Buenos días, soy Marina Sanfilippo, la directora
del seminario permanente de literatura y mujer
de la facultad de filología de la Uned y en primer
lugar me gustaría agradecer a Emma Dante por
aceptar esta invitación a nuestro décimo coloquio de este seminario
diría que una de las poquísimas cosas bonitas de
esta vida online es precisamente el hecho de que
los encuentros internacionales se han vuelto más fáciles
sobre todo para el mundo académico que nunca tiene
financiación suficiente para aquella vida en la que existían
los viajes, existían los hoteles. Ahora, lo importante es
ver quién es Emma Dante y por qué queríamos invitarla
a un congreso que habla de mujeres y relatos, mujeres
y cuentos de hadas. Probablemente habréis leído y
la breve presentación que va adjunta al programa,
recordamos de todos modos que se trata de una artista
vinculada sobre todo pero no solo con el teatro, de una artista
única, como deberían ser todos los artistas, naturalmente,
que en España no hemos tenido la oportunidad de
conocer demasiado. Es cierto que ha sido
invitada en el festival de Otoño de Madrid,
que ha sido programada no hace mucho en el Valle Inclán siempre de
Madrid. Vi, Emma, que ibas a estar en el teatro Lliure de barcelona,
pero se canceló este año. Pero bueno,
brevemente, Emma se graduó en la academia
de arte dramático Silvio D'Amico de Roma, trabajó
durante años como actriz y luego en 1999 pasó a dirigir
fundó su compañía de teatro, Sud Costa Occientale,
con la que casi de inmediato comenzó a proponer
una serie de espectáculos de gran
impacto y mucho éxito, especialmente los
que recordamos en la trilogía de la familiar,
o la de Palermo, son todos espectáculos
en los que vemos unos universos familiares
atravesados por la miseria y la exclusión la
miseria en ese doble sentido que los diccionarios
nos dan: la material que luego conduce a esta
gran infelicidad moral y espiritual, porque se
trata de una familia como lugar de enajenación
. lugar de prevaricación, de secretos, de culpa,
un lugar donde los seres humanos los seres humanos
que, recuerdo, se encuentran en situaciones
de exclusión, son prisioneros de
estos lazos familiares y muchas veces son crueles,
son feroces, pero también son indispensables y
todo esto yo diría que tiene sus raíces en un mundo
arcaico, son raíces antiguas de un mundo antiguo
mítico y yo creo que este es uno de los lazos de
Emma Dante con el cuento de hadas. Sin entrar en esas
polémicas a la Vladimir Propp o a la Levi Strauss, sin
embargo, el más visionario, Joseph Campbell dijo que
básicamente el cuento de hadas es lo que queda del
mito, es el último elemento mítico aún activo aún
capaz de interactuar con la psique humana,
de dar una especie de alimento simbólico
y creo que esto aparezca en los espectáculos y en
los libros de Emma Dante. Digo libros porque de hecho
también escribió La favola del pesce cambiato, o Via Castellana Bandiera, que
luego se convirtió en una película, de hecho ella es también directora de cine y
espero que tarde o temprano también en España por lo
menos menos veremos Las hermanas Macaluso, esta película
que fue antes un espectáculo teatral muy exitoso.
Pero, volvamos a los cuentos de hadas que
es lo que nos interesa, o sea los cuentos llevados a escena, o los cuentos de
la ópera también, puesto que Emma Dante ha dirigido el cuento por antonomasia,
la Cenicienta de Rossini, y son escrito los cuento de
hadas escritos, recordemos que las más importantes son
en 2014 Las princesas de Emma con la editorial Baldini e Castoldi
y en 2020 Y todas vivieron felices y comieron perdices con La nave
de Teseo y he reescrito Cenicienta, La bella
durmiente, Blancanieves Caperucita roja
y lo que me interesa es que no las reescribe
ni para niños ni para adultos, los escribe
para los seres humanos, tal y como los cuentos de hadas
han nacido y se han usado, pese a lo que cada uno entiende
a su nivel. Por lo tanto, en esta escritura,
y yo no he podido ver las puestas en escena
lo que noto es que hay un esfuerzo enorme
por volver a la oralidad; hay un esfuerzo por
llegar a la polisemia, porque la oralidad
fluye en una serie de textos ulteriores
de sub-textos que son vocales, que son gestuales,
pausas, rítmicas, miradas, de hecho, por ejemplo, me
divirtió mucho que en todos los cuentos de hadas de Emma, hay una canción asociada.
