hubiera aprendido a danzar
podía ser alguien en ese contexto elitista.
Entonces esa práctica lo único que necesitaba era una orquesta,
saberse el repertorio y ejecutar el baile.
Y la otra práctica, junto con el "ball",
era la que se conoce con el nombre de "ballet de cour",
ballet de corte.
Esa práctica la podemos definir como un dispositivo
que englobaba diferentes aspectos.
Por un lado, la música, que era vocal e instrumental,
muy importante.
El texto, había un texto, desarrollaba un argumento,
que era escrito por un poeta anexado a la corte y que era recitado.
Música, texto, lo que hoy denominamos escenografía,
que se denominaba en la época maquinaria,
figurinismo, es decir, un diseño de vestuario,
y, por supuesto, la danza.
La danza que era una danza coreografiada
por el maestro de danzar,
que, además, era ensayada previamente por esos cortesanos
y expuesta ese día en ese contexto de fiesta.
Estas prácticas fueron fundamentales
en el proceso de profesionalización de la danza.
El estricto control del cuerpo y de los movimientos
comienza a ser una práctica común de los bailarines,
que han cambiado el salón de baile por el escenario
y la práctica social por el espectáculo.
-Ya no va a ser un zapato con tacón, sino que va a ser un zapato plano,
con cintas,
un poco el concepto que tenemos de la zapatilla de la bailarina,
pero que aparece a finales del siglo XVIII,
por supuesto, no para ponerse de punta,
sino que era un zapato
con el que se iba en la vida cotidiana,
pero que, claro, ese zapato, al no llevar tacón
y ser de unos materiales muy suaves,
va a permitir
que toda la flexibilidad del pie, eso pueda desarrollarse más,
hasta el punto que ahí tenemos el origen
de lo que luego va a ser la punta,
es decir, los bailarines, en el escenario,
también utilizaban ese calzado de la sociedad civil.
Entonces, poco a poco, el relevé puede ir subiendo,
puede ir subiendo hasta el punto que se va a llegar a la punta,
y eso va a ser el siglo XIX.
Entonces, es muy importante la indumentaria y el calzado
para saber cómo evoluciona también la danza,
de tal manera que muchas veces podemos decir:
qué calzado llevas, te diré qué tipo de danza ejecutas.
-Asociamos el control del cuerpo,
al menos en la parte profesionalizada de la danza,
a lo que entendemos como ballet clásico
o ballet académico.
Esa forma de moverse, que es una determinada forma de moverse
que nace en la Francia de Luis XIV,
pero que se extiende hasta nuestros días,
está basada fundamentalmente
en un control muy estricto del cuerpo,
es un control que empieza por utilizar el espacio
de una forma bastante geométrica y también
por desglosar los movimientos
que después vemos en el escenario, cómo se hace en la barra,
uno por uno, y asociarlos a una determinada lógica
que los bailarines aprenden.
Desde el punto de vista de la historia,
las puntas de ballet se las pone, en principio, por primera vez,
Marie Taglioni, una bailarina del Romanticismo,
y tienen que ver precisamente con el Romanticismo,
donde estaban de moda todas esas mujeres blancas, etéreas,
todo ese mundo de los fantasmas, del nacionalismo en el arte,
de otros pueblos exóticos,
y se las puso en un momento dado
para hacer que el público flipase con ella,
pasaba de un lugar a otro del escenario como si flotase.
Todavía no estaban preparadas como hoy en día
para que las bailarinas se sujetasen tanto tiempo sobre ellas.
Esto pasó en el siglo XIX.
Hoy en día, desde el siglo XX,
son un elemento indispensable
en lo que se conoce como "ballet académico".
¿Por qué?
Porque el ballet clásico ha llevado hasta el extremo
esa idea del mínimo contacto con el suelo.
El ballet cada vez ha sido más... voy a utilizar la palabra "eidético"
en el sentido de que tiene que ver con las ideas.
Lo que nos presenta es a una bailarina
que cada vez está más estirada, una danza de elevación,
una danza que es hacia arriba, que se presenta,
aunque se haga con el cuerpo,
se presenta por medio de ideas y de conceptos.
Ese diálogo entre el pensamiento y el cuerpo no era nuevo.
Los filósofos, desde el principio, han pensado la danza,
han pensado en los cuerpos en movimiento.
Platón decía que la danza era eso que le pasa al cuerpo
cuando oye música y no puede evitar moverse.
-Nos han contado siempre la historia como si la danza,
a diferencia del resto de las artes,
no tuviese que ver con el pensamiento,
como si la danza fuese una cosa del cuerpo
y el pensamiento y la filosofía
fuese una cosa de la cabeza y puramente racional.
Esto no es nada más que un prejuicio.
Fijaos que la filosofía nace del asombro por el movimiento.
Los primeros filósofos que eran físicos
estaban maravillados ante la naturaleza,
pero casi concretamente por el movimiento de la naturaleza.
Es decir, cómo puede ser que los ríos se muevan
o la luna tenga ciclos y, a pesar de eso, sea algo estable.
A partir de ese asombro por el movimiento
comenzó la primera gran conceptualización
de la filosofía.
Es decir, ha existido una pregunta por el movimiento
y ha existido una pregunta por el cuerpo
desde los inicios del pensamiento.
Son muchos los pensadores
que han unido mente y cuerpo en la danza.
Son también los propios coreógrafos
los que muchas veces investigan sobre la música que interpretan,
sobre su historia,
sobre el significado que quieren transmitir,
sobre la conexión entre lo que hacen
y la realidad social y cultural que viven.
Es el caso del espectáculo "Anecdotario",
que cuenta pequeñas historias tanto de bailarines de claqué,
como de músicos del mundo del jazz.
-El origen de "Anecdotario" surge de un grupo que tenía yo de alumnos
y planteé como ejercicio final de curso
una pequeña investigación para crear este espectáculo.
Entonces, cada alumno fue aportando esas anécdotas
de los músicos y de los bailarines
y luego se le dio forma.
Entonces, por ejemplo investigábamos un poco de un bailarín
que tenía estas coreografías,
entonces aprendíamos esas coreografías
y las integrábamos en el espectáculo.
El claqué tiene como base un lenguaje de percusión
y la percusión es algo que yo diría que todo el mundo
lleva dentro de alguna manera.
Y si no es con las manos sobre la mesa o con los dedos...
¿quién no ha hecho así con los pies en algún momento?
Entonces, yo creo que es algo
que realmente sale de dentro, la percusión.
A priori,
todo el mundo puede juguetear un poquito rítmicamente
y es muy fácil caer en el movimiento de los pies.
Entonces, el claqué empieza de ahí
y solo hay que ponerse a desarrollarlo.
A mí me gusta trabajar con música en vivo siempre,
creo que es esencial porque es donde se puede generar
esa comunicación, música y baile.
Y luego, pues es muy intuitivo.
A la hora de improvisar, obviamente cuando estás coreografiando
tienes que estar atento a aspectos un poco más técnicos como el tempo,
sobre todo el tempo,
y que encaje lo que estás haciendo con los pies,
con los pies, que vaya con la música en su sitio,
y luego, cuando hablamos de improvisación, es pura intuición.
Hay unas bases que tienes que aprender como bailarín,
bases que son del lenguaje del músico realmente,
para saber por dónde está el tema, tú tienes que saber en qué momento
tienes que bailar y en qué momento no tienes que bailar
para saber dónde van los solos.
Y es muy intuitivo, vas escuchando la música y tratas de dejarte llevar
combinando con los fantasmas que pueda uno tener dentro
por los bloqueos en cuanto a la técnica
o las exigencias de cada uno.
Pero es pura intuición, es escuchar y dejarte llevar.
Nuestro diseño corporal está hecho para el movimiento.
La danza es ese movimiento que sucede en un espacio
y en un tiempo determinado.
Cada gesto nos identifica y nos diferencia de los demás.
Los gestos son una coreografía creada durante el tiempo
para comunicar mejor aquello que queremos transmitir.
-La danza es un lenguaje,
es un lenguaje que yo puedo participar de él
y, de alguna manera, incluirlo en la formación de mi identidad,
incluir cómo me muevo, quién soy yo moviéndome,
y cómo se mueven los demás, y de ahí qué aprendo,
creo que también hay una relación muy valiosa
en cuanto a intercambio de conocimiento, de contenido,
porque la danza es identidad,
la danza es una forma de diferenciarnos
y de igualarnos al resto de nuestros congéneres.
Entonces, somos la propia danza,
porque somos quien la ejecuta al fin y al cabo.
Aunque guste o no guste la forma de acercarse a ese término,
realmente es inseparable al cuerpo.
-Yo he entendido la danza como un medio de comunicación
al servicio de una expresión concreta,
y en estos últimos años la estoy aprovechando mucho más
como una herramienta de conexión conmigo misma,
una herramienta de conexión con el cuerpo, con cómo estoy,
una manera como de aterrizar en el cuerpo,
de habitar el cuerpo de una manera muy directa.
Que nos podemos servir de la danza para nuestro día a día,
para nuestra vida cotidiana.
Es una excelente manera de mantenerse sano, hacer ejercicio,
de tener un poco los pies en la tierra,
porque vamos en nuestro día a día un poco como desconectados,
como... vivimos en nuestro cuerpo, pero no lo habitamos.
Realmente creo que nos falta esa conexión, de escucharnos.
-La danza puede considerarse un medio de comunicación básico,
porque al fin y al cabo es nuestro cuerpo el que habla.