Puede se De André. Giono Paoli, Capossela, y uno de los regalos que las hadas entregan a
la bella durmiente en su bautismo es precisamente el ritmo.
Por lo tanto son cuentos de hadas muy ligados a la realidad
tradicional del pasado pero también muy modernos y que pueden interactuar
con el lector y el espectador contemporáneo. El ritmo y el tiempo
son muy importantes y me estoy aprovechando, por lo tanto,
aparte de agradecerle su presencia a Emma, también agradezco a
Leonardo Vilei que es un entrevistador de
excepción, recuerdo que es un italianista un
profesor de la universidad Complutense, traductor
y poeta. Hace poco publicó el poemario Tiempo de
trabajo, no sé si he revelado un misterio, Leonardo,
pero llegados aquí, os dejo la palabra, gracias
buenos días y gracias en particular a Emma
pero también a Marina Sanfilippo y a todas las
compañeras que nos acompañan y en este caso
empezamos con una pregunta más general.
porque en una ocasión Emma ha declarado que el cuento
de hadas está en el origen de nuestra formación,
del teatro y de todo! Cuéntanos a qué te referías.
Sí, yo me refería a que el cuento de hadas es la primera historia que
escuchamos de niños, es decir, que los niños escuchan es el primer
desarrollo dramatúrgico que tiene que ver con la
construcción de la visión, la visión. El cuento de hadas
es visión y por lo tanto se arraiga de
inmediato porque los niños necesitan ver las
cosas, de transformar las cosas, para deformarlas.
Mucho más que los adultos. En algún momento a los
adultos les cuesta hacer este ejercicio que en cambio
es necesario, verdad?, deformar transformar usar la
visión para reinterpretar el mundo. El cuento de hadas es
justamente un coágulo, digamos, visionario que tiene que
ver con esta construcción narrativa, por lo tanto para
mí es la base de todo lo que hay para contar una historia
a un niño adulto y para contar una historia
un adulto niño, también puede ser como
decir lo mismo, obviamente si la cuento
a un niño tengo que tener cuidado como lo
cuento, porque no puede ser de una manera brutal
como en cambio tal vez pueda pasar en algunos de mis
espectáculos dedicados a los adultos, pero digamos que
precisamente el coágulo visionario que está en el cuento de hadas
es la base para empezar a construir una interpretación propia del mundo
Qué bonita esa imagen del coágulo, es plástica. En los últimos
años diferentes autores de diferentes campos han reescrito
,readaptado, resignificando, ue algunos dicen
transcodificado, los cuentos de hadas ¿Cuál es tu acercamiento
con este coágulo y luego, en tu opinión ¿hay una
diferencia, digamos en cuanto a esta reescritura,
si está hecha hombres o por mujeres? Justamente porque porque el
cuento de hadas en sí, especialmente el que luego
se nos ha transmitido oralmente y que luego cada uno
ha reescrito a su manera, porque luego ha habido
interpretaciones tras interpretaciones, de cuentos de hadas
los cuentos de hadas nacen como un evento popular
y luego hay interpretaciones, reescrituras,
etc. .etc justamente porque el cuento de hadas es
un coágulo, cuando digo coágulo me refiero a algo
muy simple no a algo demasiado complejo, debido a ello
entonces es fundamental para nosotros, es fundamental
quiero decir, es esencial como base, en resumen, es importante para
mí es importante decirle a los niños la verdad
usando el cuento de hadas, esto es importante porque
usar el cuento de hadas significa no traumatizarlos
demasiado, inventando historias que tengan algo
mágico pero al mismo tiempo decirles y darles los
elementos para equiparlos con un cierto tipo de
moralidad, de ética de la vida, así que puesto que
el cuento de hadas llevas consigo esa simplicidad que
te permite que te permite usar muchas capas, es
decir, que luego te permite muchos niveles de lectura
de usar muchas capas de significados y, cómo
decir, de objetivos en resumen y luego precisamente
para hacerlo un poco más complejo así que digamos
que el coágulo sirve de base y precisamente porque
es una especie de lienzo en blanco, puede
convertirse en cualquier cosa. Caperucita roja
en realidad es el cuento de hadas más tonta del mundo:
una niña es enviada al bosque por su madre para que
le lleve a su abuela enferma un panecillo. Pero, ¿se puede
concebir un cuento de hadas tan tonto, con una trama tan tonta,
etc.? pero este cuento sigue funcionando, digamos
que ha estado presente en nuestras vidas durante
muchos, muchos años, por lo que significa que
lleva algo dentro. ¿Qué es cruzar el bosque?
Allí dentro hay para cada uno de nosotros un cruzar
el bosque, es crecer, convertirse en adultos,
superar los peligros, ser valientes y muchas
cosas de este tipo, así que digamos que en este
sentido la simplicidad incentiva las diversas lecturas
y transcripciones y transposiciones que luego cada autor
hizo y a lo largo de los años y lo mismo hice
yo. Si el resultado es femenino o masculino
no sé. A mí me ha gustado cuando dijiste
"Agradezco a mis compañeras por estar
conectadas con nosotros", que no usaste, por
primera vez, Agradezco a mi compañeros, eso es
porque escuchar a mis compañeras, y
listo, declinado solo a lo femenino es una
cosa excepcional, pero antinatural, en
cambio me pareció natural como lo dijiste y
por eso te digo que para mí naturalmente o no
hay diferencia entre una escritura femenina
y una escritura masculina masculina. De acuerdo. Te
voy enunciando algunos elementos que he encontrado en
tus reescrituras, aunque seguramente haya otros
que en este momento tal vez no diré, y que
nos dirás tú. Hay por ejemplo el uso
del dialecto, el humor y la subversión
de algunas situaciones y luego te gusta castigar a los
malos. No aceptas que todos vivan felices y coman perdices.
En los nombres de los lugares, Montecozza por
ejemplo, se notan esos elementos ligados a un
mundo dialectal, que se asoma en estos conocidos
cuentos de hadas, sin embargo, de repente
parecen proyectarse en otro lugar. ¿Qué relación
tienes con estos elementos que acabo de nombrar?¿los
reconoces y en general? incluso en tu
producción general, no solo teatral estos
elementos están presentes. ¿te reconoces
en esta descripción? ¿hay otras cosas
que te gustaría resaltar? Sí, me reconozco
bastante. Como dije antes para mí es importante
delinear, definir unas reglas éticas. Cuando
hago un espectáculo, o hago una película,
o escribo una historia tengo que lidiar
con el mensaje que quiero enviar no
puedo evitar preocuparme esto, ¿verdad?, así que cuando tú dices
que me gusta castigar a los malos, ¡me parece de recibo! en el
sentido, pero no porque crea, no es
porque soy una torturadora, una vengativa,
no es una cuestión de venganza, sino simplemente es
una cuestión de justicia, en el sentido que yo creo
en la justicia y yo creo que si una persona
le ha hecho daño a alguien debe pagar por lo
que hizo y no procurar que esto se
olvide, como, en fin, como si fuera algo
irrelevante, como si el daño pudiera no ser
tenido en cuenta, en resumen, para que los niños
sepan que los malos deben ser castigados,
es que no puede llegar un perdón tan fácil
"bueno, venga, no hiciste nada, vamos, ven y
quédate en mi castillo te doy la habitación más
bonita", es así que es muy fácil, ¿no? No estoy diciendo
que no deba haber perdón, pero el perdón también el
perdón es un proceso largo y debe ser un
proceso largo y complejo, no puede ser
tan simple como se cuenta, endulzado, en algunos
cuentos de hadas, así que para mí es importante que el
mensaje llegue, es importante como hacer
que llegue, es importante usar la visión, no
quedarse encerrados en la habitación pequeña, sino que,
precisamente como dice Gino Paoli, ver el cielo aquí
en el techo y porque estoy convencida de que
se puede soñar estando despiertos, no es solo
sueño que luego puede ser portador de sueños, sino
también la realidad es portadora de sueños y por
eso me gusta imaginar, soñar, incluso mientras
estoy de compras. De acuerdo, ahora iré
proyectando algunas imágenes tomadas de
uno de tus libros, el de la reescritura
de princesas. ¿Por qué proyectamos estas
imágenes? Porque el cuento de hadas vive en el
cuerpo, en la voz, y siempre hay una oralidad, una
corporalidad y entonces las imágenes que acompañan y
,entre otras cosas, qué hermosas ilustraciones.