Nuestro cuerpo habla siempre, yo, con mis gestos, con mis manos,
ya estoy diciendo muchas cosas,
pero si además bailamos, podemos comunicar mil cosas más,
además muchas más cosas
de las que a lo mejor podríamos comunicar solo con las palabras
o solo con lo que pensamos,
porque además es una comunicación más honesta, más real,
y además que nos transforma a nuestra esencia,
a lo que somos realmente y no a lo que pensamos o creemos ser.
-Es muy interesante cómo va cambiando la forma del cuerpo
según el ánimo, o sea, si yo estoy así, estaré más deprimido,
estas son cosas muy básicas de la comunicación no verbal,
pero cada uno tendrá sus códigos y sus lenguajes consigo mismo
y sabrá, pues mira: hoy por ejemplo estoy un poco más así, más "chof",
hoy estoy como contento, que como el mundo,
esto lo percibimos.
O sea, tú pasas al lado de alguien y son informaciones que puedes leer.
La danza ha sido utilizada como medio de expresión
desde el principio de los tiempos.
Cada movimiento que se utiliza en la danza de cada cultura
tiene una lógica propia: golpear el suelo, elevar la mirada,
hacer percusión con el propio cuerpo,
tomarse de la mano, danzar en grupo...
Hoy parece que se nos ha olvidado conectar mente y cuerpo,
escucharnos y ponernos en diálogo con otros cuerpos.
Talleres como el que llevan a cabo Yara Paz y Juan Manuel Ramírez
sirven para hacernos conscientes de este lenguaje corporal.
-Se basa en la escucha y en el compartir la energía,
porque tú podrías desarrollar una capacidad para empatizar
energéticamente con los cuerpos que tienes al lado,
que lo hacemos a diario, por ejemplo, cuando vas
en el metro o vas caminando por un pasillo lleno,
vas haciendo los movimientos para no chocarte,
o sea, como que esa información ya está,
para conectar con todos los cuerpos que tienes alrededor
y poder generar una comunidad,
porque en el momento en el que te agrupas,
yo creo que ya empiezas a formar parte de algo,
un cuerpo más grande, simplemente con muchos minicuerpos.
Y creo que se trabaja, pero que es algo bastante accesible,
en el sentido de que grupos
que llevan 20 minutos trabajando juntos
ya se empiezan a escuchar;
en el momento en el que se pone el foco ahí,
ya tu cuerpo tiene esa habilidad de escucha,
de agrupar con los cuerpos que tenemos alrededor
para crear algo más grande.
Y es apasionante porque gente que no se conoce de nada,
solamente en un taller, ya es capaz de considerarse grupo.
Es como aterrizar en darse cuenta
de que con cada gesto estamos bailando,
con cada expresión...
es lo que compone la base de la danza,
los pasos, los gestos, las posturas...
hay mucha información en nuestro día a día
que nos serviría para montar una coreografía.
La danza puede fomentar la autoestima,
el conocimiento de la propia persona,
pero también la cohesión grupal, las relaciones con los demás.
Darle un espacio a la danza dentro de la escuela aún es un reto,
pero son cada vez más los colegios e institutos
que llevan la danza a las aulas,
a través de asignaturas como Educación Física,
Educación Artística o asignaturas optativas propias.
-Son espacios maravillosos para potenciar,
para desarrollar, para entrenar habilidades sociales y personales.
Porque, claro, cuando tú entras con la danza dentro del cole,
más que dar clases de danza de un estilo concreto
y de que los niños sean o no aptos para ese estilo,
justamente entrando con una diferenciación
por posibilidades,
en la escuela se busca todo lo contrario.
En la escuela lo que tú buscas... sí,
que entiendan el cuerpo, que coordinen el cuerpo,
que sepan moverse, pero, sobre todo,
que sean capaces de moverse ante la mirada del otro,
que sean capaces de entre los dos moverse juntos,
que sean capaces de ponerse en medio de la clase y hacer un algo
cuando antes tenían una timidez absoluta.
La danza te permite hacer muchos trabajos
que van a potenciar estas habilidades sociales,
estas habilidades de trabajo incluso, de trabajo en equipo,
de si tú no estás no podemos, eres importante,
eso ya va a incidir en la autoestima,
qué bien te mueves, no me muevo raro,
es tu movimiento, eso es una maravilla...
es incidir en que lo que tú haces es válido.
La UNED, como centro educativo, apuesta desde hace años
por acercar el mundo de la danza a la sociedad
a través de ponencias, talleres y espectáculos.
Poner en relieve este arte, este lenguaje,
esta forma de entender el cuerpo y sus movimientos
como fundamento para construir la sociedad.
-La apuesta de la UNED es hacer consciente al alumnado,
a los profesores interesados, al público en general,
de esta importancia,
de esta interdisciplinaridad de la danza,
de esta relevancia de la danza, que no es un arte más,
que al fin y al cabo acaba siendo un poco desplazado,
desgraciadamente,
pero debería tener una posición o un lugar mucho más céntrico,
tanto en la cultura como en el saber,
precisamente por esa importancia que tiene en nosotros como personas
y en nuestra vida y en nuestra salud.