parecen acompañar la historia con esta
corporeidad y pero también quizás abren
un espacio diferente. ¿Cuál fue la
relación con la ilustradora? porque hay un
entendimiento extraordinario, me parece,
mientras tanto espero no equivocarme y voy
proyectando algunas imágenes para que las podamos ver
aquí están, mientras tanto te dejo hablar. Sí, la ilustradora
de este libro, que es precisamente el libro y Todas
vivieron felices y comieron perdices, publicado por La Nave
di Teseo, la ilustradora se llama Maria Cristina
Costa y en mi opinión es una visionaria quizás mucho
más que yo y sus imágenes lo demuestran, se
trata de una ilustradora italiana que conozco
desde hace mucho tiempo, que ha ilustrado todos
mis libros de cuentos de hadas y es también
autora de las ilustraciones de una libreta que estaba
presente en mi película Via Castellana Bandiera
y ella, en resumen, digamos la ilustradora de esa
libreta, que luego se convirtió en algo importante
de la película, nos conocemos desde hace mucho
tiempo, ella ha visto todos mis espectáculos pero
siempre ha mantenido su idea de mis cuentos de
hadas, porque sus ilustraciones en realidad están
muy lejos, incluso los decorados o los
disfraces que ella usa están muy lejos
de los espectáculos que he hecho a partir de estos
cuentos de hadas. Este libro nace después del
espectáculo, es decir, primero hago los espectáculos y
luego escribo los textos, funciona así ¡yo soy extraña!
todo funciona de una manera extraña, el proceso está
completamente desligado de un orden y luego ella interviene
con sus visiones, así que en realidad prácticamente
veo un texto primero en el teatro con mis
personajes y luego lo veo de nuevo en la página
escrita con los personajes de Maria Cristina, así que
en fin, es un enriquecimiento grandioso, en
fin, espectacular pero aquí hay que decir que
conoce muy bien mi teatro por lo que sabe
captar los sentimientos a su manera y
las emociones que algunas frases sugieren.
Capta también y sobre todo lo grotesco
de los personajes, lo que para mí es fundamental,
los personajes, mis personajes, son grotescos
no pueden ser personajes, como decir,
elegantes y refinados, deben ser
personajes defectuosos, sobre todo, defectuosos.
Realmente es algo que me llamó mucho la atención y
este es precisamente, por ejemplo, el asunto de los
siete enanitos, que son mineros que han perdido las
piernas en un accidente de trabajo. Por eso son
bajos y esto entre otras cosas en las imágenes
que también hemos visto antes, debo decir que
crea un efecto realmente extraño y perturbador es
Una curiosidad muy simple: pero ¿Cómo
se te ocurrió? Si quieres saberlo
como se me ocurrió, es algo muy simple,
pero efectivo. Pensé en estos cuerpos
que se deslizan por los agujeros de la tierra, pensé
que trabajar en una mina, en resumen, todavía debe
ser muy agotador, físicamente, es decir, sobre
todo físicamente, por supuesto, sin embargo, tener
que ver con la materia, con la montaña, con la tierra,
con los agujeros, con las pendientes, con las rendijas
en resumen, tener que meterse en las entrañas de
la tierra me hizo pensar en una dificultad del
cuerpo, a una necesidad del cuerpo para modelarse,
cambiar su fisonomía, que es también cambiar
algo para poder hacerlo mejor, así que pensé
que si estos mineros no hubieran tenido piernas
seguramente habrían sido más, habría sido más
fácil para ellos introducirse en la montaña. Tuve
esta visión y luego claro que junté el hecho
de que eran bajos y pensé que también podría
ser interesante decir que estos hombres
en realidad no son tan alegres como
tan alegres tan felices tan despreocupados como se
han mostrado hasta ahora pero que en fin, Los mineros
que trabajan en una mina todo el día también
están expuestos a unos peligros. Gracias,
luego invitamos especialmente a conocer los ruidos
de Eolo, que, debo decir, es algo que me hizo
reír, en fin, qué los lectores curiosos lean tu
Blancanieves y verán. El cuerpo, en síntesis, el
cuerpo grotesco, el cuerpo deformado, el
cuerpo con toda su decadencia, con sus defectos
Todo tu trabajo parece atravesado por
esta relación con el cuerpo, tanto cuando
te acercas al cuento de hadas, cuanto en general, y si
me permites la expresión, sientes atracción por la carne
Uso esta palabra precisamente porque en tu obra vemos
la carne, con todas sus circunstancias, para nada
endulzadas. ¿Cuál la raíz de esta investigación tuya continua en esta
corporalidad? Mira, es algo natural, en el sentido de
que todo parte de mi teatro, empieza por los espectáculos
que he realizado desde el inicio de mi carrera
con mi compañía, donde tenía enfrente unos
cuerpos en lugar de unas hojas, los cuerpos de los
actores y actrices que eran vírgenes delante de mí, y con
estos cuerpos, con estas personas he construido
unos códigos expresivos que ahora forman
parte de mi poética y es gracias a estos
cuerpos a estas personalidades que he empezado a
explorar la naturaleza humana. Es que mi
teatro es antropológico, tiene algo, busca
algo primitivo, instintivo, por lo que el cuerpo es
precisamente ese ser que hace pipí cuando tiene que
hacerlo, que come cuando está hambriento, que bebe cuando
tiene sed y que de hecho todos todos los psicologismos
todos los artificios, las cosas superfluas no sirven,
o sea, es como el animal, el cuerpo del animal
es mas que nada, tiene que ver con esa
bestialidad, por esto me interesa el cuerpo de las
personas, porque es puro como los animales. Es muy
interesante lo que dices porque entre otras cosas
en esta representación de cuerpos, a veces los cuerpos se convierten
o parecen interactuar como si fueran muñecos o títeres. Tengo esta
sensación. ¿Hay algo que te une con estos dos cuerpos peculiares?
Son cuerpos inanimados pero que cobran vida ya sea
con la mente o con los hilos, precisamente muñecos y
títeres, ¿te cuadra en esta imagen? Sí, más bien
porque los muñecos y los títeres que ver con
el juego, en el sentido de que a veces nos divertimos,
yo disfruto pidiendo a los actores y actrices
que jueguen con su su naturaleza mecánica, en fin, con
el hecho de convertirse en seres desarticulados, de
porque hay un estudio de la anatomía,
un estudio del cuerpo cuando hacemos
el teatro, cuando hacemos nuestro entrenamiento,
así que lo que siempre tenemos que recordar es que
continuamente les recuerdo a los actores y actrices es
mantener despiertos los sentidos, mantener despierta
cada parte del cuerpo, no olvidar una
mano en algún lugar mientras actúa no
olvidar el pie o ni siquiera el codo, todas
las partes del cuerpo deben ser activas
por lo tanto el trabajo con la muñeca, con el
títere, el que obviamente, como ustedes saben,
cuando es un buen títere, que sabe cómo moverse, bueno, responde
cuando lo mueves para que se arrodille, pues se inclina,
por ejemplo, cuando lo tiras del codo, dobla el
brazo, cuando le aflojas el cuello, su cabeza cae
encima del pecho, entonces en resumen,
trabajar en esto en esta diferencia en
todos los puntos del cuerpo es un ejercicio
muy interesante, pero mis actrices y actores
no son marionetas en absoluto, es decir, tienen una
mentalidad, tienen opiniones con respecto a lo que hacen un
pensamiento muy profundo, no están absolutamente
maniobrados por nadie, al contrario, tienen una
extrema conciencia y responsabilidad de lo que hacen cuando
están en el escenario. Hablemos de la historia La desollada
por muchas razones, porque muchas de las cosas que
hemos dicho están allí entrelazadas. La desollada es un
cuento folclórico y catalogado como ATU 877, está
abundantemente documentado también en España, y no
solo aparece en el relato de Lu cuntu de li cunti de Basile,
sino también en dos hermosas colecciones de cuentos populares
sicilianos, la de Laura Gonzenbach y la de
Giuseppe Pitrè. ¿Cuáles son tus fuentes?
Luego también quería preguntarte si por casualidad conoces
la también la reescritura de Emma Perodi. ¿Tu única
referencia es Basile? En resumen, ¿Cuáles son tus
fuentes en este caso? Con respecto a mis fuentes, estudié
a Basile, en el sentido de que me apasioné a tal
punto de sus relatos que luego, entre otras cosas,
también me ayudaron con algunas traducciones, porque es realmente
incomprensible el lenguaje de Basile, por lo menos, tal
y como se da es incomprensible, así que en resumen hubo
algunas ayudas de Bendetto Croce, algunas ayudas
también de De Simone que obviamente hizo grandes grandes
obras sobre Basile, en resumen, conocemos su obra
extraordinaria, su interpretación extraordinaria
así que digamos que estudié Basile gracias también
a otros. Además, los actores participaron en este
espectáculo eran napolitanos, así que en
resumen tuve la oportunidad de conocer esta
maravillosa y difícil lengua, difícil y hermética para mí,
que seguramente tiene que ver con el siciliano de Pitré
porque precisamente Pitré también fue un inventor
de personajes grotescos, él también, pensemos en
Giufá, por ejemplo, el protagonista de
su obra es Giufá, que él ha reescrito,
que ha reinventado etcetera etcetera ,
digamos que para mi esta lengua , este invento
precisamente estos personajes son siempre un poco, como
podemos decir, que siempre son de alguna manera defectuosos
que siempre tienen un problema, digamos,
relacionados con los demás, con los deseos
por ejemplo las orejas de rally que sus obras
son solo desoladas y aisladas y lo mismo
que sucede por ejemplo a Giufá con su madre, siempre es
importante ese tipo de mundo entre dos, que son incapaces
de relacionarse con el resto del mundo
e incluso La desollada la brillante idea
la clave para leerla, En resumen, la interpretación es
absolutamente brillante de que el diálogo tiene lugar a
través de la cerradura, en la relación del ojo de la
cerradura, por lo que podemos decir que casi todo el
cuento se cuenta a través de este agujero, así que
las ancianas hablan con el príncipe insertando su dedo
fingiendo no tener esa edad, pero a través
de este agujero, así que, en resumen,
también es muy, digamos, procaz,
incluso en el mundo de Basile, es vulgar
siempre lleno de referencias sexuales, y es el
lugar mas lúdico donde he estado hasta ahora
su obra, por lo que he estudiado mucho su
Pentamerone. De hecho, parece una afinidad electiva
la que te une a Basile. ¿Va a producir algo más? sí,
sí, estoy trabajando en una trilogía, sí sí, ahora
debería salir, debería presentarse, que ya
debería haber pasado un año antes, de que la
pandemia, debería presentarse en Nápoles
la segunda parte de esta trilogía que se
llama Pupo di zucchero y que una vez más procede
por influjo de otro cuento de hadas de Basile
llamado Pinto smalto, el título se ha cambiado pero
también la historia se ha reescrito por completo
y así sucesivamente y luego estoy trabajando ahora en
otro cuento de Basile, tal vez se trata del tercero
y tal vez sea el último, basada en un cuento que se
llama à papera, el pato, que la historia de un pato
que hace, que en fin, que caga monedas de oro,
escudos de oro. Ahora te haré quizás la pregunta
más teórica de todas y es porque tus
caminos son realmente variados. Antes
dijiste, y ha sido muy interesante, primero haces,
luego escribes y en otros casos primero escribes
, por ejemplo para Via Castellana Bandiera, y luego
concibe una película, o en ocasiones transitas de una
obra teatral, como las hermanas Macaluso, a
una película. Con los cuentos de hadas hay como
varias idas y vueltas, y en fin, ¿Tienes un recorrido
por así decirlo preferido? Te lo pregunto porque
la crítica ha hablado en tu caso de partenogénesis
y es que de alguna manera eres un organismo que se
auto-reproduce, produce cosas que nacen de sí
mismas, de una manera algo fuerte, entonces
me vienen a la mente esas figuras
medievales, con las bestias que se comen
unas a otras y parecen estar en caddenas
infinitas. ¿Tienes un camino preferido o realmente
te mueves en muchas direcciones en tu acción? Tanto con respecto
a los cuentos de hadas, como con las fuentes, y con todas
las cosas que tú escribes . Mira, esto también es muy
simple, el proceso de partenogénesis es un proceso
absolutamente natural, de la naturaleza y por lo tanto
no es llamativo, en resumen que una especie se reproduzca
sin la necesidad de, por ejemplo, el género masculino,
así es como a veces sucede para algunos animales
digamos que cuando escribo una historia
o hago un espectáculo o una película
más bien hablo de espectáculos porque mi oficio es el
teatro, con respecto al el cine solo hice dos películas así
que no tengo ganas de decir "cuando hago mi cine"
ya que me parece demasiado, pero puedo decir cuando
preparo mis espectáculos, eso sí lo
puedo decir, ya que tengo un recorrido
bastante largo con el teatro, cuando hago un
espectáculo siempre hay dentro de cada uno
la semilla del otro, es decir, como si cada
obra fuera portadora de un brote, que es un
proceso en efecto de autoreproducción,
que no necesita ser como decir
otra cosa, que simplemente necesita encontrarlo
dentro de sí mismo y entonces esto sucede que
es que mientras estoy haciendo un
espectáculo ya tengo la idea, la necesidad de
contar otro, que nace de lo que estoy haciendo, que no está lejos
de lo que estoy haciendo, no es otra cosa, no empaqueto obras que están
cerrados en un paquete, sino que organizo,
como si yo diera a luz, si se puede decir esto,
unos seres algo incompletos, poco inacabados,
tal vez les falten algunas piezas, no están
perfectamente formados, pero tienen esta capacidad de
mejorarse para crecer, como unos recién
nacidos que en un dado momento se harán
mayores, para mi es importante que
las obras vivan, no hacer espectáculos
que mueren después de un mes o después de una temporada
y es importante darles las estaciones de la vida porque
un espectáculo es un ser, un organismo vivo y por
lo tanto necesita vivir para formarse para que
sí, para hacerse adulto. Gracias, voy a hacerte
una última pregunta que realmente es casi personal
también espero que les interese a las personas que
están ahí escuchando y luego les dejaré la palabra
a nuestras compañeras por si tienen curiosidades.
Puesto que tu mundo está lleno de bestias y
visiones, de sueños, de cuerpos, se me ocurrió que la
escritora Anna Maria Ortese en los 60 escribió una historia,
es una novela en la que la protagonista es una
iguana en una isla que no existe, entre otras cosas,
está habitada por personajes bastante singulares
y en la que realmente se cruzan hay un
cortocircuito de situaciones contemporáneas
del pasado etc. ¿conoces este texto?
¿suscita en ti algo? Sí, lo había leído hace mucho tiempo es
una novela compleja, ciertamente mágico,
lleno de visiones porque Ortese era
una verdadera visionaria. Esta mujercita, mitad
iguana y mitad mujer, obviamente tiene una
enorme fuerza simbólica y Ortese es sin duda
un, cómo decir, un ser, más que un ser, que
es parte del ....es como decir... una especie de coágulo, ella también
que está en el universo, que está en contacto
con el universo, porque cuando siempre logra
sorprenderte, porque logra decirte cosas que tienen que ver
con algo muy intimo, pero también muy
natural, tiene una pasión por los animales
por los animales pequeños, esto siempre me ha
llamado la atención en Ortese, desde que la
leí presté atención a estos diminutos
seres que pisoteamos y aplastamos
sin piedad alguna, pero existen y
son parte de todo el universo y luego
también la he citado, es un fragmento de uno de
sus hermosos libros, se llaman Las personitas
lo puse en mi última película, en la que decía precisamente
que los animales tienen una identidad, tienen dos
dos ojos y un rostro, y darles un rostro a
los animales es algo extraordinario porque
precisamente cuando nosotros los miramos, sin
pensarlo obviamente nos consideramos superiores, y por
eso pensamos que nuestra identidad es más fuerte
que la de ellos, aquí Ortese es capaz de dar ojos
a todas las cosas a todos los seres del mundo
y les da la palabra. La iguana es un libro que
relaciona todo, que tiene una capacidad
increíble para transformar la realidad
en algo realmente muy visionario así que en
fin, Ortese es un autora extraordinaria. Gracias
a este punto yo quisiera dejar la palabra
para cualquier duda y observación a
nuestras compañeras. En primer lugar, gracias, me
hubiera quedado horas escuchando vuestra conversación
y no sé si los presentes quisieran hacer algunas preguntas
parece que no. de todos modos, una cosa que quería
preguntar: el trabajo con el cuento de hadas es
un trabajo no muy racional, precisamente porque
es un trabajo con las imágenes, y las imágenes
arrastran la historia. Lo que noté es en
tus cuentos de hadas, y es un hecho hermoso
es que Cenicienta o la bella durmiente cuentan ellas sus vidas
toman la palabra, nadie las "cuenta", sino que son ellas las que se
cuentan. Cenicienta tiene el valor para decirle a los patos del príncipe
"basta, esto es así que ha ido, os la cuento
yo la historia". ¿Lo has buscado o salió así?
no, no, era algo que quería porque, en
mi opinión, estas mujeres deben crecer
un poco, tenían que asumir la responsabilidad de
su historia. Blancanieves, por ejemplo, ella es una
niña que cuando el cazador la lleva al bosque y se encuentra sola,
debe convertirse en una mujer, debe hacerse fuerte, debe sobrevivir,
por lo que debe asumir la responsabilidad de cada
gesto, de cada paso que da. Lo mismo pasa con
Caperucita roja una niña de 8 años que es enviada sola al bosque
debe de alguna manera equiparse, en resumen, debe lidiar con este bosque
Mi caperucita roja por ejemplo es una caperucita
roja anómala porque no es exactamente ajustada al
physique du role que solemos asociar a esta "linda niña" con una
capucha roja, en resumen, esa caperucita roja
que va a ver a su abuela con el panecillo, etc.
mi caperucita roja es totalmente rebelde, ella
es una niña rebelde y una que también reclama
la ausencia de su madre, ¿verdad?, se encuentra
sola y en el bosque, tiene hambre, su canasta esta
cerrada, no puede comerse el panecillo y cuando llega
el lobo le da un susto, porque le muerde al lobo
en fin, es una niña que se rebela , en cierto
modo, por lo tanto sí, las mujeres de las que
hablo en este libro son mujeres que intentan rebelarse
y de hablar en primera persona, que
asumen la responsabilidad de lo que dicen
Gracias. Leonardo ¿cómo vamos de tiempo? Tenemos aún 5 minutos-
Entiendo, las formas de la narración de Le sorelle
Macaluso, cómo tu has dicho, son diferentes, son dos
dos formas de narración diferentes porque una
está hecha para el teatro, una para el cine
las dos narraciones han sido muy diferentes
porque son dos lenguajes completamente distintos
en el teatro yo trabajo mucho con la improvisación
de actrices y actores y por lo tanto los textos nacen
después de una larga frecuentación con los personajes.
Yo interrogo a los personajes, y de esta interrogación
poco a poco nace el texto. Así que no
llego al ensayo con un texto ya escrito
sino que lo voy descubriendo junto con los personajes que
creo, así que nacen primero los personajes, luego nace
la historia. Esto en el teatro. En el cine
sin embargo es otra historia, porque el cine
tienes que tener un guion, entonces escribo
juntos con mis guionistas la historia
y luego la llevo al rodaje y junto con todas
las actrices y los actores esta historia luego
se amolda sobre sus cuerpos, se cambia a veces,
es cierto, pero está todo más acorde a un esquema
precisa, el guion, entonces es una manera
completamente diferente de escribir
pero la familia es siempre protagonista
de mis historias, porque la familia es
el lugar principal donde una persona empieza a
formarse y donde acontecen todas las cosas bonitas y
y feas de su vida, porque esas cosas precisamente,
esa persona, las cosas que pasan en esa familia
esa persona se las llevará para siempre consigo.
Por lo tanto, es el lugar de la gran responsabilidad
Gracias a tí. Lamento tener que actuar como un perro de guardia,
pero si que nuestro tiempo está a punto
de terminar, así que Marina, quizá
para cerrar este acto. Muchas gracias
Muchas gracias, espero que podamos
volver a colaborar en el futuro. Adiós